Turbia. Así es, ‘Armand’, la opera prima de Halfdan Ullmann Tondel que viene a Seminci con la Cámara de Oro conseguida en Cannes a la mejor primera película. Halfdan Ullmann maneja acertadamente la cámara para crear un ambiente asfixiante que crece a medida que avanza el film. Aquí la oscuridad dentro y fuera de los personajes. Los padres de Jon y la madre de Armand dos compañeros de colegio de seis años son convocados por la dirección del centro ante la posibilidad de que este último haya abusado de su compañero. El asunto es grave y ha de ser tratado con cautela por la dificultad de llegar a la verdad y la edad de los implicados. Pero según se desarrolla la trama en la turbiedad del colegio vacío, en la ira mal reprimida de los padres afectados, en la ambigüedad del director del centro, en la imagen de  la enfermera a la que sin saber por qué le sangra la nariz, en la suspicacia que despierta la madre de Armand y su comportamiento extravagante, se comprueba que los niños (siempre ausentes como otro de los personajes implicados) son solo una excusa para dirimir odios de adultos, heridas mal cerradas, venganzas sin cumplir.

No hay duda de que al director el talento le viene de familia (es nieto de Ingmar Bergman y Liv Ullmann) y no parece aventurado esperar buenas noticias futuras en torno a su carrera. En esta primera película ya demuestra sus dotes: la historia avanza en turbiedad y tensión con la cámara muy cerca de los rostros de sus actores (muy buenos intérpretes todos ellos, en particular Renate Reinsve a quien ya vimos triunfar en ediciones pasadas con ‘La peor persona del mundo’) hasta ese aguacero final que parece lavar la turbiedad previa, aunque la frase final sobre la distancia a la que hay que mirar al prójimo no sea precisamente luminosa. Lo malo del filme, y ya lo hemos visto en más de una ocasión en esta Seminci, es la medida: subrayar en demasía, exagerar el tono nunca es conveniente.

CRUDA CONTENCIÓN

Mucho más contenida es ‘Vermiglio’ el filme de Maura Delpero que obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia. Contenida que no complaciente en su mirada al transcurrir de doce meses en la vida de una familia afincada en una aldea perdida en los Alpes italianos durante el último año de la II Guerra Mundial. La llegada de un desertor de la guerra alterará la cotidianidad de la familia numerosa del maestro. Este es un hombre aparentemente cabal, culto, humanista pero, al fin, un hombre de su tiempo: en su relación con su esposa, constantemente embarazada, y sus hijos. Delpero cuenta esa vida perfectamente trasladable a otros mundos campesinos y a otras guerras cercanas a nuestra geografía y nuestro tiempo de un modo sutil, con la quietud de la cámara y la belleza del paisaje. Con templanza. Lo que no impide trasladar la dureza de las condiciones de vida de los habitantes de la aldea, incluso de aquellos más favorecidos por vivir en una casa donde libros y hasta un gramófono donde suena música clásica aportan algo de calidez.

SEÑALES MÁGICAS

De un modo también sutil, sin excesivos subrayados y con inteligencia cuenta Marta Nieto en su primera película como directora la historia de Son y su madre. ‘La mitad de Ana’ podría ser una película más sobre una niña que no está a gusto en su cuerpo y quiere que le traten como a un niño, pero amplia el foco y se convierte pronto en la historia de una madre en crisis que ha de enfrentarse a este momento también crítico en la vida de su retoño desde una situación de precariedad: madre separada con un empleo inestable que le aparta de su verdadera vocación que es la pintura y una relación tensa con el padre que no ayuda precisamente. Nieto cuenta esta historia que afecta a tantas mujeres que se ven amenazadas con perder la custodia de sus hijos sin aspavientos. Ana es  vigilante en la Museo Reina Sofía y contempla cada día ‘Un mundo’ el cuadro que Ángeles Santos pintó en Valladolid con apenas 17 años y le valió (tras años de olvido e incomprensión) un puesto destacado en la historia reciente del arte español. El surrealismo de la pintura (el realismo mágico, como se insiste en la película) le sirve a la directora para introducir también un elemento mágico en el filme anclado en el cuadro. Las señales que emergen del mundo que ideó la artista iluminarán su situación, le ayudarán a comprender que olvidarse de sí por la obsesión de ser una buena madre no es el camino, a empezar a recuperarse y con ello recuperar el sitio en la vida de su hijo. La película aporta esa mirada detenida, sugerente, sutil que vemos en la manera de contar las historias de las nuevas realizadoras y, sin ser redonda, supone un trabajo delante y detrás de la cámara (ella es también la protagonista de ‘La mitad de Ana’) o de pie en un escenario. Habrá que estar atentos a sus próximos proyectos.

