El Norte de Castilla
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Mi adiós a Juan Pablo Ortega
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Angélica Tanarro | 07-01-2018 | 18:06| 0

Hoy el temporal ha impedido que las cenizas del escritor Juan Pablo Ortega descansaran al fin junto a sus padres, en su localidad natal, El Espinar. Algo que ocurrirá en próximas fechas. Aquí, mi emocionado y agradecido recuerdo al escritor y al amigo.

JUAN PABLO ORTEGA, UN INTELECTUAL, UN CABALLERO

Este artículo podría tener solo tres palabras, las que vinieron a mi mente tras conocer el fallecimiento de Juan Pablo Ortega. Tres palabras. Las que componen un verso de Antonio Gamoneda, también el título de uno de sus libros: ‘Arden las pérdidas’. Arde el corazón por la ausencia del escritor, del defensor de la educación laica, sobre todo del amigo.juan-pablo

Recuerdo a la perfección el día que le conocí. Comenzaba mi carrera periodística en El Adelantado de Segovia y nos presentó su entonces director, Pablo Martín Cantalejo. “Os vais a entender bien”, dijo al proponerme que le hiciera una entrevista con motivo del premio Planeta a la novela de mayor interés cinematográfico de las presentadas ese año al galardón y que había obtenido por ‘Las dos muertes de un tirano’. No se equivocó. Pelo blanco, ojos reidores, traje Príncipe de Gales. Lo del traje no es un detalle baladí. Juan Pablo era elegante por dentro y por fuera. Cuidaba su aspecto físico y su indumentaria por coquetería, sí, pero sobre todo por respeto a los demás. Y este fue uno de los emblemas de su vida. Respeto, tolerancia, empatía suma. Ningún drama humano le era ajeno y siempre estaba ahí para echar una mano, incluso a los desconocidos. Pero sobre todo a su familia, que era su debilidad. Un afecto, por cierto, muy correspondido.

La vida no siempre le devolvió tanta generosidad. Abandonó España en los sesenta, cuando este era un país difícil para un demócrata convencido, para un socialista que nunca renegó de sus ideas, pero respectó las del adversario con la firmeza de quien de verdad ejerce la tolerancia. Universitarios de Dijon (Francia) y alumnos de los colleges Colby, Vermont y Vassar (los tres en Estados Unidos) tuvieron la suerte de tenerlo como profesor de español. Estoy segura de que fue algo más que un idioma lo que aprendieron de él los jóvenes que acudieron a sus clases.

Con la democracia volvió a España. Y volvió no para cruzarse de brazos, sino para tratar de aportar su grano de arena a la construcción de un país social y culturalmente moderno. Ahora que tanto se oye la palabra patriotismo y se nos llena la boca diciendo ‘España’ muchos tendrían que aprender de alguien que sin jactarse y sin agitar ninguna bandera y menos ninguna bandera de exclusión dio un paso al frente. Hubiera sido un extraordinario secretario de Estado de Cultura un puesto equivalente para el que le llamó Adolfo Suarez y eso que él era, y estaba orgulloso de ello, militante del extinto Partido Socialista Popular de Enrique Tierno Galván, de quien también fue amigo. Pero el sueño de aportar algo de su enorme cultura desde la representación institucional duró un suspiro. Para alguien tan radicalmente honesto, determinados usos del juego político no entraban en su hoja de ruta. A partir de entonces, defendió sus ideas desde sus libros, desde una institución que amaba: la Liga Española para la Educación Laica de la que llegó a ser presidente de honor y, por encima de todo, desde su radical ejemplaridad personal. Nunca se escondió cuando creía que la causa era justa.

Escribió novelas, cuentos, (fue premio Doncel de Literatura infantil), obras teatrales y ensayos. Pero como todo buen escritor fue sobre todo un lector. Siempre le recuerdo leyendo varios libros a la vez y en varios idiomas distintos. Adoraba el ensayo histórico, era un fan silencioso del Real Madrid (“un buen partido también es una obra de arte”, me dijo una vez) y le gustaba la buena pintura, del Renacimiento al siglo XIX. Pero aún recuerdo cómo conseguí interesarle en las vanguardias tras una concienzuda visita al Museo Thyssen, lo que me agradecía con humor siempre que podía. Ah, el humor. Lo que me reí leyendo ‘Los Americanos en América’ o ‘Los terrícolas’, este último, publicado en 1976, ponía una irónica y divertida lente sobre nuestras costumbres desde la perspectiva de un extraterrestre que cae por error en la Tierra. En esta idea también se adelantó. Forges, con quien mantuvo una entrañable relación, fue el autor de la portada. Por cierto, con Antonio Fraguas presentamos en El Espinar uno de sus libros y fue uno de esos momentos que se recuerdan siempre, por la calidad humana de ambos.

Por la vida de una periodista pasa mucha gente y es un misterio por qué algunas de las personas que tienes la suerte de conocer se quedan en tu vida para siempre. Juan Pablo Ortega se quedó en la mía y si alguien cuidaba esa amistad era él. Siempre estaba ahí, sin exigencias, comprendiendo que la vida de un periodista no es la mejor para cuidar de los amigos. Estaba en sus cartas, con esa letra enrevesada que el temblor de sus manos imponía, en las llamadas, en los libros que te llegaban si consideraba que algo debías de leer sí o sí.

