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Sin duda, uno de los mayores retos a los que se enfrenta toda exposición o instalación de arte contemporáneo que ocupe un lugar de fuerte significación arquitectónica o patrimonial es cómo conjugar los valores, la carga que la arquitectura, la ornamentación o el simbolismo del espacio en cuestión aporta con el lenguaje en el que se sustentan las nuevas corrientes artísticas. En más de una ocasión el reto no se enfrenta, se obvia, esquivando esa dificultad o situando el problema en un segundo plano lo que no siempre se consigue. Paneles que medio ocultan, medio dejan visible dichos componentes arquitectónicos u ornamentales, piezas que se ajustan con dificultad a espacios no concebidos para este fin… y así continente y contenido más que dialogar acaban en tensa conversación.

Por todo ello, lo que primero llama la atención cuando se entra en el espacio de la iglesia de Las Francesas de Valladolid donde el colectivo Néxodos ha instalado su última propuesta –que, paradójica y significativamente, se titula ‘Fuera de lugar’– es la sensación contraria: por una vez el proyecto no solo ha tenido en cuenta el espacio, lo ha tenido en cuenta como una oportunidad. Y sí, esto se proclama en muchas ocasiones en proyectos de este tipo pero en pocas se consigue de verdad. Aquí la iglesia desacralizada de Las Francesas recupera su sentido, se traen al presente algunas de las claves que inspiraban ornamentaciones, lápidas, imágenes de retablo, músicas que acompañaban la liturgia, cortinas que velaban la intimidad de un convento de clausura. La forma en que las piezas no solo respiran sino se acomodan al significado original del espacio creando un verdadero diálogo pasado-presente es uno de los logros más significativos del proyecto y una de las razones por las que merece una detenida visita (o varias).

Los pasos que desde su formación viene dando el colectivo enfatizando el carácter grupal de sus propuestas, cediendo sus artistas en cada proyecto parte de su relato creativo para ponerlo al servicio del conjunto y arrojando luz sobre iniciativas y maneras de hacer que quedan fuera de la corriente principal –a menudo demasiado afectada por la inercia y la pereza de comisarios y medios– le convierten en una de los proyectos que merece la pena apoyar en una Comunidad donde el cuidado del arte contemporáneo se resuelve en fugaces milagros y prolongados olvidos, (véase como ejemplo el destino de las becas a la creación artística de la extinta Fundación Villalar).

Como suele ser propio de Néxodos, a los nombres más o menos fijos en sus proyectos se suman artistas invitados que de una manera u otra tienen relación con la Comunidad. Es el caso en esta ocasión de María José Gómez Redondo a la que hacía tiempo habíamos perdido la pista. Su instalación ocupa el altar mayor de la iglesia. Echábamos de menos las manos de esta artista que adoptó desde sus comienzos la fotografía como lenguaje principal aunque no único. Aquí la palma de su mano nos habla de una centralidad (¿no están en ellas las líneas de la vida y la muerte?) corpórea en la constelación de unas señales que unos niños fueron dejando de su crecimiento en una pared, es decir, señales del progresivo abandono de la marginalidad de la infancia con respecto al mundo de los adultos.

Otro artista que tiene en la fotografía su principal medio de expresión abandona por un momento los objetivos y juega esta vez con la imagen del espectador de otra manera. Es Javier Ayarza, uno de los motores del colectivo. Los espejos que ha instalado cerca del altar mayor rememoran las lápidas que en lugar preeminente tenían derecho a colocar los patronos de las iglesias. En consonancia con el carácter barroco de la ornamentación del templo (su arquitectura es anterior) Ayarza rememora las vanitas para preguntarnos ¿somos o somos la imagen de los que somos? ¿Somos o es apariencia lo que somos? Colateralmente a esta reflexión, el lugar elegido para situar las piezas, bajo la cúpula, provoca un efecto de vértigo en el que mira, que no solo puede preguntarse por su entidad sino también por su lugar en el espacio.

Siguiendo con el simbolismo religioso, una gran lámpara, al modo de las lámparas votivas tensiona tamaño y fragilidad de materiales. Bettina Geisselmann ha fabricado su enorme pieza con flores de papel, parejas de flores, 64 ‘campanas del diablo’, la flor del estramonio, una planta vinculada a la brujería y a las mujeres que la Iglesia condenaba. La mujer, de nuevo, en los márgenes.

En la parte opuesta del altar mayor, dos telas desplegadas en la entrada del coro, firmadas por Javier R. Casado reflexionan, no sin ironía, sobre la juventud y la falta de oportunidades cuando ya la burocracia ha establecido el fin de esa edad en la que eres susceptible de recibir ayudas oficiales. ‘I’m sorry to inform you’, se lee en una de las telas, fórmula administrativa que conlleva una denegación. Y en la otra: ‘You are free now’. Libre ¿para qué? Se pregunta. Para un sobrevivir en los márgenes como esas plantas con las que ha pintado sus telas que remiten también a la paradoja de la supervivencia en la inactividad.

No pisen las lápidas. Los seis rectángulos huecos de ‘Densidad 8.6’, la pieza de Ignacio Gil, remiten también a esas señales en suelo sagrado que hablaban de privilegios también en la muerte. La trama está hueca, vacía, como la España de la que procede el material, la cantera de Espejón en Soria, explotada desde los tiempos de los romanos y ya abandonada, y hace referencia a la despoblación del territorio, una vez que sus recursos naturales han sido explotados. En la zona de la que procede el mármol, 8 habitantes por kilómetro cuadrado es la densidad de población. Líneas limpias frente al exceso del Barroco.

