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Categoría: Teatro
Stars Wars: la nueva Estrella es el matriarcalismo

Con evidente desgana, todo hay que explicarlo, me encaminé con el corazón acelerado a contemplar en la pantalla primorosa la nueva entrega de Star Wars. La desgana me la inoculó con desparpajo y alevosía, la anterior trilogía que no aportaba nada que no se supiese ya sobre la vida exagerada de Luke y su hermana, los Skywalker. Aquella primera película de nuestra adolescencia, que nos deslumbró con sus efectos especiales, y su sonido futurista, sobre todo si podías verla en una sala de primer orden (imperial) y que necesitó una trilogía para poder ser explicada, siempre me pareció en sí misma agotada. Por eso, componer una segunda trilogía para nada, no significaba otra cosa que tratar de exprimir la fuente de capital descubierta.

La primera trilogía no solo desprendía una belleza sin igual desde la pantalla luminosa sino una estética novedosa en la utilización de los recursos cinematográficos y una explicación psicoanalítica en la lucha por la primacía en el gobierno. Ese lugar de gobierno reservado y ejecutado por el padre plenipotenciario y jupiterino, iba a ser reivindicado por el hijo revelador de la Fuerza en nombre de la Madre ausente. El hijo que no sabe que es hijo lucha contra el Padre, que si conoce la identidad del hijo, con la dirección espiritual del hermano del padre, del tío paterno, que es guía angelical. Elías el Profeta/El Árcangel con espada de fuego, Obi Wan Kenobi, ejerce de buen grado esa facies dualéctica sobre el que ha de venir, Luky Skywalker,  y que ha de sucederle a él mismo como profeta. Tras su muerte y dejar tras de sí sólo el manto de su poder profético como legado, guía a Luke como voz en los desiertos y en la soledad del iniciado. Solo tiene ya como misión propia propiciar el encuentro final con el Padre desafortunado y vengativo para no sólo no ocupar su lugar sino permitirle volver al lugar que le corresponde en el lado Bueno de la Fuerza.

Pero si Luke no ocupa el lugar del Padre, ¿quién ostentaba el poder de la República? ¿O todo era Imperial e Imperioso? Se trataba de contestar a esta pregunta, que quedaba en el caos.

Dado que Luke no vino al mundo para ocupar el lugar del Padre sino para que éste ocupase el lugar merecido, no tenía como destino final el Poder. La hermana no tenía lugar en el mundo sino para dar lugar a la siguiente generación e Skywalkers, pues la responsabilidad de la crianza de hijos recaía sobre el tío paterno – y no el materno. El puesto de dirigente de la República estaba vacante y se aprovecha de ello, el Imperio.

La nueva trilogía que comenzaba ayer mismo, trae novedosas transformaciones. En primer lugar y de nuevo, la hermana de Luke da a luz la nueva generación y que, como no puede ser de otra manera, se abandona al cuidado del Otro, del tío Materno. Como en el matriarcalismo trobiand, pero el tío materno pierde el lugar cuando el sobrino primogénito, se deja llevar por el lado oscuro, y, así, desaparece. El hijo pierde la inocencia y dado al lado oscuro, desea que perezca el tío materno para que no pueda compilar la fuerza en nadie inocente. Así, la película, esta nueva entrega, se desenvuelve como una búsqueda del tío habúnculus, a la manera del matriarcalismo Vasco.

Pero esa búsqueda sólo la puede realizar alguien Inocente. Esa inocencia la encontramos en la nueva Skywalker que no sabe de sí y ha de salir a la búsqueda de sí, hegeliánamente. Tiene que descubrir el Amor en sí para donárselo a todos, y si cambiamos Amor Jesusítico por la Fuerza, es de igual manera. Chatarrera en vez de carpintera, descubre poco a poco la fuerza desde su inocencia como elemento pleno en sí, pues ella es el resultado de la Fuerza y la Audacia (Han Solo)  Sólo ha de dejarse llevar por la imagen que cabe en sí y dará con su auténtico Ser. 

El hermano, maldad pero residual, no en estado puro, ha de conseguir el enfrentamiento con el Padre pero no para devolver a éste a su lugar sino para afianzar él el suyo propio. La masculinidad retorna al lado oscuro a la Maldad absoluta, al afrontar el complejo de Edipo no como retorno a la Madre sino como usurpación del puesto del Padre por el puesto mismo. Es decir, el hijo de Leia y Han desea ser Malo.