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Un momento del espectáculo. Foto: Ángela Bonadíes

Uno de los elementos de la ecuación que mide la densidad de toda empresa creativa es el riesgo. Ese abandono o siquiera alejamiento del camino conocido, aunque sea un camino bien pisado que conduzca a metas donde el clima artístico esté asegurado. Hay creadores que siempre buscan. Nao d’amores lo ha vuelto a hacer. O habría que precisar: Ana Zamora lo ha vuelto a hacer.  Criada en una ciudad que vivió durante su infancia un tiempo oscuro en el que no había cines ni teatros, sentía que tenía una deuda con uno de esos creadores incansables: Julio Michel, fundador y director hasta su muerte de uno los festivales de títeres más reconocidos dentro y fuera de nuestras fronteras. Titirimundi no solo devolvió la dignidad (nunca perdida salvo en la pereza del espectador) al teatro de títeres y marionetas, educó la mirada de un público que descubrió un nuevo lenguaje artístico, una faceta de las artes escénicas compleja y llena de matices que desbordaba el tópico del teatro para niños. Y se hizo experto: aquí no se puede dar gato por marioneta. Y en ese aprendizaje muchos jóvenes descubrieron su vocación y ahora nutren compañías de teatro en todas sus variedades y oficios y en todas partes del mundo. (¿No es eso lo que debe aspirar una actividad artística de este calado? ¿No es un lujo tenerlo en nuestra Comunidad?)  Segovia es durante la celebración del Festival la capital internacional de los títeres. La nave tenía que recalar en este puerto.

La fundadora de Nao’d’amores pensó que no había mejor manera de celebrar los 20 años de la compañía que volver de alguna manera a ese lugar en el que comenzó a amar el teatro. Su ciudad, su festival. Homenajear el amigo y maestro que fue Julio Michel y hacerlo con el personaje de Don Cristóbal y, como él hizo, recrear el ‘Retablillo’ de Lorca, su origen. Aunque para ello tuviera que abandonar por un momento el teatro prebarroco con el que ha conseguido éxitos y reconocimiento. Y, dicho sea de paso, cuatro nominaciones a los Max, con el último de sus montajes, ‘Nise, la tragedia de Inés de Castro’.

Atrapar a Lorca a la manera de Zamora es bucear en documentación, investigar, conjugar tradición y modernidad, dibujar un puzzle complejo en el que vayan casando elementos de distintas tradiciones, la Comedia del Arte, la chispa del teatro popular, la genialidad del autor del ‘Romancero gitano’ para ¿rescatar la memoria moribunda de los títeres de cachiporra o acabar matando el componente popular “poetizando al más ácrata de nuestros grandes personajes teatrales”?… Pregunta que como ella misma escribe estuvo en el origen del planteamiento de su versión.