Sé que una de las grandes satisfacciones de la última etapa de su vida profesional fue cuando le llamamos para que formara parte del equipo de opinión de la recién estrenada edición de Segovia de El Norte de Castilla. Era la oportunidad de acercarse a sus orígenes y a una tierra en la que a veces se había sentido olvidado. Acudió puntualmente a su cita semanal con los lectores. Muchos de ellos no le conocían personalmente y cuando me alababan sus artículos siempre les contestaba: como persona es aún mejor. En ellos mostraba su inteligencia y ese sentido del humor que afortunadamente nunca le abandonó. Le recuerdo en su casa de Madrid, al lado del ‘Pirulí’, una casa atestada de libros y de esas figuritas sedentes de las que era coleccionista. Un lugar que rezumba paz, la alegría de una vida plena.

Sí. Se ha ido un hombre que por muchas razones parecía de otra época. Por su bondad, por su discreción, por su cultura, por su elegancia… Cuánta falta nos hacen en el momento político y cultural que atraviesa este país personas como él. Juan Pablo, te recordaremos siempre con amor y gratitud y mantendremos ese recuerdo con la esperanza de que ejemplos como el tuyo nos iluminen el camino.

(Publicado en la edición impresa de El Norte de Castilla, el 5 de enero de 2017. La foto es de FOTOPRENSA)

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El Musac y la Fundación Cerezales, unidos en un excelente proyecto
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Angélica Tanarro | 05-01-2018 | 10:07| 0
'Elñ agua y sus sueños', instalación de Rogelio López Cuenca y Elo Vega en el Musac./El Norte
‘Elñ agua y sus sueños’, instalación de Rogelio López Cuenca y Elo Vega en el Musac. / El Norte

El Musac y la Fundación Cerezales retoman desde el ángulo de los embalses de Riaño y el Porma el origen y las consecuencias de las grandes obras hidráulicas

ANGÉLICA TANARROValladolid

Hubo una época en que la construcción de pantanos se entendió como un signo de progreso y como la única manera de luchar contra la falta de agua en amplias zonas del país y contra el atraso de una España seca y deprimida. Y esta idea, que siempre se asocia a la dictadura de Franco, periodo en el que las grandes obras hidráulicas fueron una constante y un elemento habitual de la propaganda del régimen, hunde en realidad sus raíces en el siglo XIX y emparenta con la corriente regeneracionista. España vivía entonces el fin de un imperio y para autores como Joaquín Costa o Lucas Mallalda la sequía, la falta de terrenos de regadío, estaba en el centro del atraso del país. Transformar en regadíos zonas secas, por un lado, y producir energía eléctrica, por otro, estuvieron en el inicio de esos proyectos hidráulicos que anegaron pueblos, supusieron grandes movimientos de población y no pocas polémicas. Y, en contra de la idea que ha llegado hasta nosotros, esos proyectos abarcaron el reinado de Alfonso XIII, las dictaduras de Primo de Rivera y Franco, la Segunda República y el gobierno democrático encabezado por el socialista Felipe González, durante el cual se recuperó y se llevó a cabo, contra la opinión pública y un buen número de intelectuales y especialistas en ingeniería y medio ambiente, un proyecto que parecía olvidado como fue el embalse de Riaño.

Instalación con fotografías de casas de pueblos inundados en León.
Instalación con fotografías de casas de pueblos inundados en León. / El Norte

Ahora, cuando han pasado décadas desde el último de los grandes pantanos españoles, una exposición conjunta entre el Musac y la Fundación Cerezales Antonino y Cinia plantea una reflexión sobre lo que supusieron dichas obras para la transformación de un territorio y las preguntas que acerca de sus consecuencias, de su real o ficticia utilidad, de la situación actual de dichos territorios y de su futuro, acerca del cual no hay que olvidar las consecuencias del cambio climático, cabe hacerse hoy en día.

Cuando los comisarios de esta muestra, en la que han embarcado a una serie de artistas contemporáneos además de rescatar la obra de artistas del pasado, empezaron a trabajar sobre el proyecto, hace ya más de cuatro años, el agua y su ausencia no estaba en la agenda informativa. Así lo ponían de manifiesto Bruno Marcos y Alfredo Puente durante el acto inaugural que, si ocupó pequeños espacios en los informativos de aquel dos de diciembre pasado, compitió con los muchos minutos que los informativos dedicaban al tema de portada: la sequía y las impactantes imágenes de los embalses vacíos que dejaban al descubierto pequeños esqueletos de lo que un día fueron pueblos con vida.

‘Región (Los relatos). Cambio de paisaje y políticas del agua’ es el largo título de una exposición que sin embargo se inspira en uno mucho más corto: ‘Volverás a Región’, de Juan Benet, el conjunto de relatos que el autor escribió inspirándose en una zona que durante años fue su lugar de trabajo y que quedaría anegada precisamente por uno de los embalses, el del Porma, en el que trabajó como ingeniero. Era la década de los cincuenta y Juan Benet, que empezaba a ser un escritor reconocido, se trasladó junto a su mujer y sus tres hijos a la zona nororiental de la provincia de León para supervisar la construcción del pantano, y quedó atrapado por el territorio y sus gentes a las que dedicó la que está considerada como una de sus mejores obras.

