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El arte y la vida

Angélica Tanarro — Fri, 18 Mar 2011 13:41:00 +0000

Cuando le dieron el premio Cervantes a José Jiménez Lozano, me contó en una entrevista –hablábamos de cómo el arte o la literatura debe reflejar la vida– una preciosa anécdota de Kandinsky. Contaba que el pintor ruso, cuando empezaba a jugar con la abstracción, le enseñó uno de sus cuadros a unos campesinos. Y que estos al ver la pintura que no tenía para ellos ninguna referencia, ningún código conocido, le dijeron ‘no sabemos muy bien lo que es pero parece un icono’, y que en ese momento el artista supo que no se estaba equivocando.

Me acordé de esta historia el sábado pasado en la galería Artesonado de La Granja de San Ildefonso, uno de esos lugares que parecen milagrosos en los tiempos que corren. Allí desde hace días exponen sus últimas obras, bajo el sugestivo título de ‘La luz y la paciencia’, nueve mujeres de trayectorias y lenguajes muy distintos pero todas ellas con una seria, estimulante y fructífera carrera a sus espaldas. Son: Sofía Madrigal, Sel Jiménez, Isabel Rubio, Patricia Azcárate, Mesa Esteban Drake, Eloísa Sanz, Rosa Pérez-Carasa, Pilar Insertis y Nieves Estaire. Los responsables de la galería, siempre atentos a dar algo más, invitaron a tres personas completamente ajenas al mundo del arte a hablar sobre su pintura ante un público variopinto. El ingeniero Rafael Úrculo, el biólogo Paco Heras y el escritor y especialista en el paisaje del Guadarrama Julio Vías, fueron los toreros’ que se prestaron a estrenarse en el ruedo del arte contemporáneo, compartiendo sus impresiones sobre la obra de las tres artistas que a cada uno le tocaron en suerte. Entre el público estaban –estábamos– algunos críticos oportunamente callados.
La experiencia no solo fue interesante sino que pretendía vacunar contra el miedo que algunas personas sienten, primero, a traspasar los muros de una galería o museo donde el rótulo incluya la palabra ‘contemporáneo’. Y, después, a pronunciarse sobre lo contemplado. Hubo comentarios de lo más oportuno, conexiones entre el arte, la psicología, o la ‘sociología del paisaje’ pero también se oyeron expresiones como ‘esto me gusta aunque no sé muy bien por qué’ igualmente válidas y oportunas.
Se trataba de fulminar esas barreras que a veces se levantan innecesariamente (o interesadamente) entre el arte y la vida. Y derribar tópicos como el que nos hace creer erróneamente que el arte ‘clásico’, ese que teóricamente refleja, con fidelidad a las normas de la composición y la perspectiva, la ‘realidad’ es inteligible para todos. De hecho, para un espectador de hoy, al que le falta formación y códigos que antes eran de uso común, la pintura religiosa o mitológica, por poner un ejemplo, puede resultarle mucho más críptica (aunque incluso no lo sepa) que la más arriesgada instalación de las que pueblan los grandes espacios museísticos. Menos mal que los museos se están poniendo las pilas en el aspecto pedagógico. No hay más que ver, si no salimos del ámbito de la contemporaneidad, los ciclos de carácter didáctico que organizan centros como el Musac o el Esteban Vicente. O el curso de Arte Contemporáneo del Patio Herreriano, que tanto y tan buen público tiene. Doy fe.

(Publicado en la columna de opinión ‘Días nublados’ de la edición impresa de El Norte de Castilla el día 17 de marzo del 2011)
(En la foto, una obra de Patricia Azcárate)

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Perturbadora Louise Bourgeois

Angélica Tanarro — Fri, 04 Jun 2010 11:28:00 +0000

Para la mayoría, su nombre era apenas un sonido neblinoso, si acaso, hasta que su monumental y perturbadora ‘Mamá’ se instaló en un lateral del Guggenheim de Bilbao. Esa araña podría parecer amenazante, pero para su autora representaba la posibilidad del cobijo. Para entonces, Louise Bourgeois, era ya una figura fundamental en el arte del siglo XX. Uno de esos artistas que consiguen el dato por el que serán reconocidos: ese dato resumible en una frase, una especie de definición que servirá para identificarlos, para que de un golpe de vista o de oído el interlocutor sepa de su categoría, pero que a la larga acabará siendo una simplificación vacía de contenido. Ella fue y será para siempre ‘la primera mujer a la que el Moma le dedicó una retrospectiva’. Fue por supuesto mucho más. Ella acaba de morir en Nueva York la ciudad en la que vivió casi toda su vida desde un año después de su matrimonio con Robert Goldwater. Tenía 98 años y había nacido en París en una familia relacionada con la fabricación de tapices.
A pesar de ser mundialmente famosa, a pesar de haber entrado en todos los templos del arte contemporáneo y ser objeto de estudio y atención, el reconocimiento no le llegó pronto a esta mujer que, ya anciana y medio ausente, seguía recibiendo en su casa los domingos a artistas y admiradores que acudían a una breve visita como quien va en peregrinación a un lugar sagrado. Uno de esos encuentros fue magistralmente descrito por el escritor Eduardo Lago, que la incluyó con nombre supuesto en su novela ‘Llámame Brooklyn’.

