El disco de la semana y los Minutos Musicales desaparecieron pero el dolor de amarte permanece siempre. Y aquí está. Es una de las 137 canciones que conforman Blue Guitars, el trabajo discográfico más alucinante y prodigioso jamás publicado, un mastodóntico fresco conformado por 11 discos que lanzó al mercado el señor Chris Rea en el año 2005. Entre todas las canciones (al menos la mitad auténticas preciosidades, verdaderas obras maestras, con la guitarra única de Rea y su voz rota y cavernosa) llevo una semana con esta canción martilleándome el alma. El dolor de amarte: “Sé que no quieres verme así y que te preocupas por mí, así que si alguna vez ves una lágrima, no hay nada que puedas hacer, nadie tiene la culpa, es sólo el dolor de amarte, el dolor de amarte”.

http://www.youtube.com/watch?v=F3-eo3bRPOw

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: chris rea

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Durante el mes de agosto, y aprovechando el parón veraniego de colaboraciones para “El Norte de Castilla”, había pensado retomar mi viejo proyecto de recomendación/análisis/elección de un disco de la semana. Además, para evitar que alguien pueda tacharme de carroza impenitente en materia musical, había decidido escoger cuatro discos editados durante el último año. Al final, entre unas cosas y otras, pero sobre todo a consecuencia del trajín endemoniado que hemos tenido con los blogs alojados en “El Norte de Castilla” y con la migración de todos los archivos a una nueva plataforma, el proyecto se ha quedado en eso, en un proyecto. No me resisto, sin embargo, a hablar de uno de esos discos a los que había pensado dedicar una entrada en la categoría de “Disco de la Semana” porque constituye uno de los descubrimientos más fascinantes que he realizado en materia musical en los últimos tiempos.

Hablo de “Space Is Only Noise”, el primer disco publicado por Nicolas Jaar, un neoyorkino con raíces chilenas que, a pesar de tener sólo 21 años, había ya sorprendido a medio mundo con la publicación de un puñado de maxis donde mezclaba elegantemente el house sintético, con apuntes de jazz, sonidos latinos y bases electrónicas de baile. Ahora, con la publicación de su primer LP, Nicolas Jaar ha dado un paso al frente y ha parido un álbum inclasificable, personalísimo, misterioso, hipnótico y de apabullante belleza. Un disco ensoñador repleto de temas e interludios que se mezclan y que obligan a realizar una escucha sin pausas, a modo y manera de una suite impresionista. Un llamativo comienzo, con voces de niños y sonidos de agua, nos anuncia  el viaje elegante y vaporoso en el que nos embarcamos. A partir de ahí, todo le sirve a este nuevo niño prodigio: atractivos samples musicales, cuerdas sensuales, ritmos suaves, sonoridades cálidas, tono melancólico, voces introspectivas, notas de piano al fondo (como buen admirador de Erik Satie) y un ritmo mucho más pausado que en sus anteriores propuestas. En “Space Is Only Noise”, Nicolas Jaar se aleja de los sonidos electrónicos que le ataban a la pista de baile y apuesta por el minimalismo, la experimentación y la elegancia. Se agradece. Habrá que estar muy atentos a los nuevos trabajos del neoyorkino.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | 2 comments | Add to del.icio.us
Post tags: "nicolas jaar"

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Me fascinan las etapas crepusculares de los genios. Aquellas en las que hacen lo que les da la gana para disgusto de fans y críticos. Algunos de los mayores genios de la música publicaron sus obras más polémicas al final de su carrera. Son discos aborrecidos por la mayoría. Para los puristas constituyen un despreciable testamento de lo que había sido una carrera inmaculada. Le ocurrió a Miles Davis. También a alguien al que, no sé muy bien por qué motivo, siempre he asociado. Me refiero a Serge Gainsbourg. El que sus últimos discos se grabaran en Nueva York y el que su último trabajo editado se titulase “You’re under arrest” (como uno de los álbumes más polémicos de Miles) quizá tenga algo que ver. También puede tener algo que ver que el último álbum de los dos genios constituyese un claro flirteo con el rap….

Serge Gainsbourg publicó su decimoséptimo y último álbum de estudio el año 1987. Tras el escandaloso éxito de su anterior disco (“Love on the boat”), decidió regresar a Nueva York, inspirarse en el funk sintético y lanzarse en los brazos del rap, un movimiento musical que comenzaba su andadura por entonces. SG tenía 58 años. Los escándalos se acumulaban. Sus textos cada vez eran más provocativos y él seguía obsesionado en bucear en los sonidos de los años 80.