Con la dificultad añadida de que el resultado de toda esta operación ha de ser un espectáculo fresco, dinámico, aparentemente sencillo donde lo ‘popular’, sus guiños, bromas, picardías y sobreentendidos no pierdan sentido. Y Nao d’amores lo consigue. Una vez más. Su Retablillo tiene los pies en esa tradición, pero vuela también por la imaginación de su directora. Quien haya visto los espectáculos anteriores de la compañía lo reconocerá: en la forma de engarzar la música en directo en el eje vertebral de la representación (música que combina una seguidilla del XVIII con momentos de Erik Satie o Scott Joplin), en la intención de cada detalle ya sea una tela polivalente, un guiño del vestuario o el más pequeño elemento escénico… Este Retablillo compone momentos estéticos inolvidables y mágicos. Lo sostienen en escena Isabel Zamora, Irene Serrano y Eduardo Mayo y, además de los habituales de la compañía en sus distintas especialidades, merece mención aparte el papel de David Faraco tanto en los títeres como en el espacio escénico.

Recalará este barco en otros escenarios, incluido el Teatro de la Abadía de Madrid, cogerá aún más ritmo y precisión y ojalá traspase esa barrera que siempre aqueja al teatro de marionetas para llegar a su público natural que en este caso es más un público adulto y joven. Como tiene que remontar en estos tiempos a veces oscuros de lo políticamente correcto o de la hipocresía ignorante el prejuicio ante el lenguaje escatológico, las referencias sexuales implícitas en el texto o la violencia del teatro de títeres tradicional con advertencias en otro tiempo innecesarias.

Desnúdense de prejuicios, hágase el silencio y déjense llevar… Necesitarán repetir para saborear todos los ingredientes de esta preciosa farsa.

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Carole Bethuel

A veces, el cine y el teatro hacen buena boda, Lubitsch lo sabía bien. También lo ha probado Emmanuelle Courcol (1957), actor, guionista y, desde 2012 en que hizo su primer corto, también director. Su segundo largometraje, que ya ha sido proyectado en el pase de prensa, clausurará la edición más valiente de cuantas ha celebrado el Festival en sus últimos años. ‘Un triunfo’ para clausurar una edición cuya sola celebración lo ha sido ya. La historia, basada en un hecho real, la cuenta Courcol con brío, con verdad. Un grupo de presos acude, al principio sin mucho convencimiento, a un taller de teatro dentro las actividades de la prisión. El profesor, Etienne, es un actor en cierta forma fracasado, que acepta la misión porque no tiene otra cosa: lleva tres años sin pisar un escenario. Los presos están hartos de las fábulas que les hacía aprenderse el anterior director del taller. Etienne decide dar un paso más. Se da cuenta de que para ellos el mundo de Beckett no está alejado de su día a día y se propone subir una montaña: que representen ‘Esperando a Godot’.

Para ellos tampoco Godot llegará nunca, pero al menos tienen su sombra. Y lo que iba ser una representación única se convierte en una exitosa gira por teatros cada vez de más alcurnia. Las dificultades, las tensiones, los amagos de abandono… todo es lidiado por el tesón de Etienne, que ha encontrado él también un motivo para levantarse por las mañanas. La directora de la prisión es su único apoyo cuando todo parece que se torcerá definitivamente.

Magnífica la interpretación de Kad Merad en el papel de esforzado director, muy bien acompañado por el resto del elenco.

Juraj Chlpik

La película, que no puede ser tachada de amable, supuso un soplo de alivio entre tanto drama en blanco y negro. El de Servants, de Ivan Ostrochovský, que sitúa la acción en la Checoslovaquia totalitaria de los ochenta. El film denuncia la connivencia de las autoridades de la Iglesia Católica con las exigencias del Partido Comunista y la represión de cualquier intento de disidencia bajo la amenaza de cierre del seminario en el que se forman dos amigos, Juraj y Michal. El poder del miedo, el dilema de elegir entre la sumisión o la ética, son presentados con una más que destacable fotografía en blanco y negro (con atractivos y estéticos planos cenitales) y tal sequedad en el guion que difícilmente consigue del espectador algo más que una mirada externa. Difícil empatizar con sus protagonistas, pues Ostrofchvský elude con precisión de cirujano cualquier atisbo se sentimentalidad.

