Que las decisiones de los jurados en casi todos los festivales no dejan contento a casi nadie es un hecho. Pero en el palmarés de la 70 Seminci el descontento es doble. Porque doble ha sido la Espiga de Oro, otorgada ex aequo a dos películas que tampoco han hecho muchos méritos para estar ahí. El premio principal de un certamen no debería estar dividido. Se convierte en medio premio. Hay que ser valientes y desig

‘The mastermind’

nar a la película del año por difícil que resulte la tarea. Me permito pedir al nuevo equipo del festival que ponga una cláusula (creo que en San Sebastián existe) impidiendo que el premio más importante se divida.

‘Magallanes’ y ‘The mastermind’ han sido las elegidas. De la primera no puedo opinar más allá de los comentarios adversos que me llegan de todas partes. ‘The mastermind’ puedo decir que es una de esas películas que prometen mucho más de lo que acaban dando. Kelly Reichardt comienza con pulso esta historia de un padre de familia desempleado que junto a otros dos atracadores aficionados y chapuceros roban unos cuadros en el museo de la localidad. Pero el tono de parodia y el sostén de su protagonista, Josh O’Connor, acaban naufragando en el aburrimiento. Por cierto, la película también cosechó el premio a la mejor Fotografía y aquí había tanto donde elegir que hubiera tenido más sentido el ‘ex aequo’.

‘Silent friend’

Como más lógica ha tenido –siempre a juicio de quien esto suscribe– la Espiga de Plata para ‘Silent friend’, la excelente cinta de Ildikó Enyedi que, bajo las ramas de un ginkgo centenario, cuenta tres historias en tres épocas distintas. Que el árbol sea el verdadero protagonista del film convenció también al jurado de la Espiga Verde. Lógico.

Eva Víctor, en ‘Sorry baby’

La española ‘Subsuelo’ sí tiene un guion a ratos notable que firman Fernando Franco y Begoña Arostegui, pero comparando con la competencia a la que se enfrenaba no se entiende del todo este premio Miguel Delibes. Eva Víctor, directora y guionista, además de protagonista de ‘Sorry baby’, se lleva el premio a la Interpretación Femenina y Harry Melling, por ‘Pillion’, la masculina. Nada que objetar. La mención especial en este capítulo a la familia Corral protagonista de ‘Lionel’ parece uno de esos guiños a la no profesionalidad traídos muy, muy por los pelos. Felices estaban en la lectura matinal de los premios los directores argentinos de ‘La noche está marchándose ya’ que ganaron la Espiga a la Mejor Dirección. La película rezuma amor al cine.

Atención, pregunta ¿por qué el premio Pilar Miró a la Mejor Dirección Novel se ha convertido en el premio a la Mejor Nueva Dirección Española y se ha sacado del palmarés oficial? A la espera de respuestas, la ganadora ha sido Lucía Aleñar por ‘Forastera’, una cinta que también bendijo el jurado Fipresci en Toronto. Impresionante debut.

El Fipresci de Valladolid ha sido para ‘Dos fiscales’, una película dura, de gran ambientación, excelentes diálogos y una resolución excelente. Bien.

Denise Weinbeerg en ‘El sendero azul’

El cierto caos al que tiende siempre esta última rueda de prensa con la lectura de los fallos de los distintos jurados (repeticiones de sus miembros, explicaciones demasiado largas) tuvo para mí un momento especial: cuando el jurado joven justificó su premio para ‘El sendero azul’. Un premio, dijeron, a una mirada diferente sobre la ancianidad en la persona de una mujer que se resiste a obedecer a quienes pretenden apartarla a un gueto. “Se demuestra que la belleza no siempre está en la juventud”. Un cálido aplauso para ellos.

Y puesta a contarlo todo, he sentido que ‘La chica zurda’ esté ausente del palmarés. Me captó la mirada inteligente y plácida de su directora, Shih-ching Tsou.

El director del Festival, José Luis Cienfuegos, que a punto estuvo de convertirse en protagonista absoluto de la mañana pues tuvo una pequeña caída desde el estrado que afortunadamente se quedó en anécdota, informó de un aumento en taquilla del 6% con respecto a la edición del año pasado, que se suma al 10% de incremento en la edición anterior. Las salas estaban llenas, doy fe, en todas aquellas sesiones a las que asistí. Y eso que en esta ocasión más de doscientas películas en cartel repartidas en unas siete secciones –si contamos proyecciones especiales y el ciclo de La Controversia de Valladolid– daban para elegir.

Cerramos, pues, edición y brindamos por la 71. Larga vida al Festival.