La Chatarrera, por contra, va descubriéndose a sí misma a través del Padre y sobre todo de la Madre que, finalmente, la dirige al tío Habúnculus, ese nuevo Elías, para que la descubra en su totalidad de Ser, en su Autenticidad. 

La República no tiene más Sentido que el Matrical, el Imperio es Patriarcal y Malvado – y esa es la conclusión de la nueva Trilogía.

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Ocho apellidos vascos

No queda más remedio que encaminarse al cine a verla, tanto es el innúmero número de opiniones en controversia que ha suscitado “Ocho apellidos vascos”. Nada más llegar al cine me aclaro de lo que consigue toda esta controversia, el cine está a estallar, como no lo había visto desde mediados de los ochenta. Una sola entrada para el espectador que venga sólo, que voy a ser yo, claro, los que me preceden son cuatro. Mientras me dirijo a quien corta la entrada y a la sala, repaso en mente las criticas leídas, desde la de Zarzalejos hasta la última de David Torres, pasando por la de Ana Talletxea o Mikel Insausti, sin olvidar, claro la del Raúl del Pozo. Unos se quejaban de que la película era una serie de topicazos intoxicadores de la realidad verdadera de Euzkadi, y otros de que era rematadamente pronto para objetivar a los abertzales como héroes de un chiste sin humillar a las víctimas; los pocos hablaban del humor como elemento corrosivo de la realidad y lo psicológicamente rupturista que resulta en este caso particular. Ninguno ha hablado de la cinta en sí mismas sino e del reflejo distorsionado de sí mismo que le ha provocado la cinta. Y está bien, eso quiere decir que la película que me animo a ver en este instante es al menos y como mínimo transgresora.

Se apagan las luces, se inicia la película y ya, de pronto, me decepciono. No hay nada de lo escrito por tanto intelectual sagaz del abertzalismo esencial ni del españolismo asocial, sino, vaya, una simple comedia americana donde un chico encuentra una chica, la pierde, la recupera, la vuelve a perder y la recupera al fin. Revestido este esquema de toda la realidad cinematográfica mundial con la realidad del topicazo del elenco chistoso español. Cuidado, no se reviste el esquema con la realidad efectiva vasca ni menos, con la andaluza, sino con la realidad idealizada de forma deformante en el chiste grosero. No en balde la película se inicia con el protagonista del metraje contando esos chistes de gracia grosera en el escenario del escenario del film y la protagonista reaccionando de manera grosera en el film estoqueando con los mismos chistes. La imagen de este inicio lo marca Aitziber Garmendia, euskaldún a la que le pesa la peineta marmórea.

Este enfrentamiento inicial lo enfría el sexo. El sexo inexistente claro, porque la bebida Lago, que pudiera pasar por navarra por su poco culo y su espalda cargada al dormir, se ronca, rocosa. Y cuando se despierta, se larga. La hemos perdido, Rovira.

A ganarla se va a una Euzkadi que se transgrede a sí misma, y se deforma en espejo deformante. La Euzkadi de Vaya semanita, el programa de la ETB, capaz de acabar con los mitos sacrales de montes y relatos  Aitoricos. Os digo esto, porque está por ver que en un pueblo guipuzcoano todos sus habitantes tengan coches con matricula de Bilbao, por Dios. Y Rovira va a ganarla y ganarse a sí mismo, claro. Porque entra en Euzkadi con la versión negra y negativista en la mirada y sale de Euskadi, cuando pierde por enésima vez a la chica “morroska de Zestona”, con la mirada limpia de prejuicios y más amor que nunca; de la misma manera que le ocurrirá a Lago, cuando vaya a recuperar a Rovira en calesa y los del Río palmeando.

Y es que el film debiera servir para esto, principalmente, para que todo el mundo limpiara de prejuicios las gafas empañadas con las que nos amparamos al mirar la realidad efectiva. O dicho de otra manera, que quizás todos estemos viviendo en el tópico del chiste y tememos perder esa realidad del topicazo, por no enfrentar al otro y su vida. Pero hasta Koldo lo logra, a través del amor y el sexo, con la cacereña y aprende que un tricornio también es un cenicero. Koldo, el personaje interpretado por Karra Elejalde, iniciador de estas desmitologizaciones de lo vasco y lo gallego en la fantástica Airbag. Por cierto, que se merece un Goya por su comedida interpretación del Gargantúa bilbaíno trasladado a Guipúzcoa, es decir, de lo desmedido absolutizado. 