También el sonido tiene lugar en este espacio de la mano de Nacho Román, que ha convertido los campos electromagnéticos presentes en la iglesia en una música audible para nuestros limitados oídos. Desde la periferia audible crea una banda sonora espectacular en la que el silencio también juega su papel. Al fin, estamos en un templo.

Sobre la dicotomía centro-periferia juega la pieza de Beatriz Castela, un hexágono de vidrio proyecta sus sombras en las paredes de la ‘capilla’ desdibujando los límites entre fondo-forma y objeto-sombra.

El territorio casi se puede tocar en las piezas de Salim Malla, artista que armoniza en su trayectoria con fluidez su doble formación humanístico técnica (es doctor en Bellas Artes e ingeniero topógrafo). Su tríptico nos remite a la forma del tiempo que pone anillos en la madera y capas superpuestas en el suelo.

Del carácter mítico, simbólico del cacao en la época precolombina y su resignificación tras la conquista trata la pieza ‘Jícara’ de Tania Blanco. Sorprende en ella la pulcritud y destreza al dibujar con este elemento láminas ‘científicas’ e imágenes con el sello de un pasado mítico.

La nómina de artistas presentes en la exposición la completan los pasos en los cuatro pu ntos cardinales grabados desde el templo por Alejandro Martínez Parra y la experiencia tecnológica de David Herguedas que propone una nueva versión cibernética del concepto de retablo.

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Una conversación creativa. No se me ocurre mejor definición para este libro que la que acuña en el prólogo uno de sus autores, Óscar Esquivias. No es la primera vez que Esquivias y Miguel Navia conversan en un libro. Antes lo habían hecho en ‘Chueca’. En el barrio y en el libro homónimo que también salió de la sensibilidad y el buen gusto de ese reino feliz para el mundo editorial que es Reino de Cordelia. Ahí, en las láminas con las que Miguel Navia dibujaba las calles del barrio madrileño que tan bien conoce, se dieron cuenta de que sus palabras y sus imágenes tenían cosas que decirse. Y así, tras años de paciente espera por parte del editor, Jesús Egido, ‘Alguien se despierta a medianoche’ anda ya por el mundo como los cuentos y los dibujos de sus autores.

Les ha salido esta vez un libro bíblico. Y no solo por las referencias al texto sagrado del cristianismo, sino porque comparte algo de la luminosidad y la oscuridad, de la felicidad y el dolor, de lo sublime y lo terrorífico del libro de referencia. Sí, aquí están los profetas, más bien, sus trasuntos contemporáneos, pisando las calles de Madrid, Burgos o Valladolid. Pero son profetas que no tienen un mensaje claro que anunciar, son seres descarriados, es decir, fuera del carril por el que transita menos perpleja el resto de la humanidad. Hay en ese desamparo de seres que suben desnudos a las azoteas para sentir la lengua de Dios algo que nos concierne.

Vuelan y cantan las páginas de esta pequeña joya muchos pájaros (como en la Biblia, señala Óscar), hay música, derrumbes y una nocturnidad que es puro homenaje al cine negro, a la densa atmósfera de un garito de jazz más allá de la medianoche.

Es fácil advertir al lector que debe quedarse un rato a vivir en cada una de las escenas que Navia nos propone. Es cierto. Cada una de ellas es un relato no una ilustración, nos interpela al tiempo que nos narra una historia. Como digo, es fácil dada la potencia de la imagen, de su línea clara y la multitud de detalles que proponen. Pero esto no debe distraernos de los detalles de la narración. Porque, tras la humildad de los relatos y los microrrelatos del narrador con palabras, hay también muchos hitos, señales, que no deben pasar desapercibidas. Los lectores habituales de la narrativa breve de Óscar Esquivias saben que no da puntada, perdón, palabra, sin hilo, o sin intención. Brilla especialmente en los textos más breves como ese ‘Principios de Teología’ que nos muestra un Dios cansado y un tanto aburrido de su propia obra.

Un libro que se lee como una partitura y que resiste varias visitas. Háganlas.

Pies de foto:

Una lámina de las láminas del libro de Miguel Navia

Un momento de la presentación del libro en Valladolid en la Casa de Zorrilla el pasado 22 de septiembre. El editor deja constancia del momento junto a los autores y el coordinador de actividades de la Casa Zorrilla, Pedro Ojeda.

FICHA DEL LIBRO

‘Alguien se despierta a medianoche’
Óscar Esquivias y Miguel Navia
Ed. Reino de Cordelia
Páginas, 160
Precio, 32,95 €

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Zorita de la Loma. Foto: Manuel Abejón.

¿Libro de viajes? ¿Diario? ¿Conjunto de relatos hiperrealistas? ¿Manual de geografía para no iniciados? Nada de eso estrictamente y algo de todo eso es este libro de difícil encaje en los géneros canónicos. ‘Tierra de Campos infinitamente’ nos propone un viaje mental, emocional, sensorial y a la postre ‘real’ por una tierra que quienes vivimos en, o en sus alrededores, pisamos a menudo sin mirar, tangencialmente, o con una mirada llena de los prejuicios y las etiquetas que rotulan comarcas incluidas en ese cajón de sastre que ahora hemos dado en llamar la España vacía.