ESTÉTICA SIN FUNDAMENTO

No hubo respiro en la siguiente propuesta del día, la china ‘La nube en su cuarto’, un cúmulo de buenas intenciones, también con propuestas estéticas entre el blanco, el negro y el blanco y negro, y el juego de la imagen invertida. El primer largometraje de la joven cineasta Zhen Lu Xinyuan es el claro ejemplo de cómo una voluntad de estilo puede comerse el argumento y desbaratar la historia. La película tiene momentos, pero quedan aislados en un puzzle sin argamasa. Quizá la próxima vez…

LA VUELTA DE BAJO ULLOA

Y una mención para ‘Baby’, la última película de Juanma Bajo Ulloa, proyectada en sesión especial durante el Festival. La historia, una fábula contada en tono de thriller, supone la vuelta de este cineasta a su cine más personal, aquel con el que brilló en films como ‘Alas de mariposa’ o ‘La madre muerta’. Aquí una joven drogadicta da a luz un bebé al que será incapaz de cuidar, pues se encuentra en el momento más bajo de su vida. Tras venderlo a una extraña mujer se arrepiente de su decisión y decide recuperarlo. A partir de aquí la película se convierte en un cuento de terror, rodado sin palabras, puesto en pie a base de la expresividad de las intérpretes, todas mujeres, y las poderosas, barrocas y bellas imágenes que logra su director con la complicidad de la fotografía de Josep M. Civit.

Lo dicho: la vuelta a su mejor cine, que hay que celebrar, pues no es de extrañar las dificultades que en los tiempos que corren tienen este tipo de proyectos para salir adelante.

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Pocas veces se sale de un espectáculo no solo con la sensación de haber contemplado la belleza, sino también el compromiso. El compromiso con el hecho teatral, con la cultura y con el trabajo actoral. Compromiso también con el público, tantas veces enfrentado al supuesto entretenimiento con propuestas ramplonas en su ramplona espectacularidad.

Hablo de ‘Nise, la tragedia de Inés de Castro’, la última propuesta de la Compañía Nao d’Amores: ese raro empeño por llegar a seducir al público por un camino tan poco fácil a priori como la recuperación del teatro prebarroco. En esta ocasión de la tragedia prebarrroca, trayendo hasta nuestros días, refundidas, las dos obras teatrales de Jerónimo Bermúdez (1530-1599) ‘Nise lastimosa’ y ‘Nise laureada’. La versión de Ana Zamora ofrece la médula de ambos textos (para los que su autor se inspiró en el teatro de Séneca) lo suficientemente aquilatados como para, en hora y cuarto, hacer llegar al espectador no solo la leyenda ‘basada en hechos reales’ de Inés de Castro (amante del príncipe Pedro I de Portugal que fue asesinada por razón de estado y coronada después de muerta) sino la implícita reflexión del texto acerca del ejercicio del poder y de las contradicciones de la figura del rey al que se le presupone justo pues su poder emanaría presuntamente de la divinidad frente a la figura del tirano. Y así, conservando la dicción arcaica y acompañando el texto con música de la época, se saltan los puentes temporales desde las constantes de la existencia humana: el amor, el ansia de poder, el miedo al otro, la venganza, el odio…

Que la compañía Nao d’Amores la forman actores de nivel lo hemos venido constatando montaje tras montaje; que además entienden el hecho de actuar de una manera global (cantan bien y, si es el caso tocan algún instrumento, aparte de las habituales intérpretes de la partitura, en este caso Isabel Zamora y  Alba Fresno), también. Pero hay algo que destaca por encima de estas cualidades y es el concepto de compañía. Nao d’ Amores es un grupo engrasado que pone lo mejor de su profesionalidad en favor del conjunto. En un oficio en el que los egos propician interpretaciones dirigidas al lucimiento personal, conforta ver a un grupo apoyando el trabajo común, aunque no por ello deje de ser justo destacar la magnífica interpretación de Ana Huarte en el papel de la desdichada Inés.