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Es bueno que el cine nos dé un respiro. Es más, si hubiera sido responsable de la programación de las matinales del Calderón en Sección Oficial hubiera invertido el orden de las películas de la última jornada . Así nos hubiéramos ido a comer –tarde, claro, con los metrajes no se puede– con un buen sabor de boca, pero nos fuimos con la dureza de ‘Orphan’, del húngaro Lâszlo Nemes (Budapest, 1977). Hablábamos en una de estas crónicas de las consecuencias extendidas en el tiempo de todas las guerras. El protagonista de ‘Orphan’, un niño judío llamado Andor, nace al término de la II Guerra Mundial, pasa sus primeros años en un orfanato y a los cuatro vuelve con su madre. La película arranca en 1957, en la capital húngara, cuatro meses después del fallido levantamiento contra el régimen comunista. Andor no ha conocido a su padre del que no se sabe su paradero, aunque se sospecha que puede estar muerto o en un campo de concentración. Él lo ha idealizado, pero su vida ya de por sí dura se volverá una pesadilla con la llegada de un hombre autoritario y violento que pretende recuperar la relación que tuvo con su madre y, de paso, ocupar el lugar del padre. Andor, al que la vida le ha enseñado su lado más oscuro, muestra esa misma oscuridad en la mirada. Y luchará con todas sus armas contra ese destino.

Nemes no cierra todas las incógnitas que plantea el origen de Andor ni la situación de sus padres. Se centra en la búsqueda de su protagonista, un excelente Bojtorján Barabás, a quien sigue de cerca en los 132 minutos de metraje. Reconocido por títulos como ‘El hijo de Saúl’ o ‘Atardecer’, ‘Orphan’ no llega a la redondez de las anteriores, desde mi punto de vista, si bien se revela como una muestra más del horror de unas vidas destrozadas por la barbarie de quienes toman las riendas del poder de manera abusiva sea en el ámbito público o privado.

El respiro lo puso de nuevo David Trueba, ese inquieto creador que lo mismo escribe con palabras que con imágenes. En esta ocasión se versiona a sí mismo. La película que cerrará en la gala de clausura la Sección Oficial de este año, ‘Siempre es invierno’, es el trasunto cinematográfico de su novela ‘Blitz’, publicada en 2015. Si algo sabe hacer Trueba es elegir a los protagonistas de sus films y aquí no ha podido elegir mejor. David Verdaguer (dos Goyas en su haber por las interpretaciones en ‘Verano 1993’ y ‘Saben aquell’, espléndido en su interpretación del humorista Eugenio) es el perfecto Miguel de la historia, un joven y poco exitoso arquitecto al que acaba de dejar su novia y que en su deambular por Lieja, a donde ha acudido para participar en un congreso, acabará teniendo una relación con una mujer mucho mayor que él (una estupenda Isabelle Renauld).

David Trueba tiene un don para contar estas historias sencillas y complicadas como la vida, sin olvidar lo importante que es la distancia con uno mismo –en este caso con sus personajes, aunque se diría que es el espejo de su saber ponerse él mismo en la distancia adecuada para hacer el trabajo– y el humor. Decía Serrat que a veces la vida nos besa en la boca y otras nos deja chupando un pavo sentados en una calabaza. La sabiduría consiste en aprovechar los primeros y dejar que pasen los segundos respirando profundamente. Trueba consigue la complicidad del elenco para mostrar un relato que con todas sus arista lo deja botando en la mente del espectador.

A LA ESPERA DEL PALMARÉS

… Y llega ese momento anual de quinielas, favoritos y demás suspenses que con la experiencia que nos asiste, muchas semincis a la espalda, sabemos que sirven de muy poco. Sobre todo cuando la Sección Oficial ha mantenido un nivel muy notable pero no ha dado ese film deslumbrante ante el que no quepan dudas. Pero esto no es más que una opinión y si algo se pone de manifiesto en un festival con tantas propuestas y tantos espectadores –que, por cierto, han dado una vez más su respaldo al certamen llenando salas y sesiones por más intempestivas a priori que parecieran, sobre todo por la longitud de las mismas– es el modo dispar con el que cada cual las recibe. Resulta aleccionador en este sentido comprobarlo tanto entre la crítica especializada como entre el espectador aficionado sin más.

Si yo tuviera que decir, teniendo en cuenta que alguna no he podido ver, las que se me han quedado en la cabeza dentro de la Sección Oficial, hablaría de ‘La chica zurda’, ‘Silent friend’ o ‘Tres adioses’, salvando la maestría de Bi Gan en ‘Resurrección’ o la excelente factura de ‘Dos fiscales’. No me olvido de los magníficos Dardenne ni de ‘Sorry baby’. Pero aquí, lo único cierto es que el mando lo tiene el jurado. O sea, ya se verá.

Por cierto, nos vemos en el cine. ¿Dónde están el resto del año todos esos espectadores que desaparecen o al menos disminuyen notablemente en cuanto el festival se cierra?