Benet está muy presente en esta muestra, y no solo por el título, sino por los materiales que su familia, en especial sus hijos han prestado: desde mecanoescritos de la obra y primeras ediciones de la misma (una de ellas dedicada de su puño y letra a su madre), hasta otros documentos relacionados con su trabajo, o el polémico artículo en el que muchos años después defendería la construcción de Riaño.

Hay que decir antes de continuar que la exposición encaja en una de las líneas de trabajo, quizá la principal, que caracteriza los proyectos del Musac: la reflexión a través del arte contemporáneo sobre el territorio y sus transformaciones, el papel de la creación en la recuperación de la memoria, y la mirada al futuro desde el compromiso de los artistas del presente. En esta ocasión, ha trabajado con la complicidad de otra institución que comparte su preocupación por este tema: la Fundación Cerezales, auténtico ejemplo de revitalización de un territorio a través de la cultura. La exposición, por otra parte, profundiza en una de las líneas del arte contemporáneo: el rescate documental.

Instituciones como la Confederación Hidrográfica del Duero, el Ministerio de Agricultura, el Museo de León, la Fundación Sierra Pambley, la Asociación de Agricultores Leoneses (1977-1985), la Filmoteca Nacional, y medios periodísticos como Televisión Española o ‘National Geographic’, así como numerosas familias afectadas de una u otra forma por las expropiaciones han abierto sus archivos para prestar desde los proyectos técnicos de las obras de ingeniería, a los expedientes de expropiación, pasando por antiguos documentales del NO-DO, fotografías aéreas de los pueblos afectados o vídeos mucho más recientes sobre las zonas objeto de estudio en la muestra.

En el apartado audiovisual la exposición presenta desde la película ‘La aldea maldita’ filmada por Florián Rey en 1930, cuando el cine en España aún no tenía voz, o el corto procedente del archivo real de Alfonso XIII que muestra al monarca en un día de caza por los Picos de Europa, al célebre ‘El Filandón’ de Chema Sarmiento. Mucho más reciente, del pasado 2017, es el vídeo documental de Raúl Díez Alaejos sobre una acción de Hamish Fulton, considerado uno de los principales artistas del land art británico, que se ha especializado en caminatas por todo el mundo y que organizó una caminata colectiva por una de las carreteras que llevan al borde de las aguas del embalse de Riaño.

En el apartado de objetos curiosos, se pueden encontrar las llaves de numerosas casas sumergidas por este pantano, o el tesoro aparecido durante la sequía de hace dos años en este mismo lugar. Una prospección arqueológica de un yacimiento paleolítico, realizada aprovechando la retirada de las aguas, dejó al descubierto un conjunto de doscientas monedas de plata pertenecientes a la dinastía de los Trastámara y fechadas entre los siglos XI-XII.

Transformación y paisaje

En el aspecto estrictamente artístico, pasado y presente conviven con el mismo engarce que el resto de los apartados de la muestra. Los comisarios han querido mostrar dos obras del considerado padre del paisajismo en España: ‘La cruz’ (Monasterio de Piedra) y ‘Cañada en el Puerto de Pajares’ que Carlos de Haes pintó entre 1872 y 1874 y que presta el Museo del Prado. De la colección del Reina Sofía es ‘Autoridades de pueblo’ (1920) de Valentín de Zubiaurre (reflejo de esa España seca que los regeneracionistas querían rescatar del atraso) y del Museo de la Universidad de Navarra, las fotografías de Ortiz Echagüe, realizadas a comienzos del siglo pasado por uno de los principales exponentes de la fotografía pictorialista española.

Entre los artistas contemporáneos que han prestado o realizado obras exprofeso para esta muestra, figura un nombre ya mítico en nuestro presente como el premio Nacional de Artes Plásticas y premio Velázquez, Isidoro Valcárcel Medina. Este pionero del arte conceptual español presta un imaginativo e irónico ‘Plan de salvación’ para Riaño.

Consagrados y emergentes se dan la mano con obras de distintas técnicas y lenguajes, aunque la mayoría encuadrables en ese territorio fronterizo de la instalación y la vídeoinstalación. Rogelio López Cuenca y Elo Vega proponen un vídeo-ensayo, un vídeo-poema y una tarjeta postal con una reflexión de fondo sobre los excesos de la promoción turística del paisaje. Anne Laure Boyer aporta un ‘Atlas oculto’, una instalación que da cuenta sobre el mapa de los pueblos anegados por pantanos en Europa. Juan Pablo Ordúñez recrea mediante un paseo en barca lo que fue otro pueblo inundado por un pantano, Sant Romá de Sau. Abelardo Gil Fournier rescata en una instalación sonora melodías del viento y canciones populares relacionadas con las tareas del campo. Daniel G. Andújar plasma en ‘Notitia’ noticias y textos cruzados sobre el agua. Carlos Irijalba reflexiona sobre la transformación del paisaje a través de sondeos geotécnicos en la zona de Vegamián, y Manuel Laguillo documenta esa transformación siguiendo los ríos afectados en sus fotografías.

Una exposición tan prolija y documentalmente tan completa que es imposible abarcar en una sola visita. La buena noticia es que permanecerá abierta hasta el 27 de mayo.

