Que las decisiones de los jurados en casi todos los festivales no dejan contento a casi nadie es un hecho. Pero en el palmarés de la 70 Seminci el descontento es doble. Porque doble ha sido la Espiga de Oro, otorgada ex aequo a dos películas que tampoco han hecho muchos méritos para estar ahí. El premio principal de un certamen no debería estar dividido. Se convierte en medio premio. Hay que ser valientes y desig

‘The mastermind’

nar a la película del año por difícil que resulte la tarea. Me permito pedir al nuevo equipo del festival que ponga una cláusula (creo que en San Sebastián existe) impidiendo que el premio más importante se divida.

‘Magallanes’ y ‘The mastermind’ han sido las elegidas. De la primera no puedo opinar más allá de los comentarios adversos que me llegan de todas partes. ‘The mastermind’ puedo decir que es una de esas películas que prometen mucho más de lo que acaban dando. Kelly Reichardt comienza con pulso esta historia de un padre de familia desempleado que junto a otros dos atracadores aficionados y chapuceros roban unos cuadros en el museo de la localidad. Pero el tono de parodia y el sostén de su protagonista, Josh O’Connor, acaban naufragando en el aburrimiento. Por cierto, la película también cosechó el premio a la mejor Fotografía y aquí había tanto donde elegir que hubiera tenido más sentido el ‘ex aequo’.

‘Silent friend’

Como más lógica ha tenido –siempre a juicio de quien esto suscribe– la Espiga de Plata para ‘Silent friend’, la excelente cinta de Ildikó Enyedi que, bajo las ramas de un ginkgo centenario, cuenta tres historias en tres épocas distintas. Que el árbol sea el verdadero protagonista del film convenció también al jurado de la Espiga Verde. Lógico.

Eva Víctor, en ‘Sorry baby’

La española ‘Subsuelo’ sí tiene un guion a ratos notable que firman Fernando Franco y Begoña Arostegui, pero comparando con la competencia a la que se enfrenaba no se entiende del todo este premio Miguel Delibes. Eva Víctor, directora y guionista, además de protagonista de ‘Sorry baby’, se lleva el premio a la Interpretación Femenina y Harry Melling, por ‘Pillion’, la masculina. Nada que objetar. La mención especial en este capítulo a la familia Corral protagonista de ‘Lionel’ parece uno de esos guiños a la no profesionalidad traídos muy, muy por los pelos. Felices estaban en la lectura matinal de los premios los directores argentinos de ‘La noche está marchándose ya’ que ganaron la Espiga a la Mejor Dirección. La película rezuma amor al cine.

Atención, pregunta ¿por qué el premio Pilar Miró a la Mejor Dirección Novel se ha convertido en el premio a la Mejor Nueva Dirección Española y se ha sacado del palmarés oficial? A la espera de respuestas, la ganadora ha sido Lucía Aleñar por ‘Forastera’, una cinta que también bendijo el jurado Fipresci en Toronto. Impresionante debut.

El Fipresci de Valladolid ha sido para ‘Dos fiscales’, una película dura, de gran ambientación, excelentes diálogos y una resolución excelente. Bien.

Denise Weinbeerg en ‘El sendero azul’

El cierto caos al que tiende siempre esta última rueda de prensa con la lectura de los fallos de los distintos jurados (repeticiones de sus miembros, explicaciones demasiado largas) tuvo para mí un momento especial: cuando el jurado joven justificó su premio para ‘El sendero azul’. Un premio, dijeron, a una mirada diferente sobre la ancianidad en la persona de una mujer que se resiste a obedecer a quienes pretenden apartarla a un gueto. “Se demuestra que la belleza no siempre está en la juventud”. Un cálido aplauso para ellos.

Y puesta a contarlo todo, he sentido que ‘La chica zurda’ esté ausente del palmarés. Me captó la mirada inteligente y plácida de su directora, Shih-ching Tsou.

El director del Festival, José Luis Cienfuegos, que a punto estuvo de convertirse en protagonista absoluto de la mañana pues tuvo una pequeña caída desde el estrado que afortunadamente se quedó en anécdota, informó de un aumento en taquilla del 6% con respecto a la edición del año pasado, que se suma al 10% de incremento en la edición anterior. Las salas estaban llenas, doy fe, en todas aquellas sesiones a las que asistí. Y eso que en esta ocasión más de doscientas películas en cartel repartidas en unas siete secciones –si contamos proyecciones especiales y el ciclo de La Controversia de Valladolid– daban para elegir.

Cerramos, pues, edición y brindamos por la 71. Larga vida al Festival.