Silo y antigua estación del tren en Castromocho. Foto: M. A.

Un territorio que su autor, Jorge Praga, atravesaba de niño en viajes con su padre y más tarde en sus recorridos entre la tierra donde vive, Valladolid, y aquella de la que procede, Asturias, pasando por el León de su infancia y primera juventud. Y un día decidió explorarla, abandonar las carreteras principales y adentrarse en ella con la mirada libre de prejuicios y la compañía cómplice y sensible de la cámara de Manuel Abejón. Juntos han recorrido ‘un mapa que se ha ido dibujando a medida que sus autores se adentraban en el bosque’, por utilizar el acertado símil que Tomás Sánchez Santiago enunció en una reciente presentación del libro editado por Difácil.

De Villarín de Campos a Osorno, de Montealegre de Campos a Arenillas de Valderaduey por citar cuatro puntos imaginariamente cardinales del territorio. Y sin más objetivo que el de la cámara de Manuel. Andar sin un plan, buscando no se sabía qué, pero encontrando. Dejándose llevar por la sorpresa que la casualidad, o el aburrimiento de un paisano con ganas de charla o el rastro encontrado en un documento olvidado iba poniendo a su alcance. “Yo no busco, encuentro”, la frase que se atribuye a Picasso se me venía a la cabeza continuamente durante la lectura. Pues, aun cuando la jornada tuviera un ligero y poco definido primer plan de ataque tras el rastro de una línea de ferrocarril abandonada, de una obra de arte escondida en las siempre cerradas e inaccesibles iglesias, y aunque el fracaso fuera no encontrar las llaves físicas o simbólicas del plan, lo alternativo, lo inesperado daba nuevas alas a la empresa.

Canal de Castilla a su paso por Paredes de Nava. M. A.

Frómista. Foto: M. A.

El libro, como el viaje, no necesita guías. Es más, aunque puede leerse fragmentariamente, aconsejaría leerlo tal y como está planteado, para tener una experiencia similar a la de sus autores: ese no saber qué viene después. Leer sin metas, dejándose llevar. Pero sí se puede hacer una división de partes. Una de ellas lleva el rótulo ‘días’, fechas concretas que puntean el viaje y lo que en ellas sucedió. Luego están las ‘voces’, el monólogo apenas interrumpido de quienes vivieron o resisten en esa tierra, que desgranan recuerdos de una vida irrecuperable, de cuando el censo de estos pueblos arrojaba unas cifras ahora impensables, o de quienes han optado por resistir en ellos renovando el sentido de unos oficios tradicionales marcados por una tierra difícil. Voces protegidas por el anonimato seguramente pactado, aunque su rastro pueda entreverse en los agradecimientos finales del libro. El resto de los capítulos o tiene nombre propio o se refiere a algún aspecto sustancial ya pasado o presente de esta tierra.  Entre los primeros, por poner dos ejemplos en las antípodas, Belarmino Tomás (el líder sindical asturiano protagonista principal de la revuelta minera de 1934, líder político exiliado durante la guerra civil y cuyo incierto origen algunas fuentes sitúan en Aguilar de Campos para conmoción de este asturiano ya casi terracampino que es el autor del libro) y Alejo de Vahía: el escultor de la sonrisa beatífica, de la amable espiritualidad de unos rostros ajenos a las acostumbradas convulsiones barrocas y que tantas muestras de su arte dejó en estos parajes. También encontramos, o encontraron, pues insisto el libro no tenía un plan, estaciones ineludibles para Baltasar Lobo, Caneja o en su extremo para las ‘hazañas’ de Erik el Belga, tristemente célebre en el pasado siglo por su cadena de robos en iglesias y conventos. En el lado de los nombres comunes, está el desaparecido ‘tren burra’, el tren de vía estrecha que en su día revolucionó las comunicaciones reservadas a carros o los burros a los que se refiere su apodo. O la carpintería de lo blanco, asunto artesano artístico que tiene insospechadamente hasta un centro de interpretación y que los autores rastrean por Castroverde de Campos, Vidayanes, Villamayor de Campos o Revellinos.

Cementerio en Pozo de Urama. F: M.A.

Una mirada empática pero no edulcorada recorre el texto. Aquí no hay postales turísticas (ni siquiera en las fotografías a las que luego me referiré). Esa empatía que el autor no encuentra en un libro que sin embargo le sirve a veces de guía, ‘Tierra mal bautizada’ de Jesús Torbado, al que Praga reprocha en varias ocasiones la que considera una mirada negativa en exceso, casi rencorosa, hacia el territorio con el que el periodista y escritor leonés tenía lazos personales. Si la belleza asalta a cada paso: “las vistas sin confines siempre son el premio seguro”, dice Praga en uno de tantos momentos arrebatadores, también en ocasiones la mezquindad de quien nada tiene, o la desconfianza frente al forastero. La amabilidad de quien abre sus puertas sin pedirlo y las dificultades para entrar en los rincones de un patrimonio común. La juventud de algunos proyectos emprendedores que son savia nueva para el territorio frente al pasado más olvidable que pervive en los letreros franquistas de muchas calles. Pero siempre lo exótico. La extrañeza de lo que está a la vez tan lejos y tan cerca.

Villafrades. Foto: M. A.