“You’re under arrest” es un álbum que evoca amores de un hombre maduro por las jovencitas (él las llama pisseusses), especialmente por una de nombre Samantha. Recuerda en ese sentido a los álbumes protagonizados por otras mujeres (Melody y Marilou). Como en sus últimos discos, las letras tienen un contenido altamente sexual, con multitud de juegos de palabras marca de la casa. El sonido enlaza con el electro-funk ochentero, con una poderosísima línea de bajo en la línea de los últimos trabajos de Miles con Marcus Miller al bajo. Todo el disco se presenta como un especial paseo por el Bronx, con música muy negra, funky, bastante rapeada, y como colofón una versión funk de “Mon legionnaire”, el clásico de Edith Piaf. Tal vez “You’re under arrest” no sea uno de sus mejores discos, pero resulta fascinante. Me pongo de rodillas ante este poeta obsesionado con el escándalo. Que su leyenda perdure.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: gainsbourg

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

La diosa ha regresado. Tras una década de silencio, Sade publica su sexto álbum de estudio. Diez nuevas canciones fieles a su estilo, con producción elegante y sonidos cálidos. El tema que da título al disco es sensual y tenebroso, una canción a ritmo militar contrapunteado por una explosión de guitarras eléctricas. Es la avanzadilla de un puñado de baladas intemporales marca de la casa. Melodías melancólicas, sonidos hipnóticos, algún réquiem triste, himnos acústicos, fraseos con exquisita cadencia jazzística, un alegre reggae con la participación vocal de su propia hija, preciosos arreglos de cuerda, un saxo suave y, por encima de todo ello, la voz sensual, sugerente y única de Sade. Es casi imposible no ponerse melancólico al hablar de Sade. “Soldier of love”, aunque suene actual, te hace volar al pasado. La música de Sade siempre ha sido ideal para la saudade, para el desamor, para el desgarro, para los corazones rotos, para las heridas mal cicatrizadas. Su música, con los años, gana en austeridad. De hecho, Sade cada vez se me parece más a una Leonard Cohen jazzy. Suyas son algunas de las canciones de amor, arrebato y nostalgia más sensuales y hermosas de los últimos veinticinco años. ¿”Soldier of love” es mejor o peor que otros discos de Sade? ¿Qué más da? Es Sade, probablemente la mujer más hermosa del mundo. Alguien que, a pesar de haber cumplido ya 51 años, sigue siendo una auténtica diosa. “Soldier of love” es un disco cálido, misterioso e hipnótico, pero sobre todo es un disco necesario. Y es necesario porque necesitamos de la belleza y de la poesía para sobrevivir.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: sade

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Nadie le puede negar a Pat Metheny su afán por explorar nuevos campos y por llevar su música a insólitos horizontes sin atarse a ninguna etiqueta fusionando, de paso, todo tipo de estilos. Lo ha hecho con su grupo de siempre, el Pat Metheny Group, y lo ha hecho montando múltiples formaciones (duetos, tríos, cuartetos, orquestas) y colaborando con algunos de los mejores músicos del siglo. Su última locura consiste en convertirse en hombre-orquesta, uno de los pocos formatos que este músico fabuloso no había experimentado todavía. Para ello, ha trabajado durante algunos años junto a los más grandes innovadores de la ingeniería musical y el resultado es una extraña máquina bautizada como “Orchestrion” que le permite tocar a la vez unos cuarenta instrumentos. Básicamente, el nuevo grupo del genio de Missouri está formado por máquinas que activa con su guitarra a través de un ordenador. Con esta orquesta virtual, Pat Metheny ha grabado un disco compuesto por cinco largos temas que recuerdan el particular y memorable estilo del Pat Metheny Group. Ahora no están Lyle Myes y sus chicos detrás, pero el resultado, lejos de ser frío, mantiene el fuego y la excelencia de siempre. De todas formas, lo mejor de todo es que esta orquesta mágica manipulada por un solo hombre vamos a poder verla en nuestra propia casa: Pat Metheny, probablemente el mejor guitarrista del mundo, presenta su asombroso e increíble proyecto del “Orchestrion” en Valladolid el próximo 19 de febrero. A partir de ese día, volvemos a hablar.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: pat metheny

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Aunque me habían recomendado escuchar a Nacho Vegas hasta ahora no había tenido la oportunidad. Tarde, como casi siempre, he escuchado sus cuatro discos más un puñado de EP’s (pequeños trabajos igual de importantes para él con indispensables inéditos) y he entendido a la perfección la leyenda única que este músico ha generado en el desconcertante y triste panorama musical español. Para los que llegan con retraso a la fiesta, “Canciones inexplicables” puede ser una toma de contacto perfecta: se trata de un recopilatorio que desmenuza en dos horas mágicas algunas joyas memorables de Nacho Vegas, veintidós canciones más un instrumental con ecos a western clásico.