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Es bueno que el cine nos dé un respiro. Es más, si hubiera sido responsable de la programación de las matinales del Calderón en Sección Oficial hubiera invertido el orden de las películas de la última jornada . Así nos hubiéramos ido a comer –tarde, claro, con los metrajes no se puede– con un buen sabor de boca, pero nos fuimos con la dureza de ‘Orphan’, del húngaro Lâszlo Nemes (Budapest, 1977). Hablábamos en una de estas crónicas de las consecuencias extendidas en el tiempo de todas las guerras. El protagonista de ‘Orphan’, un niño judío llamado Andor, nace al término de la II Guerra Mundial, pasa sus primeros años en un orfanato y a los cuatro vuelve con su madre. La película arranca en 1957, en la capital húngara, cuatro meses después del fallido levantamiento contra el régimen comunista. Andor no ha conocido a su padre del que no se sabe su paradero, aunque se sospecha que puede estar muerto o en un campo de concentración. Él lo ha idealizado, pero su vida ya de por sí dura se volverá una pesadilla con la llegada de un hombre autoritario y violento que pretende recuperar la relación que tuvo con su madre y, de paso, ocupar el lugar del padre. Andor, al que la vida le ha enseñado su lado más oscuro, muestra esa misma oscuridad en la mirada. Y luchará con todas sus armas contra ese destino.

Nemes no cierra todas las incógnitas que plantea el origen de Andor ni la situación de sus padres. Se centra en la búsqueda de su protagonista, un excelente Bojtorján Barabás, a quien sigue de cerca en los 132 minutos de metraje. Reconocido por títulos como ‘El hijo de Saúl’ o ‘Atardecer’, ‘Orphan’ no llega a la redondez de las anteriores, desde mi punto de vista, si bien se revela como una muestra más del horror de unas vidas destrozadas por la barbarie de quienes toman las riendas del poder de manera abusiva sea en el ámbito público o privado.

El respiro lo puso de nuevo David Trueba, ese inquieto creador que lo mismo escribe con palabras que con imágenes. En esta ocasión se versiona a sí mismo. La película que cerrará en la gala de clausura la Sección Oficial de este año, ‘Siempre es invierno’, es el trasunto cinematográfico de su novela ‘Blitz’, publicada en 2015. Si algo sabe hacer Trueba es elegir a los protagonistas de sus films y aquí no ha podido elegir mejor. David Verdaguer (dos Goyas en su haber por las interpretaciones en ‘Verano 1993’ y ‘Saben aquell’, espléndido en su interpretación del humorista Eugenio) es el perfecto Miguel de la historia, un joven y poco exitoso arquitecto al que acaba de dejar su novia y que en su deambular por Lieja, a donde ha acudido para participar en un congreso, acabará teniendo una relación con una mujer mucho mayor que él (una estupenda Isabelle Renauld).

David Trueba tiene un don para contar estas historias sencillas y complicadas como la vida, sin olvidar lo importante que es la distancia con uno mismo –en este caso con sus personajes, aunque se diría que es el espejo de su saber ponerse él mismo en la distancia adecuada para hacer el trabajo– y el humor. Decía Serrat que a veces la vida nos besa en la boca y otras nos deja chupando un pavo sentados en una calabaza. La sabiduría consiste en aprovechar los primeros y dejar que pasen los segundos respirando profundamente. Trueba consigue la complicidad del elenco para mostrar un relato que con todas sus arista lo deja botando en la mente del espectador.

A LA ESPERA DEL PALMARÉS

… Y llega ese momento anual de quinielas, favoritos y demás suspenses que con la experiencia que nos asiste, muchas semincis a la espalda, sabemos que sirven de muy poco. Sobre todo cuando la Sección Oficial ha mantenido un nivel muy notable pero no ha dado ese film deslumbrante ante el que no quepan dudas. Pero esto no es más que una opinión y si algo se pone de manifiesto en un festival con tantas propuestas y tantos espectadores –que, por cierto, han dado una vez más su respaldo al certamen llenando salas y sesiones por más intempestivas a priori que parecieran, sobre todo por la longitud de las mismas– es el modo dispar con el que cada cual las recibe. Resulta aleccionador en este sentido comprobarlo tanto entre la crítica especializada como entre el espectador aficionado sin más.

Si yo tuviera que decir, teniendo en cuenta que alguna no he podido ver, las que se me han quedado en la cabeza dentro de la Sección Oficial, hablaría de ‘La chica zurda’, ‘Silent friend’ o ‘Tres adioses’, salvando la maestría de Bi Gan en ‘Resurrección’ o la excelente factura de ‘Dos fiscales’. No me olvido de los magníficos Dardenne ni de ‘Sorry baby’. Pero aquí, lo único cierto es que el mando lo tiene el jurado. O sea, ya se verá.

Por cierto, nos vemos en el cine. ¿Dónde están el resto del año todos esos espectadores que desaparecen o al menos disminuyen notablemente en cuanto el festival se cierra?

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Mañana en blanco y negro la de ayer jueves en la Sección Oficial de Seminci.