Una comedia americana revestida de la realidad desmedida del tópico regionalista español, que ha de servir para limpiar la mirada prejuicial de muchos sin ensuciar la de nadie. Y lo logra, porque en un cine de Valladolid se ríen las gracias, no del tópico sino las de desmitoligización del tópico y se aplaude, efusivamente, a final de la representación.  

Buscar más allá de esto, evidencias de desafuero políticos, o de cualquier otra índole, marca sólo la visión prejuicial a la que está siendo sometida una pura comedia, eso sí, con un par de toques Lubitsch.

Por cierto, uno de los personajes que nos habla a las claras de esa necesidad de la desmitologización es el del aitite Ignacio. Él como conocedor de la verdad de la mentira que se lleva a cabo, no se niega a celebrarla, pero se alegra de que no se celebre. Pide, que la realidad que hay que celebrar sea la realidad efectiva sin mitologías de ningún lugar. 

Que quizá es por lo que nos gusta a todos esta comedia sin lugar, utópica.

 

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El tipo de la tumba de al lado, representada por Aitziber Garmendia e Iker Garlatza.

¡Qué difícil resulta hacer reír a un público cualquiera, en una tarde de domingo castellana, y qué fácil lo obraron Iker Garlatza y Aitziber Garmendia!

En una de esas tardes de invierno castellanas, no muy fría, eso sí, pero húmeda, donde la realidad meteórica invita a la estufa y al chocolate, nos fuimos al teatro. La obra ya desde su titulo, invita, El tipo de la tumba de al lado, un título cálido, porque evidencia que la soledad no existe ni en el cementerio. La obra teatral es una versión para representar de una novela de la escritora sueca Katarina Mazetti. ¿De qué va? Del amor, se nos ocurre deciros, del amor de repente, a salto de mata, o de tumba. Sí, porque la historia se inicia en un cementerio y culmina en el mismo lugar. Una historia de amor entre dos seres, Airoa y Pablo, con diferencias de clase “agudas” que visitan las tumbas de sus seres queridos. Una con sus quejas amables de ausencia de sexo a su marido presente, el otro con la necesidad presente de presencializar su trabajo a su madre ausente.

El uno, Pablo, representado por Iker Garlatza y la otra, Airoa, por Aitziber Garmendia, con una delicadeza y amabilidad que la traspasan al público en una transferencia cuasi psicoanalítica, para diseccionar esta historia de amor y desamor, de comedia y cotidianidad, en unos personaje que se estudian ornitológicamente, a distancia, que se menosprecian por lo que les falta, que se aprecian por los malos entendidos. En este caso, un día cualquiera en el diario de Airoa, donde escribe que el tipo de la tumba de al lado la ha sonreído, y Pablo cree que ha sido correspondido a su sonrisa.

El duelo interpretativo entre Iker y Aitziber a monólogos interiores es digno de mención. Resulta difícil estar sobre un escenario gestualmente y a la vez provocando al espectador su participación activa con esa corriente de conciencia lingüística que fluye de los actores. Y conseguirlo. Porque transmutan al espectador en un compinche de trabajo y de vida con esos monólogos. Y de repente, hacen surgir con una naturalidad vital, el diálogo entre ambos, como un chispazo que el espectador no aguarda, sumido en esa corriente de conciencia, que nos mueve a introducirnos más y más en la representación. Nuestra voluntad representada. No en balde lo más citado es Schopenhauer.

Todo ocurre en un escenario que lo llena todo, por minimalista. Dos tumbas, dos ambientes, y un cuadrado mágico que pasa de cama a restaurante a auto. La transformación de la realidad causada por la voluntad en la propia representación.

Con la habilidad de los grandes actores, avanza la representación de los problemas reales de estos dos seres de esferas contrapuestas, hasta llegar al climax representativo con el primer encuentro sexual de ambos. Un encuentro sexual representado con la voluntad amable de las comedias de Doris Day, donde el sexo asalta a los protagonistas en sus propias vestimentas. Una representación que sobrepasa la carcajada y nos trasporta a la hilaridad. Aquí adquiere el trabajo de ambos actores la vitola de excelente; pero en especial, porque está especial, Aitziber, que adquiere la voz cantante de una prima dona del irrintzi orgiástico. Memorable.