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Mañana en blanco y negro la de ayer jueves en la Sección Oficial de Seminci.

En primer lugar, la propuesta de dos jóvenes directores argentinos, Ezequiel Salinas y Ramiro Sonzini, que en 2021 codirigieron el corto ‘MI última aventura’, Espiga de Plata en este certamen. Juntos vuelven a Valladolid con su primer largo ‘La noche está marchándose ya’, título que procede de un verso de una de las canciones de la película. Con nocturnidad y textura neblinosa nos cuenta la historia de gente en crisis, en un país, Argentina, que sabe mucho de eso. Seminci también ha reflejado en sus distintas secciones sus dificultades, que se parecen a las dificultades de tantos otros. Pelu, un treintañero de pocas palabras que se mal gana la vida como proyeccionista en un cine-club municipal de Córdoba, acepta ser el sereno del local, cuando se queda sin trabajo. También tendrá que dejar el piso que comparte por falta de dinero, por lo que acaba instalándose en el cine donde de vez en cuando recibe la visita de una amiga que vive de los vídeos que cuelga en Onlyfans y de una cuadrilla de sin techo, gorrillas ocasionales y perdedores a tiempo completo, que acaban formando comunidad.

La película, con guiños al cine negro y homenajes a títulos del cine clásico que cada noche revisa el Pelu, se deja ver con agrado aunque el tono un tanto documental por el que apuestan los autores, quizá por quitar dramatismo a la situación, hace que acabe por resultar un tanto fría y distante.

Aún lo es más ‘Bajo las nubes’, el filme de Gianfranco Rosi que también apuesta por la gama de grises para contar su historia. O intentarlo al menos. Con aire de documental –género en el que es especialista el director italiano– el film nos traslada al golfo de Nápoles, a la ciudad que no ven los turistas, a las proximidades del Vesubio donde la tierra tiembla de vez en cuando. Fragmentos de vida que nos llevan a la centralita del parque de bomberos, junto los arqueólogos que revisitan Pompeya y otras localizaciones por descubrir, a los muelles del golfo, a la tienda de un librero-profesor, o al almacén del museo arqueológico donde una conservadora pasa su tiempo investigando los incontables restos que fueron dejando erupciones y terremotos… El problema es que la cinta, demasiado larga como el 90% de las propuestas al menos de la Sección Oficial, no lleva a ningún lado. Se queda en las imágenes que una fotografía con encuadres muy estudiados, a ratos onírica, a ratos subterránea, donde solo las nubes ofrecen algún respiro, destaca en una historia fragmentaria que apenas permite conectar al espectador.

Antes, el pase de prensa de ‘Vivir la tierra’ nos había llevado a todo color a la China rural anclada en formas de vida que apenas han cambiado durante centurias, Campesinos atados a la dureza de las tareas agrícolas y ganaderas y atados también a unas tradiciones y a un Estado vigilante que dejan poco resquicio a la libertad. La propuesta del director chino Huo Meng, su segundo largometraje, le valió el Oso de Plata a la mejor dirección en el Festival de Berlín.

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…Y los Dardenne volvieron a casa. Y es que Seminci lo es para estos directores belgas de alguna manera. El Festival de Valladolid los sigue desde aquel ya lejano año 1996 en que se llevaron la Espiga de Oro con su película ‘La promesa’.  Después llegarían otros títulos fundamentales en su filmografía: ‘Rosseta’, ‘El hijo,’ ‘El niño’, ‘El niño de la bicicleta’, ‘Dos días y una noche’… Su último filme, ‘Recién nacidas’ también ocupa su lugar en esta 70 edición de Seminci.

Jean-Pierre  y Luc Dardenne siguen en forma. Siguen haciendo eso tan difícil a veces de filmar: cine social, comprometido con los problemas de su tiempo, sin que se resienta el arte, sin que se asomen siquiera al panfleto. Tan solo con las armas de un guion honesto bien trabajado y una cámara que destila verdad. En ‘Recién nacidas’ abordan el tema de la maternidad adolescente en contextos de precariedad social, fundamentalmente por la pobreza pero también en el contexto de las adicciones y malos tratos.

Cinco historias, cinco madres adolescentes en un centro de acogida de Lieja donde intentan darles un futuro a ellas y a sus bebés. (Imposible no acordarse de ‘La maternal’, de Pilar Palomero). La sensibilidad, la huida del maniqueísmo, la distancia con cualquier tentación de discurso demagógico, permiten al espectador acompañar a estas jóvenes en sus miedos, en sus dudas, en la voluntad de hacerse un hueco en una sociedad que no es un lugar seguro para ellas. Película coral en la que destaca la mano de dos grandes del cine europeo.