Todo: dese el tratamiento del texto a la iluminación de la puesta en escena, pasando por la escenografía, la música y ese, una vez más, original atrevido y seductor vestuario diseñado por Deborah Macías componen una maquinaria que apuesta por la verdad escénica. Y toda maquinaria necesita de motor de arranque y de dirección, papeles ambos que encarna Ana Zamora, quien para nuestra suerte no se cansa de plantearse retos y de bucear en textos olvidados sobre los que pone la luz de su conocimiento y su entusiasmo.

Si todo esto sucede frente o cobijado por el ábside románico de San Juan de los Caballeros el goce es completo y hasta el frío de una noche de enero típicamente segoviana queda en anécdota frente a la contemplación del arte.

(Las fotos son de Álvaro Serrano Sierra)

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Cuando en los días previos a la celebración de la gala de los premios Max de las artes escénicas se decía que iba a ser muy nuestra, muy castellana, me dio un poco de susto. Pero en Ana Zamora, su directora, siempre hay que confiar. Comienza la gala y suena la Entradilla del maestro Agapito Marazuela y, a su son, un joven danzante con un traje maravilloso avanza por el pasillo, y sí, en ese momento, ya estamos seguros de que debemos confiar. Hasta ayer, la fiesta de los Max siempre me había parecido un tanto desangelada, como si sus protagonistas, a diferencia de sus compañeros del cine, no se creyeran a sí mismos lo suficientemente importantes como para protagonizar el espectáculo sin partitura ajena. Pero Zamora ha dejado claro que se puede hacer una gala saltando las costuras de una estructura marcada por listas de candidatos, recogida de premios y agradecimientos varios. Y no aburrir. Y sorprender. Sin recurrir al chiste por sistema, con un tema prefijado, la libertad, sin resultar demagógica… Y dejar en el público la sensación de haber asistido a un estreno. Castellana sí, pero nunca el folklore me había parecido menos rancio y más a cuenta. Y su traslación al mundo de hoy, menos impostada. Se hablaba de libertad (¿qué otra cosa es el arte en general y el teatro en particular?) y escuchamos a Calderón y Juan del Enzina, pero también a María Zambrano, Lorca, Luis Rosales o María Teresa León. Había trigos y amapolas pero en las espléndidas espigas que lucieron algunas de las presentadoras de la gala veía a esas mujeres de Maruja Mallo a las que les salen espigas de las manos, porque también hubo reivindicación del papel de la mujer en las artes escénicas. Como en los espectáculos que compone la directora segoviana, aquí se viene a actuar, a cantar, a recitar, a tocar el piano o lo que haga falta.  En Fernando Cayo, el conductor de la gala, tuvo un buen cómplice y, en general, la idea de ir enlazando las presentaciones de las candidaturas por quien inmediatamente antes había ocupado el escenario funcionó. Tanto los cantantes Amancio Prada, Eliseo Parra, Silvia Pérez Cruz, La Moda como los actores Ginés García Millán, Ana Otero, Marta Poveda o Charo López encajaron en el guion sin estridencias y con solvencia. Lástima que a la hora de entregar el Max de honor a Cocha Velasco no se pudiera ver el vídeo que resumía su trayectoria y en el que se oía de lejos la voz de Pepe Sacristán que quedó ahogado en los aplausos del público puesto en pie, quizá porque la presidenta de a SGAE, Pilar Jurado, que debía llamarla al escenario tras su discurso, se precipitó al hacerlo. Pero fue una gala cuidada en todos sus detalles, en la música, en la palabra, en la escenografía, en los fondos, en el vestuario… Es decir, espectáculo.

Me gusta decir que Ana Zamora tiene espíritu de titiritera. La niña que creció alucinando con las marionetas en el Festival Internacional de Segovia, el Titirimundi, puso los pies en los guiñoles y se ha convertido en una mujer de teatro total. Arriesgada y discreta. Y ese origen titiritero y segoviano fue homenajeado ayer no solo con El Nuevo Mester, no solo con los cabezudos de su ciudad avanzando por el patio de butacas sino en esa breve representación de Don Cristobita (Ay, Julio Michel, cómo te echamos de menos, seguro que andabas echando un mano para que todo saliera bien). Hubo también muchos guiños vallisoletanos desde el escenario y en general a Castilla y León, comunidad que, por primeva vez acogía la gala. Y así es como lo local, se convierte en universal.