Y las imágenes. Jorge Praga y Manuel Abejón son amigos desde la juventud. Pero ni siquiera esa amistad garantizaría la conexión entre lo que se cuenta y lo que se ve en las fotografías que acompañan el texto. El fotógrafo se refería recientemente a la dificultad de fotografiar lo tantas veces fotografiado, la necesidad de no caer en el tópico y la de eludir la tentación de imitar a quien lo ha reflejado con acierto (mencionó expresamente a Miguel Martín) La suya es una vía personal llena de hallazgos. Frente a las líneas elegantes o rotundas de tantas iglesias o palacetes, iconos terracampinos de un pasado con más gloria, nos presenta otros iconos (ya casi también pasado) en forma de silos descomunales o de naves agrícolas o industriales sin más objetivo que la inmediata utilidad a costa de la estética. El arco mudéjar y la puerta metálica. El palomar deshaciéndose y el soportal que pervive. Un Santo Entierro de Alejo de Vahía o la puerta pintada por un admirador de Mondrian. Pero el qué no es lo principal en estas fotografías. “Este pueblo está lleno de ecos –dice una voz en ‘Pedro Páramo’, la inmortal obra de Rulfo— Tal parece que estuvieran encerrados en el hueco de las paredes o debajo de las piedras”. El silencio que fotografía Manuel Abejón está lleno de ecos, de pisadas. De rumores de viajeros en las estaciones ya olvidadas. De niños que ya no juegan en las calles desiertas. Del agua en las esclusas del Canal. Y eso obliga a detenerse. Hay que mirarlas despacio para escuchar ese silencio tan difícil de reflejar en una imagen.

No hay que ser de Tierra de Campos ni estar interesado por este minúsculo punto en el mapa global (por cierto, qué agradecido el mapa de Javier Casares que inaugura las páginas) para acercarse al libro. Un libro muy personal (que nadie busque catálogos de esto o lo otro) que, entre muchas cosas, es también un motivo para la reflexión. Sobre nuestro presente y nuestro futuro, sobre el tratamiento de la tierra, el equilibrio entre la técnica y la protección del medio ambiente, entre las campañas vacías que dicen estar trabajando contra la despoblación y la cruda realidad. Praga nos ofrece a menudo la suya: pensamientos salpicados en sus páginas, las conexiones que establece entre lo que ve y su propio bagaje cultural, los recuerdos y referencias al cine, a la literatura o a la ciencia que lo asaltan y que amenizan el recorrido.

La experiencia humana es infinita como el verso que el autor toma prestado de su tocayo Jorge Guillén para el título, pero también ofrece múltiples ocasiones para el reflejo. La imagen que nos devuelve el espejo absolutamente personal del autor nos encuentra, aunque aparentemente nada tengamos que ver con ella.

FICHA TÉCNICA

‘Tierra de Campos infinitamente’
Autor: Jorge Praga.
Fotografías: Manuel Abejón.
Editorial: Difácil.
Páginas: 362.
Precio: 22 euros.

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La memoria. De una manera no tanto casual como inconsciente los nueve proyectos que obtuvieron las becas de creación artística en la última convocatoria de la Fundación Villalar (ahora Fundación Castilla y León) tienen ese denominador común. Quizá sea inevitable. Quizá todo acto de creación es un acto de memoria. El resultado de las propuestas que obtuvieron el respaldo de la institución convocante se exponen en el vestíbulo de las Cortes regionales en Valladolid, exposición que aún se puede visitar hasta el 15 de noviembre. Merece la pena cruzar el río (barrera mental más que física) y dejarse llevar en un recorrido lleno de huellas. Poner los pies en las que nos proponen nueve artistas, uno por provincia de la Comunidad. Y sentirnos concernidos por sus propios recuerdos y encontrar en ellos lo que nos une. Y si fuera verdad (a veces lo es, pero no siempre) que una imagen vale más que mil palabras, se podría decir que una exposición como ésta hace más comunidad que mil discursos voluntaristas sin resultado práctico (ni plástico). De manera que hay que felicitarse por el hecho de que las becas vayan a tener continuidad una vez la Fundación ha realizado su propia transición.

El arte como palimpsesto. No tanto para borrar lo que el pasado escribió sino para entrever en los renglones nublados lo que nos dejó para continuar la historia.

Ángela Segovia, que a pesar del apellido es abulense, continúa en ‘Apariciones de una cabaña en el bosque’ su particular camino de investigación en torno al lenguaje poético y su relación con otras formas de expresión artística. En este caso, la imagen atravesada por el azar, la memoria de su infancia y la relación con un lugar de la naturaleza prendido a ella.  “Yo quería ir muy de seguido al bosque, a un lugar del bosque, para comprobar si eso le hacía algo a las palabras. De cierto me hizo algo en el corazón”, leemos al inicio del ‘Cuaderno de las jaras (muertas)’, el diario que es una parte del proyecto y que se publicará por separado del libro que será su núcleo central. Palabras que funcionan como señales de su trabajo. Segovia que, entre otros galardones, tiene el Nacional de Poesía Joven Miguel Hernández 2017, dejó una serie de poemas escritos para el visitante de la exposición en el reverso de sus imágenes truncadas e igualmente poéticas.