En primer lugar, la propuesta de dos jóvenes directores argentinos, Ezequiel Salinas y Ramiro Sonzini, que en 2021 codirigieron el corto ‘MI última aventura’, Espiga de Plata en este certamen. Juntos vuelven a Valladolid con su primer largo ‘La noche está marchándose ya’, título que procede de un verso de una de las canciones de la película. Con nocturnidad y textura neblinosa nos cuenta la historia de gente en crisis, en un país, Argentina, que sabe mucho de eso. Seminci también ha reflejado en sus distintas secciones sus dificultades, que se parecen a las dificultades de tantos otros. Pelu, un treintañero de pocas palabras que se mal gana la vida como proyeccionista en un cine-club municipal de Córdoba, acepta ser el sereno del local, cuando se queda sin trabajo. También tendrá que dejar el piso que comparte por falta de dinero, por lo que acaba instalándose en el cine donde de vez en cuando recibe la visita de una amiga que vive de los vídeos que cuelga en Onlyfans y de una cuadrilla de sin techo, gorrillas ocasionales y perdedores a tiempo completo, que acaban formando comunidad.

La película, con guiños al cine negro y homenajes a títulos del cine clásico que cada noche revisa el Pelu, se deja ver con agrado aunque el tono un tanto documental por el que apuestan los autores, quizá por quitar dramatismo a la situación, hace que acabe por resultar un tanto fría y distante.

Aún lo es más ‘Bajo las nubes’, el filme de Gianfranco Rosi que también apuesta por la gama de grises para contar su historia. O intentarlo al menos. Con aire de documental –género en el que es especialista el director italiano– el film nos traslada al golfo de Nápoles, a la ciudad que no ven los turistas, a las proximidades del Vesubio donde la tierra tiembla de vez en cuando. Fragmentos de vida que nos llevan a la centralita del parque de bomberos, junto los arqueólogos que revisitan Pompeya y otras localizaciones por descubrir, a los muelles del golfo, a la tienda de un librero-profesor, o al almacén del museo arqueológico donde una conservadora pasa su tiempo investigando los incontables restos que fueron dejando erupciones y terremotos… El problema es que la cinta, demasiado larga como el 90% de las propuestas al menos de la Sección Oficial, no lleva a ningún lado. Se queda en las imágenes que una fotografía con encuadres muy estudiados, a ratos onírica, a ratos subterránea, donde solo las nubes ofrecen algún respiro, destaca en una historia fragmentaria que apenas permite conectar al espectador.

Antes, el pase de prensa de ‘Vivir la tierra’ nos había llevado a todo color a la China rural anclada en formas de vida que apenas han cambiado durante centurias, Campesinos atados a la dureza de las tareas agrícolas y ganaderas y atados también a unas tradiciones y a un Estado vigilante que dejan poco resquicio a la libertad. La propuesta del director chino Huo Meng, su segundo largometraje, le valió el Oso de Plata a la mejor dirección en el Festival de Berlín.

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…Y los Dardenne volvieron a casa. Y es que Seminci lo es para estos directores belgas de alguna manera. El Festival de Valladolid los sigue desde aquel ya lejano año 1996 en que se llevaron la Espiga de Oro con su película ‘La promesa’.  Después llegarían otros títulos fundamentales en su filmografía: ‘Rosseta’, ‘El hijo,’ ‘El niño’, ‘El niño de la bicicleta’, ‘Dos días y una noche’… Su último filme, ‘Recién nacidas’ también ocupa su lugar en esta 70 edición de Seminci.

Jean-Pierre  y Luc Dardenne siguen en forma. Siguen haciendo eso tan difícil a veces de filmar: cine social, comprometido con los problemas de su tiempo, sin que se resienta el arte, sin que se asomen siquiera al panfleto. Tan solo con las armas de un guion honesto bien trabajado y una cámara que destila verdad. En ‘Recién nacidas’ abordan el tema de la maternidad adolescente en contextos de precariedad social, fundamentalmente por la pobreza pero también en el contexto de las adicciones y malos tratos.

Cinco historias, cinco madres adolescentes en un centro de acogida de Lieja donde intentan darles un futuro a ellas y a sus bebés. (Imposible no acordarse de ‘La maternal’, de Pilar Palomero). La sensibilidad, la huida del maniqueísmo, la distancia con cualquier tentación de discurso demagógico, permiten al espectador acompañar a estas jóvenes en sus miedos, en sus dudas, en la voluntad de hacerse un hueco en una sociedad que no es un lugar seguro para ellas. Película coral en la que destaca la mano de dos grandes del cine europeo.

También dejó buen sabor de boca ‘Sorry baby’, la ópera prima de la guionista, actriz y ahora directora Eva Víctor, nacida en París, criada en San Francisco y residente en Los Ángeles, que escribe, dirige y protagoniza esta historia acerca del trauma que deja en la vida del que lo sufre un abuso sexual. La protagonista es profesora en una universidad de Nueva Inglaterra y no parece muy consciente de la herida que arrastra desde que su tutor abusó de ella en esa misma universidad. Eva Víctor plantea el caso sin aspavientos, huyendo del dramatismo, siguiendo la vida de Agnes, su relación con una amiga de la carrera, la única que conoce su trauma, y con el resto de las personas que acompañan su vida. Una forma distinta de aproximarse al tema que incluye momentos de humor, una faceta –los vídeos de humor– por la que también es muy conocida la directora.