Y ese irrintzi da lugar al inicio de un peculiar viacrucis de problemáticos desencuentros por culpa de que cada cual quiere ser quien es y a la vez transformar al otro, como al público, entregado a la carcajada. Se inicia un cierto drama, que no dramón, sino un descafeinado enfado que resuelve vía telefónica, en un renovado monólogo interior que discurre con suavidad de la sábana que protege la intimidad casera de los protagonistas. Una suavidad que provoca en el espectador un bienestar de sonrisa cotidiana que os abandonará ya hasta el final e la representación: el amor como conciliador de los contrarios (y Hegel vence a Schopenhauer, d nuevo).

Vale la obra todo lo que cuenta por las memorables representaciones que llevan a cabo sus protagonistas, Aitziber e Iker, en un escenario muy geométrico, y muy minimalista, donde la realidad del mismo es la misma que la de la obra, la voluntad de transformación representada en el amor como disolución de la entidad. Vale la pena que si la encontráis en vuestra ciudad representada, en cártel, no perdáis la oportunidad de verla. Y valdría la pena, así mismo, que la Junta de Castilla y León, la propusiera entre el elenco de obras que ofrece a los ayuntamientos para su cártel.

Felicidades Aitziber, felicidades Iker, eleváis la obra por encima de su representación: la convertís en cotidianidad.

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El diario de Adán y Eva (Un Cuervo en Milán)

El amor, menuda palabra. Todo el mundo quiere saber todo acerca del amor. ¡Qué bueno sería que formará parte del libro de instrucciones de la vida todo lo que debe saberse sobre el amor y que no es que no queramos preguntar, es que no sabemos qué preguntar.

Todo acerca de los hombres y de las mujeres y viceconversa conversa. All About Eve and Adan. Entre Evas y Costillas, con Hepburn y Tracy. Cierto que hay muchos hombres que poseen y proveen de palabras grandilocuentes que explican expeditivas lo que es el amor (entre mortalidades y morosidades y ventosidades unidiversitarias) y con aspavientos propios de dictadores proféticos, utilizando palabros tan rotundos que inoculan estremecimiento a aquellos otros que se proponen explicar la explicación que el palabro aprovisiona.

Al final, el amor en función de estos palabros no se diferencia en nada de la asimilación digestiva, ósmosis y diálisis. Se sienten, una vez explicado el amor (nos sentimos) y se asientan (nos sentamos) seguros con esta armadura con la que nos recubrimos nuestras cuitas, cuitados.

Se sienten, nos sentamos, por ejemplo en el teatro Zorilla, en plena Plaza Mayor de Valladolid, en la fila que nos depara el destino, para asistir a la representación de la obra El diario de Adán y Eva, de la mano interpretativa de Ana Milán y Guillén Cuervo, y con la mano directiva en el fondo de Miguel Ángel Solá (un actor – director, que dinamita el mundo desde lo oculto, aunque Sé quién eres): el amor puesto en escena, sin explicaciones, privadamente.

El amor de nuevo, porque parece que el amor precisa ser desvelado en todo momento, como una exigencia vital. El amor que se desvela desde la intimidad radiofónica: parece que te hallas íntimamente guarnecido en el estudio y tan desamparado a causa del aparato de escucha, que te desnuda. Asistimos seguros de nos, desde que las luces cómplices de la intimidad se complican en la puesta en escena, a que nos van a representar una “comedieta” de risas fáciles con fundamento en los palabros estomacales, ósmosis y diálisis.

Sin embargo, algo nos dice que no, cuando la protagonista se sienta en la silla de decorado y nos habla con la íntima familiaridad de quien nos conoce de a diario. Repentino, cambia el escenario a otro mobiliario, y surge el protagonista principal que no parece él, como si fuese otro distinto; y en un largo instante, comparece la protagonista principal, que tampoco parece ella. Como si fuesen proto-gonistas. Ante nosotros están iniciando el mundo desde una novedosa ingenuidad, proto –inocencia: la inventan ante nosotros Milán y Guillén Cuervo.

No os quepa duda, los diálogos de los protagonistas resultan ser escalos situados ante torreones y que les trasladan en el tiempo a un pasado de gloria, a un presente de reflexión íntima para el reconocimiento de uno mismo.