David Palacín, fotógrafo afincado en Burgos, ha puesto la cámara delante de rostros potentes tanto del mundo del flamenco, en el que se inició de adolescente y luego continuó durante su residencia en Sevilla, como de la inmigración o de los descendientes de esclavos de aldeas africanas que fueron vendidos entre 1536 y 1807 en la isla de Gorée, a donde viajó para retratar a sus habitantes. Su trabajo tiene continuidad en el medio audiovisual, el elegido para el proyecto de ‘Miradas’. En ‘Retrato del viaje que no te conté’ relata en clave autobiográfica un momento de su infancia, entre la vida y la muerte, cuando se cayó de una barca que había comprado su padre. Su hipocondría, el miedo al final, el ahogamiento… su voz en off desgrana la teoría de la resurrección: vivimos pero no dejamos de morir. En blanco y negro con la fusión de imágenes estáticas y en movimiento, compone el relato de las vidas superpuestas.

ARQUITECTURA INDUSTRIAL

León, 1992. En la ciudad se dejarán de oír las sirenas que llaman al trabajo en la azucarera de Santa Elvira, un ejemplo del desarrollo industrial del siglo pasado –la fábrica se instaló en la ciudad en 1935 por iniciativa dela Sociedad Industrial Castellana S.A.— El cierre es inevitable y con él no solo se pierde una actividad industrial en la ciudad sino todo un barrio, ya que como en otros sectores industriales de la época, Santa Elvira era un complejo que además de las instalaciones fabriles incluía cuarenta viviendas para otras tantas familias de los trabajadores, así como cuatro chalets “para los contramaestres” y un parque infantil. “Desapareció todo el barrio de La Vega” afirma uno de los ‘azucareros’ que relatan esta historia en el documental. El prólogo lo pone Antonio Gamoneda leyendo un breve pasaje de sus memorias en los que rememora el paso de los camiones cargados de remolacha por el barrio leonés del Crucero, donde vivía. El artista leonés Jonathan Notario realiza el documental en clave testimonial pero también poética. Ayuda el blanco y negro, el fondo e los nocturnos de Chopin y la realización de maquetas a las que pone vida de forma artesanal. Cuatro ex trabajadores hilan sus recuerdos infantiles con los esfuerzos para que no se cerrara la fábrica o para que se salvaran las viviendas. Ninguno de los cuales dio frutos. A pesar del valor como arquitectura industrial de la época la fábrica nunca fue declarada BIC (Bien de Interés Cultural) y sus restos “parecen colgar del cielo”.

La palentina Ana Marcos continúa en su proyecto ‘Paisajes observables’ su línea de investigación en torno al arte electrónico y digital. Sus imágenes proyectadas en gran formato en la sala componen “un relato de lugares que no existen y personas que no habitan esos lugares”, según las palabras de la propia artista, para quien la imagen documental es el lienzo sobre el que imprimir nuevas experiencias visuales y colectivas. Sobre la base de paisajes reales de la provincia de Palencia y de sus habitantes (así como de los visitantes de la exposición) compone una nueva experiencia de instalación artística. Marcos ha desarrollado otros trabajos en la misma línea utilizando los bigdata que genera un espectador que acude a sus exposiciones. Su formación en ingeniería de telecomunicaciones y su formación artística van de la mano en toda su trayectoria profesional.

LITERATURA SEMINAL

De la tecnología más avanzada a la más tradicional manera de comunicar la poesía. La galardonada poeta salmantina Amalia Iglesias ha dibujado en ‘Leer da tiempo’ el mapa interior de su ser como poeta. Están aquí por tanto la memoria de sus lecturas, las referencias a libros y autores que fueron sustancia en su manera de acercarse a su propia poesía. Lejos de una intención de homenaje o resumen, los ecos de las palabras fundacionales funcionan como raíces, semillas o esquejes con los que componer una nueva partitura. Así resuenan en nuestros oídos, y se citan de forma expresa en los títulos, libros de Vicente Huidobro, César Vallejo, María Zambrano o Lorca. A través de esas referencias más o menos próximas temporalmente a la escritora el libro avanza en su poética personal marcada tanto por la relación con la naturaleza como por la búsqueda de nuevas formas de expresión. ‘Leer da tiempo’ es un título polisémico que expresa para la autora un convencimiento y un deseo: el deseo de tener tiempo para leer no cualquier libro sino aquellos que realmente funcionan como semillas de vida y escritura y el convencimiento de que leer amplifica el tiempo de nuestra propia vida, no solo porque “mantiene en forma los músculos del alma” sino porque nos permite calzarnos” otras huellas para recorrer caminos en los que nunca hemos estado” y, al mismo tiempo, “reconocernos en lo que somos”.

La memoria esta vez no lectora sino vivencial está también y de forma explícita en el título del proyecto ganador por la provincia de Segovia: ‘(Doce) actos de memoria’, del que son autores Nieves Correa y Abel Loureda. Volvemos al campo de las Artes Visuales y la performance en el que trabajan ambos artistas para traer al presente lugares perdidos en el tiempo insertando presencias actuales mediante actos performativos: Volver a habitar esos espacios aunque sea de forma fugaz para recuperarlos en el tiempo y proyectarlos hacia el futuro. Su reflexión en torno a la despoblación y el abandono tiene como origen el concepto ‘lugar de memoria’ acuñado por el historiador Pierre Nora como “cualquier entidad significativa, de naturaleza material o no material, que por la voluntad humana o por la obra del tiempo se haya convertido en un elemento simbólico del patrimonio memoria de cualquier comunidad”. Doce vídeos y una selección de imágenes fijas que componen un retablo contemporáneo de vivencias en las ruinas de una iglesia, en un molino abandonado o en el lugar en el que una taberna o mesón convocaba el encuentro y la charla.