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Retratos de la dignidad
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Angélica Tanarro | 27-11-2017 | 17:47| 0

PIERRE GONNORD REFLEJA MUNDOS QUE DESAPARECEN, A TRAVÉS DE LA MIRADA DE LOS RESISTENTES

En toda exposición puede haber un denominador común a las obras expuestas, más allá de que hayan salido de un mismo taller o las emparente un objetivo, una intención, una idea en la mente del comisario de turno. Y puede ser más o menos evidente. En ‘Terre de Personne’ (Tierra de nadie) la exposición de Pierre Gonnord que la Fundación Villalar presenta en el vestí­bulo de las Cortes de Castilla y León, ese denominador común es un concepto: la dignidad. La dignidad que emana de todas y cada una de las dieciséis miradas que Gonnord ha fotografiado con su estilo ya conocido, desde que a finales la década de los noventa y primeros años de este siglo empezara a sernos familiar su obra.

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Dieciséis retratos componen la muestra. Son hombres y mujeres de distintas generaciones y ocupaciones, aunque procedentes todos de un mundo en extinción. Una parte está formada por los rostros de mineros procedentes de zonas del Norte de España donde la minerí­a empieza a ser un recuerdo, o el plan para un nuevo museo o un parque temático. La otra parte la componen ancianos resistentes en zonas rurales marcadas por la emigración y el olvido que permanecieron arraigados a una tierra de tal forma que hombres y mujeres por un lado y tierra por otro se dan sentido mutuamente. Rostros ennegrecidos por el carbón, pero, sobre todo, marcados por la dureza del oficio. Y rostros dibujados por los mismos surcos de la tierra que les ha tallado, hermosos en su desnuda verdad.

Ha contado Pierre Gonnord en torno a esta muestra, que ha sido comisariada por Rafael Doctor, cómo sus series fotográficas se originan con un viaje, “un viaje sin cámara”, lo que distingue el proceso de su obra de la labor de un reportero gráfico. Para llegar a las imágenes que nos atrapan la mirada (quizá a eso se refiera Gonnord cuando habla de estos retratos como espejos) hacen faltan horas de conversación y convivencia más allá de que el artista necesite ganarse la confianza del retratado para acceder a una sesión en la que de alguna manera acabaría desnudo. En esta ocasión el viaje le lleva desde los Ancares a las zonas limí­trofes entre León y Galicia, pero también a Tras os Montes, cruzando la raya que nos separa o nos une con la hermana Portugal. De hecho, las personas aquí­ mostradas serí­an perfectamente intercambiables de un lado a otro de la frontera y nos hablan de lo que nos une como humanos. Y no es mala lección en los tiempos que corren.

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Con su técnica habitual de fondos negros y sujetos aislados de su entorno, jugando con el claroscuro, uno a uno estos rostros nos desvelan la dignidad del que se sabe único porque se mantiene firme en “su” lugar. Es cierto que el mundo rural que representan duro y pobre, casi miserable pero al mismo tiempo grande en su autenticidad, será poblado en el mejor de los casos (ya que en muchos de los lugares de procedencia de estas fotografí­as la despoblación está llegando a su lí­mite) por nuevas generaciones que lo habitarán en condiciones mucho menos extremas y desde una conciencia global, pero ¿mirarán a cámara (al mundo) con la misma seguridad y entereza que sus padres y abuelos?

Para el autor de estas fotografías el retrato es un asunto clásico. Vemos las ropas oscuras y ajadas de los retratados, pero fácilmente podemos imaginarlos en ropa de corte, tal es la serenidad de su pose. Se ha comparado su obra con la Ribera, incluso con la Velázquez, pero en algunos casos, el poderío del retratado es tal que podrí­amos remontarnos más atrás, a los antecedentes del retrato clásico en la Roma Republicana.

Un catálogo de miradas que nos interpela. Duras, inocentes, retadoras… Eso nos ofrece Pierre Gonnord. Doctor ha seleccionado una exposición breve pero justa, porque merece una visita detenida y una más detenida reflexión.

(Las fotografías de la exposición de Gonnord son de Carlos Espeso)

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Así está el Patio
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Angélica Tanarro | 09-11-2017 | 10:01| 0

Hace tiempo que vengo señalando perpleja que la información cultural cada vez se parece más a la información deportiva y a la información económica. A la primera, porque resulta que de lo que se trata es de batir récords constantemente y a la segunda, porque solo parecen interesar las cifras. Dentro de nada habrá gráficos con lí­neas de subidas y bajadas en todas las informaciones culturales como si del í­ndice Dow Jones se tratara. Creo que ya hay.

El Patio Herreriano ha batido récord de visitantes. (Plas, plas, plas…) Todos contentos. Todos, menos un amplio sector profesional del mundo del arte. Lo manifestado por el Instituto de Arte Contemporáneo y el Grupo de Trabajo del Museo en su comunicado a los medios es compartido en muchos sectores artísticos de dentro y fuera de la ciudad. Da pereza volver a señalar lo ya dicho en otras ocasiones como ésta. Lo que diferencia al Patio Herreriano, lo que le da sentido como Museo, es su importante colección y en torno a ella, a sus contenidos, a sus caracterí­sticas, al papel que juega en el contexto del arte nacional e internacional, relacionado con el nacimiento y desarrollo de las vanguardias, debería girar su actividad. Una actividad que, al mismo tiempo, deberí­a colocar al Herreriano en el mapa de los museos de arte contemporáneo que cuentan en el país. Es decir, aprovechar el hecho de que la Colección permanece en esta ciudad para generar en torno a ella una riqueza cultural que distinga al museo y se convierta en atractivo para un público aficionado y experto, así­ como imán de otras actividades relacionadas. Proyecto y presupuesto económico. Estas son las claves.