Este juego de tiempos que se suceden sin imponerse el uno al otro, va creando en el espectador expectante una sonrisa sinuosa, a medio camino entre la alegría del chiste y la burla de la vida, esa misma vida que se diluye sin que sepamos cómo. Esa sonrisa es la que permanece en nuestros labios mientras que Adán descubre que sigue existiendo como Adán y Eva sabe que ella siempre ha sido Eva. Esa sonrisa leve que permanece perenne como lugar de tránsito a la emoción afectiva ambivalente, la fascinante ilusión de la ficción inocente, el amor.

Esa sonrisa que es un pequeño tirón a la comisura del labio y que nos muestra que ocurrirá al final lo enorme afectivo, la construye el diálogo inteligente dualéctico de ambos personajes en su tránsito temporal. Efectivamente, ambos personajes quieren de – construir su identidad para comparecer como el Uno múltiple en su género. Volver a ser de nuevo el primero con su inocencia típica que te vuelve mágico.

Lo digo ya, una pieza única de teatro, magistral, que te va centrifugando hacia el escenario para convertirte a ti también en una parte de ese camino de retorno a la inocencia originaria de la especie, cuando cualquier reflexión era posible, era creíble, era plausible.

Hay una química insustituible entre ambos actores, que traspasa desde la efectividad de la vida cotidiana a la realidad del teatro y que traspasa a la obra de una credibilidad persuasiva, de ánima y la eleva a la categoría estética de lo sublime, una contemplación de lo eterno pero a la que se llega desde una nimiedad que va a conseguir una gozosa reacción: esa sonrisa que en todos persiste tras ver la obra.

De Guillén Cuervo queda en el recuerdo sus ciento cuarenta registros vocales y toda una adorable interpretación, que se inicia cuando no parece él, sino su propio padre, hasta que parece él más allá de sí mismo. La primera vez que comparece en el escenario representándose tiempo atrás no se reconoce al actor efectivo sino al real emocionado de sí mismo, y acaba la obra cuando con la mímica a secas se nos va a la idealidad estética.

Ana Milán ha encontrado su lugar en el teatro: es un animal de la interpretación en directo, un verdadero animal del diálogo raudo, del diálogo íntimo, del silencio encubridor, de la voz en off cómplice, y exuda por los poros de su piel interpretación a raudales. Cualquiera sea la obra que interprete en el directo del teatro, la bordará, porque ha nacido para ello, para convertir todo lo efectivo en real.

Y de la invisible mano del director, Miguel Ángel Solá, como la mano del creador que afloja y aprieta, que ordena y libera, siempre hay, como la voz en Off de Dios en la obra, no decir si no, que siempre está ahí.

Ahora el montaje de la obra está en Barcelona, en Enero se estrena en Madrid; y cualquier ocasión es buena para acercarse al teatro para conseguir tu sonrisa de gozosa reacción divina, incluso, como yo, que será por el placer de volver a verla.

 

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Memorias de un zombie adolescente (Warm Bodies)

0. En la preapocalíptica era de los setenta, nacieron las películas de zombies, no la de muertos vivientes, que existen desde 1932 y la famosa “La legión de los hombres sin alma”. Estas películas tenían como misión real transmitir el folclore de las islas haitianas al púbico norteamericano. Básicamente se trataba de trasmitir en películas  las experiencias que contaba W.B. Seabrook, The magic Island. La década de los cuarenta se inicia con las mismas películas de muertos vivientes pero con una peculiaridad, éstos son los componentes del ejercito de un Villano que pretende controlar el mundo, Revenge of the zombies, donde el villano es un nazi. En 1959, los villanos provienen del espacio exterior, son selenitas, como en Invisible Invaiders. La década de los sesenta se abrirá con la película de zombies por excelencia y que marcará por siempre al género. Se trata de la película de George A.Romero, La noche de los muertes vivientes. Un apocalipsis de imprevisibles consecuencias se cierne sobre la totalidad del universo, y es imparable. Como de una consecuencia de la utilización de armas nucleares, los muertos han resucitado a la vida y han de alimentarse, claro. Van por ahí comiéndose a todo lo que se mueve y alimentándose tontamente de los cerebros que consiguen. La utilización de armas nucleares ha vuelto a totdo el mundo robótico y sin alma. Pero se ha vuelto no por la magia que pudiera emplear un sacerdote vudú, es el uso de tecnología avanzada de carácter nuclear la que nos ha transformado a esa manera de ser, de muertos vivientes. En posteriores películas, el desencadenante de la apocalipsis zombie no serán las armas nucleares sino las armas químicas, los estudios avanzados en la ingeniería genética, etc. Los autores de estas películas se erigieron en su momento como críticos furibundos de los avances armamentísticos y de la investigación avanzada en genética. Curiosamente, en vez de unirse el mundo vivo en su integridad contra el avance lento, lento del mundo zombie, los vivos se dedican a putearse entre sí y a robarse todos los enseres y víveres que acumularon. Incluso se preocupan más de hacerse con las investigaciones y sus logros que en acabar con la plaga. No en balde, el final de todo será un juicio final a toda la humanidad.