‘Trazados invisibles’ del soriano Alberto Crespo es, como otros trabajos seleccionados, un proyecto en evolución que, por su propia naturaleza, tendrá continuidad en el futuro. Se trata de un proceso participativo en el que una vez más se unen las nuevas tecnologías con las huellas de la tradición en el mundo rural, ya sea las de labores del campo o la ganadería, como también la de los refranes a ellas asociadas. El movimiento de un rebaño a vista de dron, el trazado geométrico de un tractor, el dibujo que realiza sobre la tierra una cosechadora se transforman mediante procesos de digitalización en cartografías y huellas de actividades que de otra manera pasarían desapercibidas en nuestra forma de vida actual. La tecnología sirve aquí para dar una traslación plástica a actividades de las que la vida urbana nos ha desconectado. Como esa nube en transformación, esa constelación cósmica realizada a través del movimiento de las ovejas en el campo.

El trabajo fotográfico de la vallisoletana Cristina R. Vecino juega a menudo con la imagen encontrada. Imágenes antiguas que le sirven para extender su propia idea de la fotografía y sobre las que a menudo compone un discurso que de nuevo une memoria y presente. En este caso, no fueron imágenes sino palabras las que encontró en una agenda anotada durante 1999 por Sergio Rodríguez. De esas palabras parte ‘Nada, nadie, nunca’ en el que la artista crea una identidad ficticia en redes sociales, @S. Zvekic, mediante la que explora la idea de identidad y representación en los nuevos espacios de comunicación en red. Y lo hace asociando las palabras de la agenda con las imágenes que le sugieren que, a su vez, funcionan en ocasiones como palimpsestos donde se funden huellas e impresiones actuales. El resultado final es un libro en el que algunas de las frases de la agenda, que no fueron escritas con este fin (la fotógrafa no conoció a su autor hasta el final del proceso) con su propia inspiración. Un paso más en el trabajo lleno de sugerencia poéticas de esta artista.

La colección arqueológica del Museo de Zamora es parte fundamental en el trabajo de Raúl Lorenzo, quien, durante el tiempo de duración de la beca, desarrolló su proyecto ‘Tiempo mítico’. El resultado es la instalación ‘Sin vuestro hierro caería la noche’ que cierra la exposición en el vestíbulo de las Cortes regionales. El título, sacado de un poema de Claudio Rodríguez (‘A las estrellas’) profundiza en la relación entre las huellas de una cultura arcaica y el efecto que una mirada actual y descontextualizada tendría sobre su imagen. De esta forma piezas reelaboradas y situadas fuera del relato museográfico que las interpreta interpelan al espectador desde un pasado remoto e invitan a mirarlas desde el bagaje de una formación plástica contemporánea.

Nueve miradas, nueve proyectos artísticos, una breve pero significativa muestra de los caminos del arte actual en la Comunidad.

(Fotos cortesía de la Fundación Castilla y León)G

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Sorprende (aunque este sea un país de memoria floja, rápido olvido y nulo repaso a las hemerotecas) que el alcalde socialista, Oscar Puente, y su equipo se hayan metido en este jardín en el que llueve sobre mojado. Está aún reciente en la tambaleante marcha de este centro expositivo la dimisión de la que fuera su directora entre 2004 y 2006, Teresa Velázquez, por un motivo similar. El empeño del entonces alcalde León de la Riva, del PP, (como se ve, en esto de meter baza en la gestión profesional de la cultura por parte del poder no hay color político) de programar con calzador la exposición ‘La materia de los sueños’, conmemorativa del V Centenario de la muerte de Cristóbal Colón, cuyo contenido nada tenía que ver con el proyecto museístico del Patio, llevó a la dimisión de la directora, que consideró que esta imposición atentaba gravemente contra la autonomía de su gestión. Pero el asunto provocó más deserciones. Meses antes habían dimitido por la misma razón los miembros del comité asesor del Museo, formado en aquel momento por Antonio Bonet Correa, Simón Marchán Fiz y Eugenio Carmona, para los no iniciados, tres personas con un merecido prestigio en el mundo del arte. También entonces muchos artistas, críticos, comisarios y expertos se pusieron del lado de Velázquez. También entonces el asunto se aireó ampliamente en los medios (como es lógico, por otra parte, tratándose de un museo que alberga, y esto no debe perderse nunca de vista, una importante colección). Vista desde la distancia, no creo que la citada exposición, por más que pudiera tener su interés que yo aquí no niego, figure sin embargo en los anales de la historia reciente de la cultura vallisoletana, pero lo que es seguro es que el hecho fue una piedra más en el tortuoso camino de este museo.

La torpeza política en este caso es aún mayor si se tiene en cuenta que el propio Javier Hontoria se ofreció desde el primer momento a colaborar en el proyecto si este se desarrollaba en cualquier otro espacio de la ciudad. Los hay y tan dignos como el Museo. Es decir, el diálogo frente a la imposición hubiera resuelto el problema. Al parecer la exposición tiene que ser sí o sí en el Patio Herreriano (¿objetivo irrenunciable del artista que se ha postulado para el evento?), aunque para ello haya que levantar antes de tiempo la que en estos momentos ocupa entre otros espacios la Capilla de los Condestables: una instalación creada expresamente para este espacio por uno de los nombres indiscutibles del arte contemporáneo en España, Eva Lootz. Es decir, que, a la falta de respeto que supone interferir en la gestión del director, se sumaría la falta de respeto por la obra de esta destacada artista. Por no añadir que se barajaba como posible fecha de la celebración el 24 de octubre el mismo día en que se inaugura la Seminci, único acontecimiento cultural que por el momento tiene asegurado un lugar en los telediarios del día. ¿Qué necesidad de solaparlos?