Lejos de eso, el Museo se encuentra actualmente sin dirección (al parecer lo dirige una gestora) y sin proyecto (al menos que se haya hecho público), a no ser que el proyecto fuera el de batir récords de visitantes. En ese caso, misión cumplida. Aunque la euforia que traslucían las palabras del alcalde durante el balance de visitas de 2017 (¿por qué no se ha hecho al final del año? La cifra hubiera sido aún más vistosa) habrí­a que matizarla. Para empezar, la entrada ahora es gratuita ¿por qué no se adoptó antes esta medida si tanto preocupaban las estadí­sticas? En segundo lugar, en el Patio Herreriano se ha concentrado la programación de otras salas de exposiciones municipales. Es decir, los visitantes habituales de estas ahora van al Patio. Pero para eso no se necesita una colección ni un museo. Para incluir exposiciones no proyectadas ni comisariadas desde el centro (de cuya calidad media, por cierto, no se duda en la mayorí­a de los casos, ahí­ está la de Sarah Moon) no se necesita la Colección, basta con amplios espacios que permitan montajes adecuados. El Museo era y debe ser otra cosa.

Y un apunte más. Hay que distinguir artistas emergentes de artistas aficionados. Ambos deben tener su espacio, pero quizá sin mezclarse o con las fronteras bien definidas.

(Columna publicada en la edición impresa de El Norte de Castilla el jueves dos de noviembre de 2017)

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Fernando Guijar, geometría y color
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Angélica Tanarro | 06-11-2017 | 19:09| 0

EL ARTISTA EXPONE SUS ÚLTIMAS OBRAS EN LA GALERÍA JAVIER SILVA DE VALLADOLID

 

Fernando Guijar tiene muy presente su primera exposición en Valladolid porque aquella primera aparición pública como artista (‘El ajuar de Marisol’ en el Teatro Calderón, 1998) le cambió la vida. Hasta entonces su trabajo se habí­a desarrollado en el campo del sonido desde su formación como ingeniero técnico en Telecomunicaciones. Sin embargo, la exposición le sirvió, casi sin haberlo pretendido, para tener algo a lo que aspiran todos (o casi todos) los artistas: una galerí­a. Ferrán Cano le fichó y desde entonces su vida gira en torno al arte y el diseño gráfico. Se licenció en Bellas Artes, hizo un master en Artes Visuales y Multimedia, pero, sobre todo, se liberó de las coordinadas estrictas en las que se mueve el mundo de la ingenierí­a para dar la bienvenida al caos que puede encender la mecha de la creatividad.

Exposición en la Galeria de Javier Silva,de Fernando Guijar.fto Henar Sastre

Exposición en la Galeria de Javier Silva, de Fernando Guijar. fto Henar Sastre

Guijar expone sus últimos trabajos, bajo el título ‘Blok’, en la galería que ahora le es fiel, tras el cierre de la anterior, el ámbito de Javier Silva en Valladolid. Su obra no es desconocida para el público (casi siempre escaso) afecto al arte contemporáneo. En 2014 llenó este espacio con sus ‘paisajes intervenidos’, fotografí­as intervenidas plásticamente que reflexionaban en torno a cómo habí­a evolucionado la consideración del paisaje en la historia del arte, desde lo sublime a lo pintoresco, y jugaba con la idea de Joseph Beuys de que los animales eran ya el último punto de conexión entre el hombre y la naturaleza.

Sin embargo, la exposición que muestra ahora tiene más que ver con aquellos coloridos inicios, con la intervención que montó en paralelo a su anterior exposición en el Patio Hereriano, en aquella feliz iniciativa Lienzo MPH, y sobre todo con el diseñador gráfico que nunca le abandona. Una serie de piezas en las que arte y diseño gráfico, rigor formal y conceptos como utilidad social, decorativismo, constructivismo y un cierto esteticismo se dan la mano.

De entrada, el color: se dirí­a que una apuesta por el lado más optimista del arte. Unos cuantos elementos, plantillas geométricas, fragmentos fotográficos, piezas de madera o elementos de uso cotidiano diseñados por él se van ensamblando en composiciones donde la agilidad resultante no oculta el orden con el que han sido concebidas. Guijar en este camino entre el diseño y la apuesta artística no esconde cómo influyen en él las técnicas publicitarias (sobre todo en el uso del color) junto a propuestas de más largo alcance. Habla, por ejemplo, de la ‘Sala neoplástica’ ideada por el vanguardista polaco Wladisyslaw Strzeminski que pudo verse recientemente en el Reina Sofí­a con motivo de la muestra dedicada a su obra y a la de su pareja, la escultora Katarzyna Kobro. Y es que su acercamiento a ciertas vanguardias clásicas tiene que ver con la mirada de ambos artistas, relacionados con movimientos como el futurismo y el constructivismo y fundadores del movimiento unista que poní­a el acento en la materialidad del arte frente a conceptos como tiempo o movimiento.

El tí­tulo ‘Blok’ hace referencia a esos elementos producidos en serie, como los de cierta conocida marca de muebles, o los elementos de la arquitectura. Es la cadena compositiva, pero también aquello que nos construye por dentro y por fuera. Hay algo terapéutico además en la forma en que Guijar se aproxima a lo figurativo, juega con lo geométrico y nos enseña que el arte, finalmente, es cuestión de mirada, de una mirada personal e intransferible, que dirí­a aquel.