¿Se puede hacer película con un árbol como protagonista, que dure 147 minutos y que mantenga el interés del espectador? Se puede. O al menos puede la cineasta húngara Ildikó Enyedi que viene al Festival con su sexto largometraje, ‘The Silent friend’. Enyedi sabe lo que es ganar la Cámara de Oro en Cannes con su primer largo, ‘My twentieth century’, el Oso de Oro en Berlín por ‘En cuerpo y alma’, film que le valió también la nominación al Oscar. Esta vez nos hace mirar el mundo de las plantas a través de la silenciosa existencia de un ginkgo, ese árbol prehistórico cuyas hojas son de por sí un canto a la belleza. El ejemplar que atraviesa tres épocas del film está situado en el jardín de una universidad medieval en Alemania. Allí acompañaremos a un neurocientífico que queda atrapado por la pandemia del covid y vive ese periodo con la única presencia del guarda de la universidad; a la primera mujer que en 1908 fue admitida como estudiante entre sus muros y a un joven futuro filólogo que en 1972 cambia su percepción de la naturaleza gracias a un geranio que estudia una compañera, estudiante de ciencias.

A la sombra protectora del ginkgo, Enyedi construye imágenes de enorme potencia, visualmente muy atractivas, e inevitablemente nos hace preguntarnos sobre nuestra relación con la naturaleza. Los saltos temporales componen un caleidoscopio cuyos fragmentos se apoyan unos a otros, hasta hacer poco visible que la historia menos atractiva es la que sucede en el siglo XX. Con todo, es un disfrute de película.

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Avanza la Sección Oficial de Seminci sin que de momento aparezca esa película redonda y candidata incontestable a la Espiga de Oro, esa que todos buscamos mañana y tarde entre las propuestas del certamen. A estas alturas y antes de llegar al ecuador, de lo visto por esta cronista, ‘La chica zurda’ es la que más puntuaciones tendría en esa desaparecida tabla de puntuaciones de una parte de la crítica. Todas sin embargo están aquí por motivos si no sobrados sí suficientes.

Pensemos por ejemplo en ‘Dos fiscales’ la propuesta del bielorruso Sergei Loznitsa, un director premiado tanto cuando aborda la ficción como cuando se decanta por el documental. En esta ocasión aborda una historia de ficción, pero a la que se podría adjudicar el cartel de ‘basada en hechos reales’. Estamos en la Unión Soviética de 1937, es decir, en plenas purgas estalinistas en las que fueron encarcelados, torturados y asesinados decenas de miles de disidentes. Una de lasmiles de cartas de presos que el régimen mandó quemar llega a manos de un joven fiscal que decide investigar la veracidad de las torturas que denunciaba. La investigación le llevará hasta el fiscal general del régimen en Moscú.

Oigo a muchos espectadores calificar el filme de previsible por el hecho de que el atrevido y honrado fiscal no puede sino correr el mismo destino del denunciante. Siendo esto cierto, no creo que la intención de Loznitsa sea en ningún caso sorprender al espectador con un final feliz del todo improbable. El valor de la película reside en el mérito de logar contar una historia ‘previsible’ a base de diálogos. Es una película hablada. Y logra mantener el interés a lo largo de sus casi dos horas de duración. Diálogos tensos: en la celda del detenido, un hombre torturado y al borde de la muerte, en los despachos del poder, en el tren junto a los que acabarán deteniendo al joven fiscal. Cuidada ambientación, una fotografía que consigue mostrar el irrespirable ambiente de cárceles y despachos y un protagonista que mantiene la mirada de los represores con una frialdad admirable.

Que las guerras no acaban con el alto el fuego es una obviedad que sin embargo la humanidad olvida para su desgracia. Sus consecuencias duran generaciones, separan familias y truncan vidas, mucho después de que las callen las armas. Así en ‘Golpes’ ambientada en la Transición en la que dos hermanos que quedaron huérfanos tras el asesinato de su padre en la Guerra Civil han seguido caminos muy distintos: Migueli, un delincuente empeñado en recuperar el cadáver del padre –uno de tantos que siguen aún en campos y cunetas– y Sabino policía al cargo de su detención.  Primer largometraje de Rafael Cobos, hasta ahora premiado guionista con dos Goyas en su haber por la escritura de ‘La isla mínima’ y ‘El hombre de las mil caras’, ambas de Alberto Rodríguez con el que trabaja habitualmente. En su debut como director sortea bien esa frontera entre el cine de quinquis y el drama político con la inestimable colaboración de un Luis Tosar que hace creíble cualquier traje que diseñen para él y Jesús Carroza que consigue estar a la altura del gran compañero que le ha tocado en suerte. La película se deja ver sin que decaiga la atención.

Y siguiendo con el cine español: otro debut. El del murciano Carlos Saiz que presenta en Valladolid ‘Lionel’, un filme a medio camino entre la ficción y el testimonio, rodado con una familia real que se interpreta a sí misma. Exposición y pretendida reflexión de lazos familiares fallidos. Un padre apenas presente tras el divorcio de su mujer emprende un viaje con su  hijo Lionel a Francia para visitar a la hija y hermana respectivamente. Se trata de un hombre peculiar por decirlo de alguna manera suave, de difícil adaptación a las normas sociales, en definitiva, un ‘broncas’ incapaz de comunicarse con sus descendientes: un hijo que no ha cerrado las heridas del pasado y una hija, Alicia, que ha preferido distanciarse también geográficamente de una familia que no es tal.