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La última aventura de esta compañía –después de resucitar obras de Gil Vicente, Lucas Fernández, o adentrarse en piezas enigmáticas como las danzas de la muerte medievales— acaba de estrenarse en el Teatro de la Comedia de Madrid, donde permanecerá hasta el día 11, tras un preestreno en el teatro Juan Bravo de Segovia.

‘Comedia aquilana’ lleva la firma de Bartolomé Torres Naharro, un autor hoy prácticamente olvidado a pesar de haber sido uno de los autores que en el siglo XVI logró mayor difusión para unas obras en las que la fusión de preceptiva teatral y práctica escénica consiguió una gran popularidad. La pieza elegida es una ‘comedia a fantasía’ que está considerada la primera comedia romántica del teatro español.

Una beca artística de residencia de la Real Academia de España en Roma le permitió a Zamora explorar a través de los textos del dramaturgo, autor de la primera preceptiva teatral en lengua romance, “la influencia italiana en el nacimiento de una identidad teatral propia, nacional, aunque con profundas raíces en la cultura teatral europea”, según ha explicado la propia directora. En esa residencia fabricó la urdimbre de este espectáculo que terminó de cuajar en el encierro “casi monástico” de la compañía en la sede segoviana de Nao d’amores, solo que en esta ocasión no estaban solos, sino que han ido de la mano de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

¿Y el resultado? Pues el resultado es una de esas pequeñas joyas que deberían ser de obligada programación tanto en departamentos de Filología de las universidades como en todas las escuelas de teatro superando así una absurda separación a la que también se refiere Ana Zamora en los prolegómenos de este trabajo: “el desajuste entre el campo de los estudios filológicos y la práctica teatral”. ‘Comedia Aquilana’ narra los amores del caballero Aquilano y la princesa Felicina y contiene ya algunos de los elementos de lo que luego serían las señas de identidad de la comedia barroca como los enredos y lances amorosos, la figura de los criados envueltos en una trama secundaria, la utilización sistemática del verso…

Y precisamente lo primero que sorprende y tranquiliza según comienza la acción es la adecuada dicción del verso, la perfecta vocalización de los actores, eso que tanto se echa de menos hoy en día. Zamora ha tomado algunas decisiones como la de mantener algunos giros del castellano antiguo sin lastrar la audición del espectáculo. Por otra parte, los actores no solo ‘dicen’ bien sus papeles, se los ve a gusto en ellos, perfectamente ajustados a su ‘traje’ y al conjunto de los demás personajes. Porque este es quizá uno de los puntos que merecen mayor aplauso en el trabajo de Nao d’amores, la apuesta por ser de verdad una compañía donde músicos, actores, pero también cuerpo técnico, forman un todo en el que nadie intenta destacar por encima de los otros. Y el resultado es magnífico: la música, el movimiento escénico, los actores que cantan, todo fluye sin chirridos ni estridencias. Excelente una vez más el trabajo de Alicia Lázaro en la dirección musical.  Y excelente también el envoltorio dirigido por Henar Montoya, una escenografía y un vestuario alegres, coloristas, divertidos y elegantes pero que, sin necesidad de grandes dislocaciones trasladan al espectador al tiempo en el que estas comedias fueron representadas por vez primera.

‘Comedia aquilana’ hace pasar un buen rato al espectador en la hora que dura el espectáculo. Pero me atrevería a decir que esto es lo de menos. Lo importante es que si este país amara la cultura en general y la cultura teatral en particular esta pieza tendría una larga lista de compromisos por delante.

