El jazz es un género musical especialmente poroso, que no solo admite sino que se beneficia de la contaminación, del intercambio con y de los préstamos de otros géneros; con una condición: que en dicha mezcla la improvisación sea el eje en torno al cual el resto de elementos se articulen; o dicho de otro modo, no puede haber jazz sin creación espontánea. Es por esto que resulta discutible incluir en un festival de jazz a la vocalista cubana Omara Portuondo. Es cierto que en el arranque de su carrera versionó a Ellington y colaboró con Nat ‘King’ Cole, pero incluso en esas grabaciones resulta dudoso calificarla de vocalista de jazz; arreglos de metales o el acompañamiento más o menos libre de un piano no bastan: el fraseo vocal en jazz es distinto —y distintivo—. Hoy Portuondo, nonagenaria, sigue pisando los escenarios con una entrega admirable, acunando sones y boleros, capaz incluso de rapear, y sin dejar su voz de emocionar.

La música del compositor y percusionista indio Trilok Gurtu se suele englobar en esa categoría un tanto inane de <<músicas del mundo>> (cabe preguntarse qué música no es del mundo); favorece pues la fusión tanto instrumental, con instrumentos acústicos y eléctricos, como de géneros y fronteras: desde la música clásica india al pop africano o al jazz cool. Se incline más hacia un territorio o a otro, la música de Gurtu no deja de estar abierta a la sorpresa, con una vocación muchas veces lúdica, festiva. Verlo detrás de los parches, cajas, tablas y demás accesorios que utiliza constituye un espectáculo cinético en sí mismo, y una clase magistral de flexibilidad rítmica y sobre las posibilidades melódicas que tiene la percusión.

Hace ya más o menos medio siglo que el saxo tenor Jerry Bergonzi se destacó entre la pléyade de <<postcoltrainianos>> que surgieron tras la muerte del genio. Desde entonces no ha hecho sino asentar/incrementar esa reputación, situándolo en el panteón de saxos tenores blancos junto a Stan Getz, Warne Marsh o Michael Brecker. Bergonzi cuenta con una discografía como líder con más de cuarenta referencias, y es uno de los pedagogos más reputados e infatigables en todo el mundo, profesor en el New England Conservatory of Music de Boston y autor de una serie de libros, cedés y vídeos sobre la improvisación que son de cabecera de una infinidad de estudiantes, profesores y músicos. Su sonido, redondo, rotundo, bebe quizá ante todo de Coleman Hawkins, aunque la influencia de Coltrane en su soplo resulte también incuestionable, sobre todo en ese eco de espiritualidad que consigue insuflar a sus improvisaciones. Poseedor de un conocimiento armónico vastísimo, que le permite moverse con igual soltura por un blues clásico como por una composición de vanguardia, y de una imaginación siempre renovada, poder disfrutar de su magisterio junto a tres músicos capaces de arroparlo sin fisuras es una suerte enorme para cualquier aficionado al jazz.

Quizá desde la aparición de Brad Mehldau ningún otro instrumentista haya aglutinado la efervescencia (casi) unánime, tanto en crítica como en público, que ha obtenido Julian Lage. Guitarrista con una técnica superlativa —y con el buen gusto de no hacer ostentación gratuita de ella—, la formación que privilegia como líder es la de trío con contrabajo y batería, que es la que presenta en el festival. A las cuatro cuerdas lo acompaña el contrabajista peruano Jorge Roeder, cuyo primer encuentro con Lage se remonta al 2005, y tras la batería se sienta el estadounidense Joey Baron, el veterano —de largo— del trío, que a sus 68 años presenta un currículum deslumbrante, habiendo prestado su pulso rítmico a figuras tan incontestables como Dizzy Gillespie, Fred Hersch o John Zorn. Los tres son músicos de una versatilidad pasmosa, y de quien cabe esperar una velada memorable como cierre para la XXI edición de Universijazz.

(El Norte de Castilla, 17/7/2023)

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