Aunque es una historia ya vista en numerosas ocasiones la película parte de una idea arriesgada y atractiva en la forma y hubiera podido llegar a buen puerto si hubiera manejado el tempo, eso tan necesario en toda obra de creación. Tres cuartos de hora de broncas paternas, malos modos, y conversaciones fallidas, distancian de tal manera que ya no importa mucho lo que suceda después. El final, único momento algo tierno del filme, en el que parece que la sangre aún tiene algo que aportar, pilla al espectador, o al menos a esta espectadora, completamente agotada.

Como cierto agotamiento produce ‘The sound of falling’, segundo largometraje de la alemana Mascha Schilinski, que llega a la Seminci con el Premio del Jurado del Festival de Cannes en el currículum. Una granja en algún lugar del Norte de Alemania es el escenario para cuatro tiempos históricos y cuatro mujeres distintas, cuyas vidas y entornos familiares parecen reflejarse en el espejo del tiempo. Un guion con trazas líricas y muchos cabos sueltos lastra un filme que aporta sin embargo una cuidada fotografía y una dirección de arte que construyen atmósferas llenas de encanto. Una vez más, el exceso de metraje juega en su contra.

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A veces la vida acaba dando un respiro y el cine sabe contarlo. La taiwanesa afincada en Nueva York Shih-Ching Tsou aporta al festival una luminosa película sobre tres mujeres en dificultades. Una madre soltera y sus dos hijas regresan a Taipéi después de un tiempo viviendo en el campo. Del éxito de un puesto de comida en uno de los bulliciosos mercados callejeros de la ciudad depende su supervivencia. Pero nada es fácil cuando no se tienen recursos y las deudas amenazan con el cierre del modesto local. La hija mayor parece vivir una adolescencia tardía, no tiene una buena relación con su madre y la pequeña, la niña zurda que da título al film, descubre por su abuelo, al que acaba de conocer, que su mano izquierda es ‘la mano del diablo’ lo que cambiará su mirada sobre su propia naturaleza. Shih-Ching Tsou retrata un mundo en el que a pesar de la aparente modernidad viejas tradiciones y supersticiones perviven y estas suelen ser más perjudiciales para las mujeres que aún son vistas como ciudadanas de segunda en muchos aspectos.

La película es algo más que una historia de mujeres solas con problemas en un medio hostil. Es también la de la niña que verá que el mundo de los mayores no siempre es el cálido y acogedor escenario que necesita para su desarrollo. Contaba la directora en el coloquio posterior a la proyección que la pequeña actriz, Nina Ye, es ya una estrella en su país por su habitual presencia en el mundo de la publicidad. Su naturalidad y frescura, su inocencia y fuerza de carácter resultan hipnóticas.

Por su parte, la directora, también guionista y productora, es habitual colaboradora del director Sean Baker al que ha producido entre otras en ‘The Florida Project’ y codirigido con él ‘Take out’. También en esta ocasión han colaborado juntos en un guion que llevaban pensando desde hacía 20 años. La memoria personal de la directora, zurda en su infancia, y otras experiencias cercanas hicieron crecer una historia muy bien contada en la que destaca el ritmo que aporta el montaje y el ágil movimiento de la cámara siguiendo las idas y venidas de la pequeña, por el mercado que es a la vez escenario y personaje. Sórdido a ratos, luminoso a veces.

A medida que la película avanza y se van descubriendo los secretos familiares y las tensas relaciones entre sus miembros (ya avisó Tolstoi de que las familias infelices lo son cada una a su manera) las sombras parecen agrandarse sobre sus tres protagonistas, pero a veces la vida da un respiro y ‘La chica zurda’ ofrece un final liberador. La película, que en la Semana de la crítica de Cannes consiguió el premio que le dará distribución en Francia, ha sido la elegida para representar a Taiwan en la carrera de los Oscars. Merece la pena su visión.

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‘Resurrección’ venía a la programación del festival como uno de los acontecimientos de este año y probablemente se irá como tal. Su director, el también poeta y fotógrafo chino Bi Gan (Kaili, 1989), llegaba al certamen tras la fascinación suscitada por sus dos anteriores largometrajes, ‘Kaili Blues’ y ‘Largo viaje hacia la noche’ y el responsable de su programación, Javier Estrada, no dudó en calificar como de día histórico su paso por Valladolid al presentarlo en rueda de prensa tras el pase de prensa del film. ‘Resurrección’ es un ambicioso ejercicio de estilo sobre el papel de los sueños y sobre la evolución del cine durante el siglo XX. Homenaje a un arte atravesado por los avatares del desarrollo tecnológico desde la imagen muda a las posibilidades que un mundo atado a la tecnología ofrece al sistema. Los episodios de esta cinta de casi tres horas de duración atraviesan diversos géneros cinematográficos al tiempo que fijan los cinco sentidos del género humano.