Atormentadas y poéticas letras (a años luz de lo que suele escucharse en el pop actual) dan luz a unas melodías originalísimas. Odas malditas a un difunto (El ángel Simón), siniestras leyendas de una mujer fatal (En el jardín de la Duermevela), un himno a un cínico vividor (El hombre que casi conoció a Michi Panero), una preciosa historia de amor transformada metafóricamente en una habitación con goteras (Ocho y medio), son sólo algunos ejemplos de un cancionero único protagonizado por un tipo capaz de conciliar el poético mundo de los cantautores clásico con el enérgico de los indies de principios de los 90 (de los que fue protagonista con Manta Ray).

Personajes femeninos inolvidables (Miss Carrusel, Baby Cat Face, Ana la Friolera o una muy particular Marilyn), penas que nadan en alcohol como Mark Spitz, jardines donde el alma sueña, himnos convertidos en un brindis eterno y, por encima de todo, una obsesión: la de sobrevivir en medio del caos y la saudade (“Te quiero y tengo un plan para los dos: consiste en sobrevivir”). Nacho Vegas dibuja paisajes muy extraños mientras se mueve como pez en el agua buceando entre recovecos melancólicos de Leonard Cohen, melodías a lo Bob Dylan y particularísimos toques pop y folk. La bandera del indiepop intimista que capitanea Nacho Vegas escupe oraciones heladas de terror pero ningún dios parece responderle aún. El tipo que vive al norte del norte no desfallece por eso: “Si hay un fuego aprenderé a arder y si empiezo a arder aprenderé a apagarme”.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: nacho vegas

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Sin duda, el descubrimiento del año.

A Benjamin Bioley le consideran en su Francia natal, desde hace tiempo, el sucesor de los grandes de la chanson y, muy especialmente, del inolvidable Serge Gainsbourg. Cantante, compositor, multi-instrumentista, letrista, productor, arreglista e incluso actor, Biolay se ha destapado este año con un disco doble fastuoso, memorable y único. 23 canciones que husmean con elegancia y modernidad territorios como el pop (“Reviens mon amour”, “Si tu suis mon regard”), la chanson francesa (“Ton heritage”, “Raté”, “Tout ça me tourmente”), el jazz (“Miss Catastrophe”, “La toxicomanie”), el rock de raíces anglosajonas (“L’espoir fait vivre”, “Prenons le large”), temas que remiten a conversaciones con tono epistolar (“15 août”, “15 septembre”), encendidos homenajes con sample de Gardel incluido (“Buenos Aires”), las bandas sonoras orquestales (“La Superbe”) e incluso el hip hop a modo y manera de spoken work o rap susurrado (“Padam”, “Brandt Rapsodie”).

Benjamin Biolay ha hablado de “La superbe” como de un álbum conceptual, con sentido unificador, un disco épico que podría ser la banda sonora de una ficticia película protagonizada por un personaje durante un mes de verano. Un álbum entendido como una película: con su introducción, su parte principal y su final. También con sus personajes protagonistas y secundarios. Además, por el montaje y la estructura, la música resulta muy cinematográfica. Muy cinematográfica y muy triste (dicen que “La superbe” está dedicado a su ex, la actriz Chiara Mastroianni). El caso es que este quinto disco del poeta maldito Biolay, con sus duetos de dulce melancolía, con sus flirteos jazzísticos, con sus canciones íntimas que te arañan el alma, con su voz de susurrante chansonnier bajo colchones orquestales o nubes electrónicas y con su tristeza otoñal es uno de los más hermosos álbumes de los últimos tiempos. Una obra maestra absoluta que, casi con total seguridad, pasará completamente desapercibida en nuestras listas de éxito vendidas a los fenicios y a las radio fórmulas.

He leído en algún lugar lo siguiente: “Hay una tristeza perfecta en este último Biolay. Una melancolía que crea adicción. Música hiperestésica para hiperestésicos. Uno se quiere quedar a vivir en sus canciones. Por la compañía. Por la comodidad. Hay desnudez e indefensión en el que canta. Y ahí estás tú obligado, también, a quedarte desnudo”.

Pues eso.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: biolay

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

No contento con haber compuesto una de las mejores bandas sonoras de la historia, el mago Vangelis se ha sacado de la chistera nuevos temas inspirados (o directamente sacados) de la mítica e inolvidable “Blade Runner”. Aprovechando la celebración del 25 aniversario de la película, en 2007 se editó un triple álbum memorable. El primer CD contenía la banda sonora original remasterizada, la misma que se editó en 1994 y de la que ya hablamos aquí en su momento. En el segundo CD nos encontramos con el resto de la música y sonidos llenos de magia y misterio que ambientaban algunas escenas de la película y que no se incluyeron en la edición oficial de 1994, además de dos bonus tracks (Desolation Path y One Alone). El tercer CD está formado por composiciones nuevas inspiradas en “Blade Runner”, una auténtica joya en la que el músico griego ha combinado estilos y ha vuelto a recrear la banda sonora original de la película desde otra perspectiva. Además, para ubicarnos en la sociedad futurista y multicultural presentada en Blade Runner, incluye fragmentos hablados (en muy distintos idiomas) con las voces de grandes nombres del cine como Ridley Scott, Oliver Stone, Roman Polanski o Edward James Olmos.