1. Hay un caso donde los zombies no nacen ni para servir ni para conocer las consecuencias de la utilización de armas nucleares o químicas. Es por venganza. The Walking dead, una película de Curtiz antes de Casablanca. Elfmann, el protagonista, es señalado como chivo expiatorio de un crimen que cometieron otros. La silla eléctrica y muerto, lo revivie el profesor Beaumunt, como parte de sus experiementos. A partir de ahí, el nuevo Elffmann revivido, gozará con la venganza. Suele decirse que era el primer zombie bueno de la historia, aunque en realidad, asistimos a una película básicamente de gangters (curiosamente, han resucitado el título en una nueva serie donde las venganzas y las traiciones son lo fundamental)

2. Memorias de un zombie adolescente, comienza como una película de zombies normal. Desde el primer momento, asistimos a un mundo apocalíptico lleno de zombies. Como si se tratara de una metapelícula de zombies que se ríe de sí misma. El protagonista nos muestra su dudas exsitenciales zombies, como si le conciencia fuese la parte más viva de él, muerto. Así, nos muestra el mundo zombie y cómo era antes, y la verdad, se da cuenta, que el mundo de vivos de antes, no era menos zombie que el actual, la teconología emboba. Esta primera parte d ela película provoca carcajadas porque el público se sabe de memoria lo que ocurre. Inlcuso se permite hacer un chiste con la necesidad de no mirar mientras come. La segunda parte de la película se abre cuando tiene que hacerse cargo de una viva en su mundo zombie. Una chiquilla que forma parte de sus sueños zombies por haberse desayunado el cerebro de su  novio. En el trascurso de esta parte, la viva comprende y se va enamorando del muerto viviente, a pesar de haberse comido a su prometido (¿no es tal la razón por la que todos nos casamos?) o quizá por eso. En la tercera parte, asistimos al abandono de la condición de zombie del protagonista y de sus acompañantes, gracias al amor y a la comprensión de los vivos.

Y este es el mensaje: sólo el amor hará que abandonemos la condición de muertos vivientes. Es más, sólo el amor y la comprensión hará que la comunicación sea de nuevo ese vis a vis perdido en la vida virtual. Porque eso es lo que es el mundo zombie, como un mundo generado en el ordenador y gobernado por unos seres semejantes a los de los juegos de esos aparatejos novedosos. Puede que la tecnología  esté bien, pero es más emocionante el amor.

3. Desde luego, parece que todo no está perdido. Todos esos seres que caminan por el mundo pegados a una tablet o a un ordenador o un móvil, son recuperables a través de amor. De un amor erótico, donde volvemos a bucar aquello que nos falta, lo que nos es ausente. El muerto viviente que cada uno requiere, si se le busca, se le puede reconvertir a través del amor, y solo del amor. Se puede cambiar el mundo, si nos desacomplejamos sobre el amor y nos mostramos descaradamente optimistas. Eso es lo que nos quiere transmitir la película, a través de unas actrativas interpretaciones, en un correcto ritmo, sin caer en reiteraciones. Correctamente dirigida, se dirige a crear un sentido del humor sobre el zombie. No es para tratarla como una obra de arte pero tampoco es un bodrio. Probablemente una buena película que se deja ver con agradabilidad y nos crea una buena sonrisa para mantener durante un buen rato.