(Artículo publicado en la edición impresa de EL NORTE DE CASTILLA el 23 de octubre de 2017)

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Ya lo pensaré mañana (8). La sorpresa estaba en el palmarés
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Angélica Tanarro | 01-11-2017 | 12:27| 0

Hoy en dí­a o tienes un ‘thriller’, una novela negra, o no tienes nada. Se ve en las editoriales, en los premios literarios… y ahora también en los festivales de cine. La Espiga de Oro ha sido una sorpresa. Este año tocaba una decisión polémica. Ya sabemos que los jurados son soberanos y sus decisiones respetables, pero eso no aminora cierto estupor por todo lo que se ha quedado fuera del palmarés. ‘The Nile Hilton Incident’ es una pelí­cula que tiene sus valores, claro, incluso desde el punto de vista social: toca el tema de la corrupción policial y de la debilidad de algunos presuntos estados de derecho. Pero no deja de ser una película policiaca de guion convencional. Hemos visto muchas así­ y desde luego no quedará como un hito del certamen. El primer premio ya parecía un exceso, pero no repartir mejor las espigas e insistir en esta cinta con el premio al mejor director y al mejor guion roza lo incomprensible. Porque este año el nivel medio invitaba al reparto. Pero hubo tres pelí­culas que, desde mi opinión, superaban ese nivel medio. Y me dirán que una de ellas, sin duda ‘The rider’, no ha salido mal parada, pero para una cinta de tal belleza, fotografí­a, delicadeza y precisión en el desarrollo del guion la Espiga de Plata, el premio Pilar Miró y el galardón al mejor actor suenan a consolación. Sobre todo, por comparación.

‘The party’, el inteligente y, visto lo visto, arriesgado ejercicio de estilo de Sally Potter se va de vací­o, aunque sea una lección de cine y una lección de cómo en ocasiones cine y teatro están muy cerca.  Y nada tampoco para ‘Foxtrot’, la estupenda sorpresa final que al jurado le debió de pillar ya cansado. El premio a la mejor fotografía se lo llevó  ‘Soy un rayo de luz en la tierra’, aunque no es precisamente la luz y su manejo lo que destaca en esta prescindible cinta (y aquí­ también había estupendas candidatas (y si era por el blanco y negro la ya mencionada ‘The party’ le daba unas cuantas vueltas). Pero Ray Loriga, que hizo de portavoz del jurado, lo dijo claro y contundente en dos idiomas: puede que os guste o no, pero esta es nuestra decisión. Y punto. Nos vemos en el cine.

(Columna publicada en el suplemento Seminci de la edición impresa de El Norte, el domingo 29 de octubre de 2017)

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Ya lo pensaré mañana (7). Reflexiones para la vida real
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Angélica Tanarro | 01-11-2017 | 12:19| 0

Estábamos bien en el patio de butacas. Ayer, cuando salimos, España era un paí­s más triste, más tenso, peor… Daban ganas de volver a entrar y no salir hasta que se hubiera recuperado la cordura. Pero como decí­a Aute, los sueños cine son y fuera nos esperaba la vida real.

Comentábamos entre los compañeros de la crí­tica que este año parecí­a que habí­a habido más gente en las salas. Pronto conoceremos las cifras oficiales, pero ojalá esa impresión se confirme. Pero aún más, ojalá se haya creado una cierta inercia, que el resto del año la gente siga yendo al cine, que los medios hablemos de cine y no solo de taquillas, que los profesores hablen de cine en las aulas, que alguien se arriesgue los fines de semana con una pelí­cula menos comercial, que la apariencia de desierto no vuelva a ser la tónica. Por soñar…

No sé si somos conscientes. Contar con un festival de cine que aún conserva, a pesar de la competencia y de lo mucho que ha cambiado el panorama a nivel del paí­s, una buena parte de su prestigio es un capital que no se debería desperdiciar. Supongo que el Ayuntamiento, que es su principal apoyo, y el resto de los patrocinadores son conscientes de ello, pero dado lo que está pasando con otras instituciones que tendrían que ser un buque insignia de la cultura local y nuestra mejor carta de presentación en el exterior no las tengo todas conmigo.

Aquí­ somos dados a crear revoluciones para retroceder, en vez de apoyarnos en lo que tenemos para ser más grandes. Cada vez que me acuerdo de las propuestas que algún aspirante puso encima de la mesa tras la 60 edición para una Seminci ‘renovada’ y que eran vistas con simpatía por quien tení­a que decidir me dan escalofrí­os.  Por desgracia en Cultura es difí­cil avanzar, pero facilí­simo retroceder. Para lo primero, hace falta consciencia, conocimiento, un proyecto y voluntad, para lo segundo basta con un poco de frivolidad.