Esto del reconocimiento tardío lo comparte, es cierto, con muchos artistas fundamentales de todos los tiempos y en especial del siglo pasado, pero aún más es un hecho compartido con muchas artistas mujeres, que además de las barreras habituales de quien abre caminos tuvo que vencer las reticencias que despertaban, y aún despertamos, las mujeres. Sólo hay que ver que su muerte ha sido, a pesar de todo ese reconocimiento, un hecho silencioso. El silencio añadido.
En los tiempos en que comenzó su carrera y aún después, cuando era una biografía de mujer la que se colaba en una obra de arte, la palabra locura, utilizada como adjetivo, aparecía con facilidad y sin el prestigio de cuando se aplicaba a un hombre. Bourgeois tuvo el valor de reconocer que todo lo que hacía era autobiográfico, que no tenía vida fuera de su obra.
Como suelo hacer cuando un artista al que admiro se va, acudo a sus palabras. Sus notas son profundamente reveladoras de una mujer que fue capaz de sublimar en su arte los traumas de su infancia y de su inquietante relación con la sexualidad. «Algunos estamos tan obsesionados por el pasado –afirma – que morimos sepultados por él. Ésta es la actitud del poeta que nunca encuentra el paraíso perdido y también es la del artista, que trabaja por motivos que nadie es capaz de comprender. Puede que lo que ambos intenten sea reconstruir algún elemento del pasado para así exorcizarlo, razón por la que el pasado tiene para muchas personas un enorme poder y belleza…»
Acercarse a su obra con curiosidad explica tantas cosas…

(Publicado en la columna de opinión ‘Días nublados’ del 3 de junio del 2010)

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Por el camino de Serra

Angélica Tanarro — Thu, 13 May 2010 20:22:00 +0000

Hay días en los que apetece perderse. No saber qué pasa alrededor. No estar pendiente de las noticias que llegan, por ejemplo, del Congreso de los Diputados, aunque sean tan trascendentes para nuestra vida. Hay momentos en los que echamos de menos un lugar apartado o un paraíso cercano de silencio y calma, a ser posible, un lugar en el que naturaleza ofrezca su cara más amable. Esos lugares a los que nos trasladamos casi siempre con la imaginación.
Pero las noticias me traen otro lugar donde aislarme del mundo exterior. Hoy me daría un paseo por los caminos en curva de Richard Serra. Dice el escultor, reciente premio Príncipe de Asturias, que su obra no adquiere su sentido definitivo hasta que no confluye con la experiencia del espectador. Algo fácil de comprobar si se ‘entra’ en una de sus esculturas más visitadas en España, la que preside una sala del Museo Guggenheim de Bilbao: ‘La serpiente’. El paso entre las altas paredes de acero invita a una reflexión sobre las dimensiones en las que se desarrolla nuestra vida, sobre los caminos trazados, las escalas, las tensiones, el vacío, el movimiento o el equilibrio.
Serra sería feliz viendo cómo el público reacciona ante sus inmensas piezas herederas y continuadoras del arte minimal en el que comenzó su carrera en los años sesenta. El espectador, movido por la fama del museo y por la fama añadida del artista, va positivamente predispuesto a encontrar un aliciente en esta experiencia. Pero cuando he sido testigo de ese ejercicio de encuentro con el arte contemporáneo (para muchas personas su primer encuentro, probablemente) no puedo evitar pensar si habrá un más allá de ese contacto.

Me explico. Serra es probablemente a pesar suyo un artista mediático en un país que aún tiene una asignatura pendiente con el arte contemporáneo. Es una tara en el sistema educativo como lo han sido los idiomas. El asunto de los idiomas, aunque lentamente, se va solucionando, el del arte sigue igual y parece que por muchos años. Así que Serra es ‘el de la escultura gigante del Guggenheim’, museo que de por sí ya era mediático antes de abrir sus puertas, también por causas ajenas al arte. Por si fuera poco, la ‘desaparición’ de una de sus obras en el Reina Sofía dio el empujón definitivo a su marca personal de titulares de prensa, competición en la que ha sido sujeto pasivo y, seguramente, sujeto sufriente.
A buen seguro que para un sector del público estas cuestiones ajenas al arte y al verdadero periodismo cultural habrán funcionado como motor de la curiosidad. Así, el paso por la serpiente y por el resto de las elípticas formas de Serra se convierte en una especie de visita a un parque temático con algo más de nivel. Pero siempre hay que quedarse con el lado positivo de las cosas. Serra es, no nos engañemos, otro desconocido fuera los círculos concretos del arte contemporáneo. ¿Qué hay detrás de esas formas no aptas para cualquier espacio y que contradicen las reglas de las inclinaciones o el equilibrio? Años de estudio y de investigación, búsqueda de nuevos lenguajes, de revolucionar el concepto tradicional de la escultura. ¡Ojalá que el premio invite a conocerlo!

(Publicado en la edición impresa de El Norte, el jueves 13 de mayo del 2010, en la columna de opinión ‘Días nublados’)

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