 

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Django, el de la d muda

Es evidente que todo elmundo va a estar de acuerdo en que la última de Trantino es una genialidad, que no hay director como él que te pegue durante tres horas a una butca de cine y te mantenga expectante aunque no suceda nada en el dicurrir normal de la historia adicional que te propone, a parte del film que te presenta. Todo el mundo va a acordar y consensuar que no hay actores hasta que no trabajan con Tarantino, y recordarán como el buen tipo que es Travolta alcanzó su orgásmica actuación en Pulp fiction, y que Samuel L. Jackson sólo con Tarantino se semeja al actor que es, más allá no parece que ni interprete. La música de las películas de Tarantino pasan al inconsciente colectivo y se manifiestan en cualquier momento, pero fundamentalmente en la ducha o mientras visitas tetramensualmente a la mujer casada y con dos hijos que atender, refugiados en tu hotel. No hablemos ya de la ssabia elección de canciones que forman parte ya del elenco popular, las más tatareadas. Y no quiero deciros nada sobre su cine según Hitchcock, que le impele a plantarse en alguna parte del film como parte de la historia que cuenta, y que nunca parece tener la importancia debida, porque no la tiene, por supuesto. Por todo ello, mis amigos y vostros habéis declarado al Tarantino bueno  un genio y no me permitís que explique nada de él, salvo pena de excomunión cinematográfica. Incluso ponéis en duda la veracidad de la afirmación “yo sí he visto pelis de Tarantino”.

Para mí Tarantino no es más que un ineligente fabricante de pastiches. Coge de aquí, pone de allá, hallá acula, y equilicuá, ya tenemos el monstruo. El monstruo se ha denominado de muchas maneras, Reservoir Dogs, Pulp Fiction, Kill Bill, Malditos Bastardos, y ahora Django desencadenado. No acaba de salirle la película que el desea y como el la precisa, y por ello ha de repetirla con distintos recortes y con distintos trajes, si lo deseais, con precisos géneros. Desde el cine de gangsters pasado por la paleta de Billy Wilder, hasta este film que nos ocupa hoy, este Django con tintes de Dennis Hooper/Peter Fonda. Un pastiche psicológico, porque Tarantino vive el mundo como si fuera un cine y la realidad no existiera; porque Tarantino es un perpetuo adolescente que a la búsqueda de su propia identidad prefiere vivir como si fuera otros, y profundamente. En el cine de Tarantino no se sabe donde comienza la vida y en la vida de Tarantino nunca se acaba el cine, porque cine y vida, son una misma facies fenomenológica.

Un fabricante de pastiches. Bien sabe Tarantino que a todos nos encanta la serie B y la serie Z, y que son las pelñiculas que más disfrutamos. Nada de intelectualoides films nobles sobre el árbol de la vida o sobre the master. Lo que nos provoca un buen orgasmo fílmico es ver como los actores se martirizan a sí mismos en la búsqueda de la mejor frase, del mejor chiste, de los quince minutos de gloria. Esos mismos quince minutos que Tarantino se concede a sí mismo para soltarse en el mundo como una gracia de Rubens, desnudo de alma y sólo una corporalidad hiriente, como en abierto Hasta l amanecer. Por eso en las películas de Tarantino no ocurre nada, es como si ocurriese pero en realidad ya ha ocurrido en las películas de Sergio Corbucci, en este caso. Por eso en als películas de Tarantino no hay violencia ni sexo ni besos ni muertes, es como sí los hubiere, pero esa violencia te remite a la violencia original de las obras que pastichea.

Un buen fabricante de pastiches, y por eso me ecanta ir a ver sus películas, porque es la manera de disfrutar del cine dentro del cine y que remite al cine. Es como si la vida normal y corriente que vivo todos los días desapareciese de verdad de la realidad y hablásemos de otra cosa, de otra vida, de aquella que yo puedo fabricar a mi gusto, que Tarantino fabrica al gusto propio, y vosotros al gusto que deseeis, incluso podéis hacerla a disgusto de todos. No hay límites, y quiza hay encontremos la semilla de la genialidad Tarantinesca, en la ausencia de límites formales a la vida.

La película hubiera alcanzado una total ilimmitación si la hubiera podido interpretar José Bódalo, en el papel de malo malísimo, qué deleite final para la ilimitación fílmica. Disfrutar, con d muda, claro, del cine diluído, con d fricativa.

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Sobre el autor Xoel Prado - Antúnez
Obscuro como él solo sabe serlo, seductor vespertino y a veces matutino.