¿Hemos visto buen cine en este certamen? En general sí­ (hablo de la Sección Oficial, que es lo único que he podido seguir). Pero a un Festival el buen cine se le supone. ¿Hemos visto propuestas arriesgadas, lo que podrí­amos llamar cine ‘de festival’? No demasiado. El riesgo estaba muy controlado. Da la sensación de que se tiene mucho miedo y en cierta forma es comprensible. Unas declaraciones de su director, Javier Angulo, antes de comenzar esta edición en el sentido de que no había ninguna película demasiado rara o que fuera difí­cil me sonaron a eso. Y de alguna manera lo entiendo. Los balances culturales cada vez se parecen más al seguimiento del Ibex 35. Y yo en esto me he vuelto conservadora: prefiero conservar este Festival en condiciones a encontrarme el dí­a de mañana con un certamen válido para cualquier centro cívico gracias a alguna propuesta ‘innovadora’. Aunque acudan multitudes. Y esto no tiene nada que ver con el elitismo. O sí­, con el elitismo al que debe aspirar toda actividad cultural que se precie. Lo verdaderamente revolucionario y democrático sería que todo el que quisiera pudiera tener acceso en todos los sentidos a la Cultura con mayúsculas. Pero aquí­ solemos hacer el viaje al contrario: rebajar el contenido para que sea ‘popular’.

Y así­ no se puede avanzar.

(Columna publicada en el suplemento de Seminci de la edición impresa de El Norte el sábado 28 de octubre de 2017)

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Ya lo pensaré mañana (6). La vida en un plano secuencia
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Angélica Tanarro | 27-10-2017 | 19:52| 0

Fuera de las salas, ayer era en nuestro país ‘otra’ jornada ‘histórica’. Otra agotadora y tensa jornada histórica que, mientras escribí­a estas líneas aún estaba en pleno suspense. Este paréntesis vital que es la Seminci, para quienes la seguimos intensamente, se nos antojaba este año más apetecible que nunca por su inmediatez balsámica. Tení­amos cierta sensación de alivio: pensar que durante unos d ías podríamos esquivar la realidad, la dura realidad de esa especie de película de ciencia ficción en la que venimos sumidos desde aquella distópica sesión del Parlamento catalán del pasado septiembre.

Pero el cine, por fantástico que sea, siempre nos toca de cerca. Al menos mientras lo sigan haciendo seres humanos y no una máquina siguiendo algoritmos. Y dio la casualidad que las dos películas programadas en pase de prensa de la Sección Oficial de la mañana de ayer me (hablaré por mí­) hicieron pensar en el conflicto catalán, también llamado ‘el procés’.

Sobre todo la primera, ‘El insulto’, apreciable filme de Ziad Doueiri: el relato de un conflicto casi doméstico que acaba en los tribunales y enfrentando a dos comunidades religiosas ya enfrentadas de antemano. Estamos en el Lí­bano y una cañería ilegal puede encender la mecha de una revuelta callejera. No sabemos si intencionadamente o no, (si hacemos caso a su director, no) el mensaje que rezuma la pelí­cula es claro: las heridas que deja una guerra, o ‘conflicto bélico’ como nos gusta llamarlas para suavizar, son difí­ciles de cicatrizar, las heridas duran tanto que parece increíble que la gente no aprenda del pasado y deje que los intereses políticos cortoplacistas, la falta de diálogo, los malos entendidos y la insolidaridad ganen la batalla de la división cuando son más las cosas que nos unen que las que nos separan. Y solo tenemos una vida. Doueiri, sin embargo, a pesar de haber ambientado su film en el Lí­bano, de haber enfrentado en él a un miembro del Partido Cristiano y a un palestino, y de haberse tenido que plegar al deseo del Gobierno libanés de especificar que ‘las opiniones vertidas en el filme son exclusiva de su director’, aseguró una y otra vez en la rueda de prensa que estaba al margen de debates y polémicas políticas (?). ‘Nadie tiene el monopolio del sufrimiento’, dice uno de los personajes en un momento clave de la película. Amén.

La segunda, ‘Bajo el árbol’ cuenta, inicialmente en tono de comedia, cómo un aparentemente banal conflicto entre vecinos puede acabar en tragedia casi griega. Y eso que estamos en la frí­a Islandia. Aquí­ sí­, su director, Hafsteinn GunnarSigurDsson, reconoce que ha querido mostrar que la violencia nunca es el camino. Una bola de nieve va creciendo en el corto verano islandés. Gente herida que, o bien acaba proyectando su dolor en asuntos nimios, o es incapaz de gestionar sus emociones. Si en ‘El insulto’ hay una luz al final del camino, en ‘Bajo el árbol’ solo queda una sombra heladora.

Detrás de ambas, sendos buenos cineastas que es de lo que se trata.

 

(Columna publicada en el Suplemento de Seminci de la edición impresa de El Norte de Castilla del 27 de octubre de 2017)

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Ya lo pensaré mañana (5) Películas que crecen, guiones que brillan
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Angélica Tanarro | 27-10-2017 | 19:43| 0

Da igual cuánta información previa se tenga de una película, lo que sepamos sobre su paso por otros festivales, las entrevistas que hayamos podido leer a su director o a sus protagonistas, los premios que las avalen o los silencios que las ninguneen… Llega ese momento impagable del fundido a negro en la sala y esos instantes en los que siempre he pensado, y creo haberlo escrito ya, en los que un film se la juega. Cuántas veces los primeros segundos de arranque contienen el aviso de lo que vendrá después. Y cuando esto sucede, generalmente sucede para mal.

En este festival, la información previa me está sirviendo de poco. Me explico: en general me están decepcionando los nombres consagrados y sin embargo encuentro sorpresas en tí­tulos que a priori no me seducí­an en exceso. Y eso también es la función de un festival: propiciar descubrimientos.