Bi Gan reveló que, desde la proyección en el pasado festival de Cannes, donde obtuvo el premio Especial del Jurado la película había sufrido alguna transformación y que en esta ocasión intentó huir del plano secuencia que todos sus espectadores esperan en sus películas, pero no lo consiguió. “Es la técnica que me resulta más familiar y era coherente con lo que queríamos mostrar en ese episodio final, la noche de víspera del nuevo milenio”, afirmó ante los periodistas. Cuarenta minutos dura ese plano secuencia final que cierra una película con un arranque estéticamente muy logrado, con una precisión técnica arrolladora y salpicado de momentos poéticos pero que transcurren a distancia. Una distancia perfectamente medida que en teatro equivaldría a la imposibilidad de traspasar la cuarta pared. Añade Bi Gan que para él el cine es sobre todo juego, en este caso un jurgo gélido como la nieve que cubre el empleo budista de uno de los capítulos del film.  Y sí, el espectador está invitado, aunque difícilmente se pueda sentir concernido. Se requiere de toda su afición y voluntad.

En el menú del Festival caben propuestas no ya diversas sino dispares y de la frialdad de Bi Gan se puede pasar sin solución de continuidad a la empatía calurosa amazónica de ‘El sendero azul’. Su director, Gabriel Mascaró (Recife, Brasil, 1983), imagina un mundo en que los ancianos  de su país son apartados en guetos donde pasarán sus últimos años bajo el cuidado estatal pero alejados de su familia y de los lugares donde hasta ese momento vivieron y se relacionaron.  Liberando a sus hijos y familiares más jóvenes de su cuidado estos estarán libres para producir sin distracciones. Pero no todos aceptan la ley y aunque con dificultades consiguen escapar a la vigilancia policial. Es el caso de Tereza que a pesar de ser aún independiente a sus 77 años es obligada a dejar su casa camino de ‘las colonias’. Su huida, el encuentro con otra mujer que también ha escapado a la distópica ordenanza (o quizá no tanto si miramos a un futuro de sociedades envejecidas y estrechamente dirigidas a la productividad sin cuento) transformará su futuro o al menos su presente. Filme sin más pretensiones que contar una historia que como las buenas historias dan que pensar y que cuenta con una espléndida Denise Weinberg metida hasta el tuétano en el papel. El film obtuvo el Gran Premio del Jurado en la Berlinale

Fernando Franco (Sevilla, 1976), tras sus premiadas ‘La herida’ y ‘La consagración de la primavera’, introduce la cámara en un tortuoso thriller psicológico, en una historia asfixiante que afecta a una familia compuesta por los padres y dos mellizos, Eva y Fabian, a punto de cumplir la mayoría de edad. Una noche los dos hermanos y un amigo tienen un accidente de coche tras el cual Fabián acaba en silla de ruedas mientras que el amigo muere. Las consecuencias envuelven la vida familiar en una tortura de culpas, silencios y secretos, aderezada por la psicopatía de Fabián que abusa de su hermana a la que tiene vigilada y sometida.

Franco plantea el nudo de la ficción asomándose a la tragedia y dibujando las situaciones con la minuciosidad del entomólogo sin aportar respuestas ni pretenderlo. Y es esa capacidad para mantener la tensión lo más destacado de un filme cuyo único respiro es la incipiente relación sentimental entre Eva y el hermano del amigo muerto. También las interpretaciones de Julia Martínez, en el papel de una joven al borde del abismo, y la fría mirada psicopática de Diego Garisa encarnando a Fabian son dignas de mención.

También había expectación por la última entrega de la estadounidense Kelly Reichardt (Miami, 1964). ‘The mastermind’ es la historia de un fracasado contada a medio camino entre la road movie y la parodia. Su protagonista, J.B. Mooney (al que da vida Josh O’Connor) es un padre de familia desempleado, que vive en un suburbio de Massachussetts y es hijo de un estricto juez de la zona. Mooney planea un atraco en el museo de la ciudad junto a dos cómplices tan chapuzas como él mismo. Una de esas historias en las que si algo puede salir mal sale. Reichardt lo cuenta desde un buen arranque, una atractiva ambientación en la América profunda de los años 70, en el momento de los movimientos pacifistas y la oposición a Nixon, y una estética que cuadra a la perfección con el ambiente pero que va perdiendo fuelle a lo largo de sus 110 minutos, hasta el punto de estropear un final que hubiera merecido mejores precedentes.