(Crítica publicada en la edición impresa de El Norte de Castilla, el domingo 4 de marzo de 2018)

La fotografía es de Javier Herrero

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Querido Julio: busco en el papel lo que solo puedo encontrar si me miro por dentro y pienso en tantos titirimundis compartidos. Y aun así, encuentro en la portada de un ‘Norte de Castilla’ atrasado una foto en la que estás subido a uno de esos pequeños monstruos del carrusel Catimini que, como un ritual, se instalaba en Segovia para anunciar la llegada de los titiriteros. Era 1999, el año que me invitaste a pregonar el Festival. Nunca te lo agradecí bastante.

Me estremece tu sonrisa. Si alguien no acabó de entenderlo es porque no te miró con detenimiento: en esa sonrisa estaba tu alma de niño, tu fantasía, la que te hizo ver como posible que en una ciudad apartada de los grandes circuitos dramáticos hubiera un festival que pusiera a Segovia, y con ella a la Comunidad, en el mapa de los acontecimientos internacionales de las artes escénicas.

El día que se levantó el telón del primer Festival Internacional de Títeres de Segovia (aún no era Titirimundi) se descorrieron muchos velos y cayeron muchos prejuicios. Ese día lejano comenzó a ensancharse nuestro mundo. Cayó la ignorancia sobre un arte que había quedado relegado a un asunto para niños, y que era mirado incluso con cierto desprecio por los profesionales de las artes escénicas. Empezamos a saber que dentro de ese universo aparentemente pequeño, simple, sin grandes presupuestos ni enrevesadas dramaturgias, cabía la tradición y la vanguardia, la poesía y la crítica social, pequeñas joyas del siglo XVIII y las nuevas tecnologías. Que las artes tienen vasos comunicantes que se enriquecen mutuamente y cuando llegan a su destinatario le cambian por dentro. Fuimos distintos, yo diría que mejores, después de ser un poco más sabios gracias a tu mundo. Más solidarios, más abiertos, más cultos. Más felices.

En aquellas primeras ediciones donde la convivencia entre titiriteros era más natural y prolongada, aprendimos a mirar al otro y a reconocernos en él. En su arte. Por lejana que fuera su procedencia y distinta su cultura. Porque tiene que ser el arte el que denuncie la fatuidad de las fronteras. Todavía Internet no nos había hecho presuntamente globales.

Aún lloro si recuerdo aquel 25 de abril en el que sentada en el autobús de la compañía Abellis Magiska, asistía junto a una decena de afortunados a un pase de su cuento oriental. Los objetos eran tan pequeños que un autobús bastaba para reunir el aforo de cada sesión. Alguien puso un clavel rojo en mis manos y en la penumbra escénica cantamos el ‘Grândola, Vila Morena’ para acompañar a los miembros de los Bonecos de Santo Aleixo… Las primeras veces quedan impresas en nuestra memoria: descubrir la ‘Opera dei pupi’ siciliana y la familia internacional de Don Cristóbal y Mr. Punch, hacer un máster en marionetas de guantes y muñecos de hilos, acompañar en su viaje a París a los personajes de las pinturas negras de Goya… Pero, en un momento de descuido, ha venido la marioneta de Phillipe Genty y te ha introducido en la maleta como años antes hizo vengativa con su manipulador. En ella te ha llevado a unirte a Rod Burnett y ahora os estáis partiendo de risa juntos, mientras nosotros aquí intentamos contener las lágrimas.