Me sorprendió gratamente ‘Gabriel y la montaña’, la pelí­cula de Felipe Barbosa, un director brasileño del que no había visto su anterior, y único junto a este, largometraje. Y aún más me ha complacido en la sesión de la mañana de ayer la americana ‘The rider’, de la directora china afincada en EE. UU. Chloé Zhao. Ambas comparten la virtud de ir creciendo ante los ojos del espectador. Hemos visto ya en el transcurso de esta edición buenos arranques que se iban desmoronando a medida que avanzaba el metraje. Por eso se agradece tanto el viaje contrario.

El viaje literal por África de Gabriel. Del que no sabemos nada ni se intuye nada especial al comienzo de su historia (paradójico comienzo pues el film arranca con su muerte, lo que no resta un ápice el interés del relato) y que vamos descubriendo poco a poco. Y el viaje humano de Brady, el protagonista de la pelí­cula de Zhao: una estrella del rodeo que ve frustrados sus sueños por un accidente que le deja secuelas importantes. Un guion muy bien escrito, muy bien medido, nos hace contemplar la maduración del personaje, la dura aceptación de una realidad con la que no contaba. Y vamos descubriendo con pequeñas pinceladas su contexto familiar y social. Sin prisas, pero sin demoras. De su autora, la propia Chloé Zhao, envidio su paso por Yaddo, la magnífica residencia de artistas en Nueva York, por la que pasaron algunos de mis escritores y escritoras favoritos (pienso en Flannery O’ Connor y también en Robert Lowell). Lástima que no estuviera la realizadora ni nadie del equipo para defenderla, que esa es también la función de un festival. (Qué cuando nadie defiende la obra ante los medios).

Parecerí­a que todo se ha escrito o se ha filmado ya en torno a la figura del vaquero, o del espectáculo del rodeo, pero no, aún hay gente como Zhao que puede sacar partido a estos locos jinetes. The rider’ es también un festín para los ojos, gracias a la estupenda fotografí­a de Joshua James Richards, y una pelí­cula que no deben perderse los amantes de los caballos. ¡Qué belleza de ejemplares! ¡Y qué gusto salir del cine contenta!

 

(Columna publicada en el suplemento de Seminci de la edición impresa de El Norte de Castilla el 26 de octubre de 2017)

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Seminci. Toma VI. Un cierre en alto
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Angélica Tanarro | 27-10-2017 | 19:29| 0

‘FOXTROT’ JUSTIFICA EL GRAN PREMIO DEL JURADO QUE OBTUVO EN VENECIA

La Seminci guardaba una sorpresa en el cierre de la Sección Oficial a concurso: la película ‘Foxtrot’, del israelí Samuel Maoz. El film venía avalado por el Gran Premio del Jurado del pasado Festival de Venecia y  aquí no defraudó. Se trata sin duda de una de las películas de este certamen. La muerte de un hijo soldado y el shock que produce en su familia es el arranque de una historia que de repente pega un giro no solo argumental sino también formal. A partir de ese momento la pregunta es: ¿resistirá la apuesta o el filme se vendrá abajo?  No solo resiste, sino que se permite el lujo de algún que otro quiebro más. Sostener este artefacto, con sus dosis de artificio, es el talento de Maoz. Planos medidos, encuadres estéticos, un tono que oscila entre el realismo y la fábula, algún toque de humor… y un reparto cómplice hacen de Foxtrot una película que sorprende y esto cada vez es más difícil en un festival. Imágenes que se quedan en la memoria sobre todo del puesto fronterizo en el que sirve el soldado presuntamente fallecido y que en algún momento hacía recordar la desolación de ‘El desierto de los tártaros’, la gran novela de Buzzati.cap1

También con premio de Venecia venía la película proyectada inmediatamente antes. ‘Sweet Country’, tercer largometraje de ficción del australiano Warwick Thorton. Película de cuidada factura, con planos remarcables, una bella fotografía, que, sin embargo, deja la sensación de ‘ya vista’. Aunque en esta ocasión el western se traslade a la Australia de los años 20 del siglo pasado, en tiempos de colonización y de racismo y represión de la población indígena. Un aborigen de mediana edad se ve envuelto en un homicidio para salvar su vida y su condición de ciudadano de segunda no es el mejor pasaporte para conseguir justicia.

Y, por último, ‘Dos mujeres’ la película fuera de concurso que se proyectará tras la gala de clausura. Un film amable de esos que gustan para acompañar alfombras y sesiones de photocall. La presencia de Catherine Deneuve no es suficiente para levantar una historia que con más o menos variaciones se ha hecho fija en las pantallas: un enfermo, en esta caso enferma, terminal que regresa para cerrar algún asunto pendiente del pasado. El film se ve con agrado gracias sobre todo a la actuación de sus protagonistas, en especial de Catherine Frot, pero no da más. Por cierto que su director, Martin Provost, llevó al cine con mucho más acierto y peso específico ‘Violette’, sobre la vida de Violett Leduc. Película muy recomendable para recuperar.

(Fotograma de ‘Foxtrot’)

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Sobre el autor Angélica Tanarro
Más que un oficio, el periodismo cultural es una forma de vida. La llevo ejerciendo desde que terminé la carrera. Hace de eso algún tiempo. Me recuerdo leyendo y escribiendo desde que tengo uso de razón. La lectura es mi vocación; la escritura, una necesidad. La Cultura, una forma de estar en el mundo. Dejo poemas a medio escribir en el bolso y en todos los armarios.