A VUELTAS CON LA ONU

No voy a cuestionar la legitimidad de la exposición conmemorativa de una institución tan relevante a nivel internacional como la ONU, ni siquiera pongo en duda el interés que tendría para la promoción de la ciudad si tuviera el diseño y la idoneidad precisas. Pero el apellido ‘ONU’ no debe nublarnos la vista. Diría más, no debemos tomar su nombre en vano, pues al prestigio de la institución tampoco le vienen bien la repercusión de estas cuestiones internas.

NI siquiera voy a juzgar la relevancia o no del artista que se ha propuesto para la celebración. No porque no se pueda ni se deba hacerlo: es más, es el trabajo que hacemos o debemos hacer críticos, expertos, periodistas especializados y mediadores culturales y con un principal destinatario: el público, cuestión ésta última que se olvida con demasiada frecuencia. Pero no es el asunto de este artículo. Por no decir que en estos momentos me siento incapaz de añadir algo a las presuntas declaraciones de la concejala de Cultura, Ana Redondo, (en estos casos conviene aplicar la presunción de inocencia) que al ser preguntada por el rechazo que el nombre de Gabarrón suscita en algunos sectores contestó que muchos artistas sufren rechazo como le pasó a Van Gogh. Nada menos. Pero sí diré que el currículum internacional de un artista no tiene tanto peso en su valoración como el lugar donde tienen lugar esas exposiciones (galerías de prestigio, museos de relevancia…) por muy al otro lado del globo que tengan lugar.

El asunto de este artículo es una vez más, y ya es cansado acudir a semejantes pedagogías a estas alturas del curso, las difíciles relaciones entre la cultura y el poder. Casi cincuenta años de democracia no han servido para avanzar mucho en esta cuestión.

La Cultura es siempre la Cenicienta en todo programa electoral. Virus más resistente que el Covid 21. Los ministros, concejales, consejeros y demás titulares del ramo a menudo son ajenos a cualquier ámbito de la creación o de la gestión cultural. Se trata siempre de una cartera que tiene que compartir espacio con deportes, turismo y otras presuntas ‘marías’ del currículum, aunque luego sus acompañantes reciban el respeto debido, a veces incluso el no debido. Recordemos que muchas veces la Cultura ha desaparecido del consejo de ministros. A nuestros gobernantes les cuesta reconocer que el patrimonio cultural (y ahora no hablo solo de monumentos, claro está) es mucho más que un reclamo turístico que ponga algo de glamour al pincho y la tapa, o la ocasión de hacerse una foto con un artista ‘famoso’, aunque las razones de su fama sean más que cuestionables. En esto, además los medios de comunicación somos de un seguidismo como para hacérnoslo mirar. Que  la cultura es algo que requiere de luces largas y no de rendimientos a corto plazo, que la inversión del dinero público en fomentar la creación de nivel, la que nos ayuda a comprender e iluminar el mundo en el que vivimos no tiene a menudo que ver con masificación de aforos, estadísticas de visitantes o plazas repletas de público en fiestas (cuando eso era posible) es una verdad que aún no ha calado en nuestros gobernantes, a pesar de pertenecer al país donde tuvieron lugar las Misiones Pedagógicas o la Institución Libre de Enseñanza por poner dos ejemplos muy distintos pero igualmente potentes. La rentabilidad del dinero público en la cultura es algo mucho más serio y de más calado, que se fragua con el tiempo con la educación y el criterio y sus resultados se empiezan a ver más allá de la siguiente convocatoria electoral. Pero con un panorama así, con las humanidades siempre en la cuerda floja de los currículos educativos, desde la Escuela al Bachiller, cómo nos puede extrañar el escaso respeto que nuestros gobernantes pueden tener no ya con los creadores sino con los gestores de las instituciones que los albergan, aunque para serlo hayan superado un concurso de las tan cacareadas como necesarias y de sentido común (que no siempre lo tienen) buenas prácticas.

LA MALDICIÓN DEL PATIO

La llegada de Javier Hontoria al Patio Herreriano abría una nueva etapa que en los reducidos círculos del arte contemporáneo (no nos engañemos y a aumentar la amplitud de esos círculos deberían ir enfocados los esfuerzos programadores y no a los fastos y los fuegos artificiales) se esperaba con expectación tras un periodo de ausencia de proyectos propios, por la que el museo había dejado de contar fuera de las fronteras provinciales, y después del apresurado e inapropiado cese de su anterior directora, Cristina Fontaneda. Hontoria superó el concurso, su proyecto fue aprobado y sus primeros pasos levantaban esperanzas de que el Museo levantara a su vez cabeza. Pero apenas año y medio después de su nombramiento se encuentra con el primer torpedo y como suele ocurrir viene de fuego ‘amigo’.