No conozco mejor forma de evadirse de la realidad que ponerse unos cascos y escuchar a oscuras esta música intensa y atmosférica regada con los sintetizadores futuristas de Vangelis que nos trasladan a aquel mundo maravilloso y deprimente que imaginó Ridley Scott. Un futuro retro y de cine negro en el que podemos volver a escuchar la letanía imborrable y agónica de Rutger Hauer: “Yo he visto cosas que vosotros no creeríais: atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: blade runner, vangelis

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

¿Para cuándo el Live in Pucela?, preguntaban muchos fans de Springsteen a la salida del concierto en Valladolid. Todos sabían que el disco pirata del concierto pucelano no tardaría mucho en circular por ahí. El Boss siempre fue el líder indiscutible de los bootlegs (grabaciones de conciertos editadas de forma pirata) y ahora, con el boom de Internet, las ediciones de esos peculiares discos en directo que tanto contribuyeron en su día a forjar la leyenda de Bruce, se realizan de forma casi inmediata. Tenía mucha curiosidad por saber el título que habían escogido para el concierto, así como la portada que le habían dedicado. No hemos tardado nada en descubrirlo y, desde luego, el título elegido es muy significativo: MIRACLE AT THE JOSE ZORRILLA STADIUM.

Un milagro. Algo así fue lo que se vivió la noche del 1 de agosto. El que José Zorrilla salga por el medio también resulta acertado. No son muchos los estadios de fútbol que llevan el nombre de un escritor. El resto es un pequeño recordatorio de aquel mágico concierto: casi tres horas, un triple disco y 27 canciones, entre ellas algunas apenas tocadas por la banda en la gira, como el “Surprise, surprise” o la incendiaria versión que se marcó El Jefe de “Great Balls of Fire”. Para quien quiera remover más el recuerdo de aquella noche, un pequeño vistazo por Youtube aportará pinceladas amateurs del concierto del siglo, diminutos instantes y recuerdos incendiados de aquellas tres horas mágicas.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: springsteen

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Los springstinianos de raza, y muy especialmente los que fardan de trienios en el conocimiento de nuestro héroe, se han rasgado las vestiduras. Para ellos, “Working on a dream” es un disco flojo, fallido y gratuito, muy lejos de las excelencias a las que nos tiene acostumbrados El Boss. A mí sin embargo, sin estar a la altura de sus obras maestras, me resulta un disco sobresaliente. A años luz, desde luego, de lo que se publica habitualmente en el firmamento musical. En “Working on a dream” tenemos todo Springsteen: guitarras planeadoras, temas intimistas, pequeñas y naifs perlas de corte pop, algún guiño a Roy Orbinson, un blues eléctrico, el habitual elogio a la América rural, con el espíritu de Bob Dylan y Pete Seeger sobrevolando, el poderío rítmico característico de la E Street Band y la reconocible vehemencia vocal del de New Jersey. También la acostumbrada lírica de perdedores que abandonan la senda de la derrota y persiguen una ilusión, la de la gente que necesita un cambio (“estoy trabajando en un sueño, aunque a veces parezca tan lejano”) y, por supuesto, las recurrentes historias de amores imposibles. Eso sí, ahora el viejo rockero parece cambiar a las chicas malas por ingenuas cajeras de supermercado. Cosas de la edad.

“Working on a dream” es un disco que huele y sabe a Springsteen por los cuatro costados. También suena a Springsteen en todos sus cortes, aunque hay que reconocer que, en alguno de ellos, el productor se ha pasado tres pueblos y ha metido unos edulcorados arreglos con violines que podría haberse ahorrado. De todas formas, cualquier reproche al disco se difumina como un azucarillo cuando se escucha “Outlaw Pete”. Sólo por este épico tema, convertido desde ya en nuevo himno springstiniano, merece la pena el disco. Ocho minutos de rock de 24 quilates para narrarnos la atribulada vida de un forajido del salvaje Oeste. Rock desértico, una armónica crepuscular y ecos del spaguetti-western. Conozco a alguien que mataría por escuchar esta canción en el José Zorrilla. Habrá que andarse con cuidado en los próximos días.

© v-alvarez for EL FARO DE AQUALUNG, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: springsteen

Feed enhanced by Better Feed from Ozh