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¿Qué hace de ‘La piedra oscura’ algo tan digno de girar y girar hasta que haya estado al alcance del mayor número posible de espectadores? Tiene dos actorazos, sí, entregados a la tarea –de la que tienen que salir cada vez conmocionados– sólidos, en el punto justo de equilibrio. Detrás, desde luego, una acertada dirección. Pero sobre todo un texto de Alberto Conejero que es una joya. Más que el texto, la historia el aliento que lo hace tan de verdad. Porque eso es lo que se respira durante y al final de la obra: tanta verdad que duele.
Es mucho más que la historia imaginada de los últimos días de Rafael Rodríguez Rapún, secretario de La Barraca y el último amante de Federico García Lorca, teniente de artillería republicano que murió en un hospital militar de Cantabria, un año después que el poeta, fusilado por el ejército sublevado. Y de su primero tensa relación con Sebastián su joven carcelero, casi un niño que cree firmemente en la causa de los que ganaron la contienda. Y del verdadero encuentro entre ambos cuando cesan los eslóganes y comienzan las palabras con sentido.
Conejero da voz a los que no la tuvieron, rescata la memoria de los olvidados, habla de la redención y del verdadero heroísmo que suele consistir en mirarse por dentro y preguntarse si se estaba equivocado y donde está la verdad… Y lo hace con un texto lleno de ella, al que no le sobra nada, ni gota de grasa, ni asomo de obviedad…
Cuando recuperé el aliento pensé que la obra debería ser de obligada visión en todos los institutos de España. Y de obligada visión en el Congreso, y en los partidos políticos. Sí sobre todo entre nuestros aspirantes a gobernar el país, que tan penoso espectáculo están ofreciendo (unos más que otros, sería justo matizar) estos días. En abril vendrá a Valladolid. No se la pierdan. Es una obra íntima que busca espacios pequeños. En Segovia había gente de fuera que la había visto ya dos y tres veces. No es para menos.

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Hay dos cosas que pueden mantener joven a una mujer (y a un hombre, por supuesto). Una, la cirugía plástica (de perversos efectos secundarios para la sonrisa y el gesto en general). La otra: no claudicar. No sé si Franca Rame se hizo algún ‘arreglo’ en su físico pero está claro que no claudicó. No claudicó de la vida que, en su caso, transcurrió siempre por la orilla de la lucha. El activismo político, el

activismo feminista, el activismo cultural.

Ella y su marido formaban una pareja de teatro. El teatro fue su vida. Y al tiempo encarnaban el tipo de artista que considera que la creación debe mirar alrededor, y diseccionar con un afilado cuchillo los males del tiempo presente. Lo hicieron en ‘Aquí no paga nadie’ cuando la inflación asolaba Italia (qué oportuna obra para los tiempos que corren, por cierto); lo hicieron en ‘La violación’, para denunciar la violencia sexual contra las mujeres, una vez que la propia Franca Rame la hubiera sufrido en sus carnes sin que los culpables fueran nunca condenados; lo hicieron en ‘Pareja abierta’ (divertidísimo texto) a raíz de una crisis en su relación; lo volvieron a hacer en ‘Una mujer sola’. Y tantas veces… Escribieron decenas de obras de teatro a cuatro manos, y a cuatro manos mantuvieron su compañía, una vida entera dedicada por completo a la creación que tuvo compensación con el Nobel solo a una parte de la pareja. Por supuesto, a él.

No sé por qué (o mejor, sí lo sé) pensé en María de la O Lejárraga cuando me enteré de la muerte de Franca. Dos mujeres muy distintas y de vidas muy distantes, pero que compartieron algunas circunstancias: la más notoria, su dedicación al teatro. Como a estas alturas casi todo el mundo sabrá, Lejárraga fue la autora de las obras de teatro que firmaba en solitario su marido, Gregorio Martínez Sierra, y con las que triunfó en España y fuera de nuestro país. Ella aceptó esta situación, incluso cuando su marido la dejó por Catalina Bárcena, primera actriz de la compañía que habían fundado juntos. María Lejárraga siguió escribiendo para su famoso marido y atendiendo sus apremiantes requisitorias cuando se acercaba la fecha del estreno.

Muchas cosas cambiaron deprisa en las últimas décadas del siglo XX, pero ahora muchos de los logros conseguidos en todos los ámbitos (político, social, jurídico) se van desmontando también a gran velocidad. La diferencia entre un tiempo y otro es que ahora nos faltan referentes como el que encarnaba la pareja Fo-Rame a la que nadie puede negar (probablemente ni sus muchos detractores) su contribución al avance social.

Artículo aparecido en mi columna semana ‘Días nublados’

(En la foto de Alessandra Tarantino, Franca Rame y Darío Fo caracterizado como Berlusconi, en la sátira ‘L’Anomalo Bicefalo)

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