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Es difícil articular palabra tras este viaje a ninguna parte que nos plantea el aclamado autor de ‘O que arde’ y, sin embargo, no solo estamos seguros de haber visto una de esas películas que se quedarán en nuestra memoria, sino que el film crece a medida que pasan las horas y se va digiriendo su propuesta. La excusa argumental es conocida (y por suerte, apenas mucho más ha trascendido hasta ahora del desarrollo, pues en este caso los spoilers sí harían daño): Un padre busca a su hija en una rave del desierto de Marruecos. Le han dicho que probablemente puede estar ahí. Es un padre normal, parece un tipo normal, uno de esos que te puedes encontrar en un bar o en la cola del supermercado, o en cualquier oficina, a punto de abandonar ese territorio difuso de la mediana edad, interpretado con la solvencia habitual de Sergi López. Le acompaña su hijo pequeño, Esteban. Un chaval de pocas palabras y de inteligentes silencios con una mirada que traspasa la cámara, fantástico Bruño Núñez. Padre e hijo reparten, al comienzo de la película, pasquines con la imagen de la hija y hermana con la esperanza (un hilo delgado pues en sus rostros se adivina el cansancio y la incertidumbre) de que alguien la haya visto en una de esas concentraciones de música tecno, de machacona vibración y seres en trance, casi espectrales, entre la arena y la noche.

Apenas sabemos nada de ellos ni lo sabremos en toda la película. Por qué Mar, que así se llama la joven buscada, no se ha puesto en contacto con su padre en cinco meses, por qué éste se aventura sin el equipo adecuado a un desierto y a un ambiente que le son totalmente ajenos y, lo que es más extraño, por qué permite que en una aventura tan peligrosa le acompañe el niño. Ni de dónde le viene al chaval su fuerza y su presencia de ánimo. Tampoco sabremos nada del resto de los protagonistas de la historia: ese grupo de gentes con los que jamás hubieran cruzado palabra si no fuera porque la vida se ha encargado de cruzarlos mucho más allá de sus circunstancias.

Pero nada de esa información importa demasiado. Es más, podemos intuirla a medida que avanza la película. Y es suficiente. Acabaremos sabiendo que todos tienen en común más de lo que cabría sospechar en un principio. Es en el destino donde parecen confluir sus diferencias. Seres avanzando hacia el abismo. “¿Ha empezado ya la tercera guerra mundial?”, dice uno de los actores en un momento del film. “La tercera guerra mundial empezó hace mucho”, le contesta otro. El fondo de un conflicto bélico indeterminado que se asoma en la radio de los camiones de los buscadores de raves es el mismo con el que nos levantamos cada mañana al escuchar los informativos en la seguridad de nuestras casas.

El desierto. Que nadie busque una imagen amable, pseudo turística de ese lugar que alguna vez nos ha dejado sin palabras a quienes hemos tenido la suerte de contemplar en directo la belleza que es capaz de desplegar. Aquí es un territorio hostil, una metáfora de nuestros desiertos interiores y colectivos. El mapa de nuestra impotencia. El plano en el que se dibuja esa fina línea que puede separar la vida de la muerte. El infierno del paraíso. Pero no podemos dejar de mirarlo. No podemos apartar la vista de la pantalla. Laxe nos hipnotiza con su maestría a la hora de combinar planos abiertos de un lugar sin horizontes, o de horizontes muy lejanos, con primeros planos de rostros, de pies que avanzan sin brújula por la sequedad de la tierra.

Hacia la mitad de la película un giro de guión me hizo preguntarme cómo avanzaría la historia desde el pozo en el que parecía haberse sumergido. Y la memoria del cine me trajo la respuesta: a la manera del western clásico. Hay quien en el enloquecido viaje de esos extravagantes vehículos por dunas y montañas ha visto ecos de ‘Mad Max’ y no esta mal visto, aunque a mí la que se me venía a la cabeza constantemente era ‘La carretera’, el trasunto a la pantalla de la homónima novela de Cormac McCarthy. A partir de ahí y salvando las distancias encomendé la historia a la maestría de un Ford en ‘Centauros del desierto’. Y creo que no me equivoqué.

La música. Tan esencial como la implacable luz del mediodía en la llanura sin agua y sin vida aparente es el fondo musical, ese tecno machacón y cuya vibración en los altavoces que transportan los incondicionales raveros es algo más que el diapasón del trance, la música para el olvido. Hay en ese vibrar un argumento de búsqueda, aunque desde fuera nos pueda parecer un modo equivocado o simple. Artificial. Hay una escena en la que Jade, una de las integrantes del grupo, invita al atribulado padre a entrar en el camión a compartir esa vibración que la atrapa. Otros encuentran la respuesta en cuencos tibetanos. Todos buscan. Todos buscamos.

Los últimos planos de ese tránsito son sencillamente perfectos. Perfectos para dejarnos sin palabras. Para rumiar una de esas obras que nos interpelan, que nos hacen levantarnos mentalmente de la seguridad de la butaca. Porque en ellas se encierran verdades a las que nos cuesta mirar.

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Al contrario sucede con ‘Black dog’, del director chino Guan Hu,que desde la sequedad con la que está contada y filmada consigue más emoción, a pesar de un paisaje hostil (el director nos traslada a los confines del desierto de Gobi) en el que se desarrollan vidas sin horizonte. Lang vuelve a su ciudad natal tras salir de la cárcel y apenas encuentra complicidad en una comunidad de la que huyen los jóvenes por falta de trabajo y en la que los perros callejeros imponen su ley a medida que retrocede la vida humana. Lang compadece su soledad con la de uno de esos perros, el que más temor infunde por su agresividad y la sospecha de que puede estar afectado por la rabia. Su relación se cuenta con tintes de western, los desiertos al fin y al cabo se parecen y la soledad tiene notas que armonizan sea cual sea el ‘idioma’ de la partitura. Destaca a fotografía de Gao Weizhe sobre esos espacios de luz turbia que contribuyen a la mirada desolada frente al abandono. Me sobra la sonrisa final en primer plano del protagonista mientras abandona para siempre el lugar donde nació.