La llegada a Valladolid de la Colección Arte Contemporáneo fue una buena noticia, aunque también fuera fruto de esa megalomanía que les entró en época de bonanza económica a los responsables de ayuntamientos y autonomías por contar con un museo a mayor gloria de su hoja de servicios, aunque luego estos no tuvieran a menudo presupuesto ni para encender la calefacción. Pero una vez aquí lo inteligente, lo necesario y lo políticamente responsable no puede ser sino potenciar ese importante germen de cultura que sin duda estaría llamado a ser. No hay que perder de vista que el Patio Herreriano cuenta con un activo que falta en otras iniciativas de este tipo. Me refiero a la colección, una colección ya bendecida por el tiempo necesario para valorar las obras con perspectiva, mientras que otros museos tienen que arriesgar en adquisiciones cuya relevancia en el futuro está por ver. Los nombres y las obras que la integran son en un porcentaje elevadísimo indiscutibles y este potencial es el que debe dirigir las acciones del Museo, tanto en el programa expositivo como en el educativo y en el de nuevas adquisiciones, cuando pueda haberlas. Lo que no sea esto, vincular el conocimiento de nuestras vanguardias históricas con lo mejor de lo que esté ocurriendo en este momento en la creación contemporánea, será errar el tiro. Pero al Patio le han salido granos desde el primer día, como la colocación de las estatuas de Sus Majestades en el patio que le da nombre, obra que no iba a ser destinada a este espacio y que fue también encajada en él con fórceps rompiendo su armonía y eliminando la posibilidad de utilizarlo para acciones sí encuadradas en su razón de ser. Una alcaldada en la línea de salida.

Si esto se hiciera bien, el reclamo turístico que tanto importa a nuestras autoridades lo tendría asegurado, aunque para ello hubiera que esforzarse más y confiar en los profesionales. Miren a una ciudad como Málaga, de la que copiamos la Feria de Día y su festival de fritanga y jolgorio callejero, pero de la que no hemos copiado la inteligencia para sumar museos de renombre.

SECTARISMO

Por último, una pequeña puntualización. Oigo y leo mucho estos días a propósito de este asunto la palabra sectarismo. Protestar por una injerencia en la programación de un centro cultural no es sectarismo. Que un artista no encaje en la programación de un Museo a juicio de su responsable primero no es sectarismo, ni siquiera tiene por qué ir en detrimento de su consideración artística. Que un crítico haga una valoración basada en el conocimiento y el criterio de un artista no es sectarismo. Utilicemos los términos con propiedad.

Todo esto pasará, como pasó la exposición de Cristóbal Colón. Lo que no debería pasar es la oportunidad de reconducir la cuestión hacia un lugar en el que la mayoría pueda sentirse a gusto, sin menoscabo de ninguna institución ni profesional responsable, aunque leyendo las últimas declaraciones de la concejala no parece qie vaya a ser posible.

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Lo mejor para acercarse a ellas, si se puede, es elegir un día de labor. Y aún mejor si elegimos alguna situada en un pequeño pueblo, o en algún lugar apartado, porque entonces, muy probablemente, además de su plástica belleza nos regalará el silencio de sus piedras centenarias. Decía Rulfo en ese libro al que siempre merece la pena volver, ‘Pedro Páramo’, que si solo se escucha el silencio es que aún no se está acostumbrado al silencio. Pero vivimos en una sociedad que odia el silencio, que nos desacostumbra a escucharlo, porque adora y fomenta el ruido. Por eso sosiega tanto saber que aún hay rincones en los que reina ese silencio que nos permite escucharnos en paz.

Puede que nuestro viaje a ese lugar que –incluso aunque no se sepa por qué– intuimos que nos relaciona con algo profundamente nuestro lo hayamos hecho en un coche inteligente, al que solo le falte conducirnos él solo sin necesidad de nuestro concurso; puede que en el bolsillo tengamos la última generación de móvil que nos conecte con el lugar más apartado de la tierra en cuestión de segundos; puede que alguna campaña bien dirigida nos haya inoculado ya la necesidad de comprar, en cuanto el precio lo permita, alguno de esos robots con los que más pronto que tarde parece que acabaremos conviviendo. Pero, si hay suerte, ellas permanecerán ahí, silenciosas, a menudo cerradas, conteniendo el eco de sus secretos milenarios, aguardando una mano sensible que quiere apoyarse en sus quicios, o el oído que sea capaz de soportar su silencio.

Entonces sabremos, sin necesidad de un centro de interpretación cercano ni de visita guiada, que una parte importante de nosotros mismos permanece a salvo, en la laboriosidad de sus maestros de obra, en el fino instinto de sus artesanos, en la espiritualidad de quienes las levantaron con el impulso de su fe o la de sus antepasados, a veces sobre las ruinas de otros templos, levantados a impulsos de otra fe igualmente redentora.

No importa que no la compartamos. Porque ellas también son depositarias de nuestra memoria. Y nuestra memoria es nuestro ADN.

He tenido la ocasión de visitar algunas de esas pequeñas iglesias a las que hacía tiempo no me acercaba. Un pequeño sol aliviaba el escalofrío de una tarde invernal. Las cigüeñas yendo y viniendo a sus nidos aportaban movimiento a la quietud circundante. Y he sentido el mismo estremecimiento de otras veces. Puedo apreciar la grandiosidad del gótico, intentar comprender la lección del barroco, admirar el equilibrio neoclásico, pero nada como esa voz que me habla desde un pasado remoto cuando me acerco a estas pequeñas y hermosas puertas del misterio.

(Publicada en la edición impresa de El Norte, el jueves 4 de febrero de 2016)

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