Menos interesantes me han resultado en esta edición las película con tintes de comedia, por mucho que quisieran poner el contrapunto a una edición llena de historias turbulentas como las aguas de la actualidad que vivimos. ‘Misericordia’, de Alain Guiraudie,por ejemplo, es un filme lleno de giros de guión, sorprendentes enganches a una historia que comienza siendo un filme casi de misterio para terminar en un enredo a varias bandas. Como me ha pasado con otras películas, el problema aquí, en mi opinión, es la falta de decisión en torno a cómo contar la historia. No encontrar el tono, mezclar comedia y drama (lo que no tiene por qué ser un problema) sin el hilo que suture la acción, introducir parlamentos a modo de moraleja lastran una trama que no deja de tener su interés.  Jerémie regresa a su pueblo para asistir al funeral de su antiguo jefe. Nada aquí le resultará fácil y cada miembro de la comunidad desde la viuda al sacerdote del pueblo, pasando por sus amigos de juventud, parece esconder un misterio o un rencor hacia su persona. Para pasar un rato en una tarde lluviosa.

La 69 edición de Seminci ha cumplido con lo que se espera de un festival de su prestigio y destinado al cine de autor. El nivel medio de su Sección Oficial ha sido notable auqneu se haya echado en falta esa película luminosa que concita unánime aplauso. Por mi parte me quedo con Salve María, con el talento de su directora, Mar Coll, a la hora de tratar un tema difícil desde un registro distinto al suyo habitual. Y me quedo con el buen sabor de boca de películas como ‘The brutalist’, ‘Polvo serán’, o ‘La tutoría’, sin olvidarme de ‘MI postre favorito’ y ‘La mitad de Ana’

Nos vemos en el cine

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Valiente. Es el primer adjetivo que me sale para hablar de ‘Salve María’, tercer largometraje de Mar Coll y su regreso a la Seminci donde en 2013 estrenó su segunda película, ‘Todos quieren lo mejor para ella’, que supuso el premio a la mejor interpretación femenina para Nora Navas, su protagonista. Cuatro años antes, Mar Coll se había ganado un puesto de honor en la historia de nuestro cine más reciente con su luminoso debut: ‘Tres días con la familia’ le valió el Goya a la mejor dirección novel y contribuyó a dar visibilidad a una serie de directoras jóvenes que han revolucionado las pantallas y los festivales dentro y fuera de España. Supuso sin duda un momento fundacional ya que detrás vendrían las obras de Pilar Palomero, Clara Simón, Alaida Ruiz de Azúa, Belén Funes y tantas otras.

‘Salve María’ se atreve con un tema tabú, la maternidad arrepentida, el desapego hacia el bebé que acaba de llegar al mundo, la depresión y la culpa, el miedo a no estar a la altura. Magníficamente interpretada por Laura Weissmahr en el papel de María, una escritora que acaba de ser madre y cuya angustia se ve agravada cuando conoce la noticia de una parricida que ha ahogado a sus bebés recién nacidos en la bañera de su casa y se obsesiona con ella. La cámara sigue el rosto de María y ésta imanta por completo la atención del espectador. Junto a ella, su pareja, un hombre en principio atento y preocupado pero que no puede o no sabe ver lo que le está ocurriendo a ella. La incomunicación, la incapacidad de verbalizar el trauma y la incomprensión a su alrededor incrementan su sensación de soledad de la joven madre.

Mar Coll vuelve a mostrar su talento, acompañada una vez más por su guionista de cabecera, Valentina Viso. Ambas han trabajado en la adaptación de la novela ‘Las madres no’ de Katixa Aguirre y han contado con la inspiración de Zeltia Montes, cuya música es un auténtico pilar del film. La película introduce algunas de las citas que ya estaban en la novela sobre el tema de la maternidad visto desde su lado más oscuro o al menos nada políticamente correcto. De todas ellas (aparecen Silvia Plath, Simone de Beauvoir…) la que a mi juicio refleja mejor el tema de la película es la que reza: ‘Las madres no escriben están escritas’. Algunas no lo están y Mar Coll contribuye con su cine a paliar esta laguna.

Coll no ha escrito una película para mujeres, si bien muchas se pueden ver secretamente reflejadas. Es también una película sobre la mirada de los hombres, sobre la incomunicación en la pareja, sobre la necesidad de verbalizar nuestros miedos. Y a pesar de la oscuridad del tema, de la oscuridad de muchos planos del filme y de la tensión que rezuma el desarrollo de la historia, la directora encuentra un camino de luz al final. No hablamos de happy end, es un final agridulce, real, pero inevitablemente luminoso. Vayan a verla.

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