También dejó buen sabor de boca ‘Sorry baby’, la ópera prima de la guionista, actriz y ahora directora Eva Víctor, nacida en París, criada en San Francisco y residente en Los Ángeles, que escribe, dirige y protagoniza esta historia acerca del trauma que deja en la vida del que lo sufre un abuso sexual. La protagonista es profesora en una universidad de Nueva Inglaterra y no parece muy consciente de la herida que arrastra desde que su tutor abusó de ella en esa misma universidad. Eva Víctor plantea el caso sin aspavientos, huyendo del dramatismo, siguiendo la vida de Agnes, su relación con una amiga de la carrera, la única que conoce su trauma, y con el resto de las personas que acompañan su vida. Una forma distinta de aproximarse al tema que incluye momentos de humor, una faceta –los vídeos de humor– por la que también es muy conocida la directora.

¿Se puede hacer película con un árbol como protagonista, que dure 147 minutos y que mantenga el interés del espectador? Se puede. O al menos puede la cineasta húngara Ildikó Enyedi que viene al Festival con su sexto largometraje, ‘The Silent friend’. Enyedi sabe lo que es ganar la Cámara de Oro en Cannes con su primer largo, ‘My twentieth century’, el Oso de Oro en Berlín por ‘En cuerpo y alma’, film que le valió también la nominación al Oscar. Esta vez nos hace mirar el mundo de las plantas a través de la silenciosa existencia de un ginkgo, ese árbol prehistórico cuyas hojas son de por sí un canto a la belleza. El ejemplar que atraviesa tres épocas del film está situado en el jardín de una universidad medieval en Alemania. Allí acompañaremos a un neurocientífico que queda atrapado por la pandemia del covid y vive ese periodo con la única presencia del guarda de la universidad; a la primera mujer que en 1908 fue admitida como estudiante entre sus muros y a un joven futuro filólogo que en 1972 cambia su percepción de la naturaleza gracias a un geranio que estudia una compañera, estudiante de ciencias.

A la sombra protectora del ginkgo, Enyedi construye imágenes de enorme potencia, visualmente muy atractivas, e inevitablemente nos hace preguntarnos sobre nuestra relación con la naturaleza. Los saltos temporales componen un caleidoscopio cuyos fragmentos se apoyan unos a otros, hasta hacer poco visible que la historia menos atractiva es la que sucede en el siglo XX. Con todo, es un disfrute de película.

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Avanza la Sección Oficial de Seminci sin que de momento aparezca esa película redonda y candidata incontestable a la Espiga de Oro, esa que todos buscamos mañana y tarde entre las propuestas del certamen. A estas alturas y antes de llegar al ecuador, de lo visto por esta cronista, ‘La chica zurda’ es la que más puntuaciones tendría en esa desaparecida tabla de puntuaciones de una parte de la crítica. Todas sin embargo están aquí por motivos si no sobrados sí suficientes.

Pensemos por ejemplo en ‘Dos fiscales’ la propuesta del bielorruso Sergei Loznitsa, un director premiado tanto cuando aborda la ficción como cuando se decanta por el documental. En esta ocasión aborda una historia de ficción, pero a la que se podría adjudicar el cartel de ‘basada en hechos reales’. Estamos en la Unión Soviética de 1937, es decir, en plenas purgas estalinistas en las que fueron encarcelados, torturados y asesinados decenas de miles de disidentes. Una de lasmiles de cartas de presos que el régimen mandó quemar llega a manos de un joven fiscal que decide investigar la veracidad de las torturas que denunciaba. La investigación le llevará hasta el fiscal general del régimen en Moscú.

Oigo a muchos espectadores calificar el filme de previsible por el hecho de que el atrevido y honrado fiscal no puede sino correr el mismo destino del denunciante. Siendo esto cierto, no creo que la intención de Loznitsa sea en ningún caso sorprender al espectador con un final feliz del todo improbable. El valor de la película reside en el mérito de logar contar una historia ‘previsible’ a base de diálogos. Es una película hablada. Y logra mantener el interés a lo largo de sus casi dos horas de duración. Diálogos tensos: en la celda del detenido, un hombre torturado y al borde de la muerte, en los despachos del poder, en el tren junto a los que acabarán deteniendo al joven fiscal. Cuidada ambientación, una fotografía que consigue mostrar el irrespirable ambiente de cárceles y despachos y un protagonista que mantiene la mirada de los represores con una frialdad admirable.

Que las guerras no acaban con el alto el fuego es una obviedad que sin embargo la humanidad olvida para su desgracia. Sus consecuencias duran generaciones, separan familias y truncan vidas, mucho después de que las callen las armas. Así en ‘Golpes’ ambientada en la Transición en la que dos hermanos que quedaron huérfanos tras el asesinato de su padre en la Guerra Civil han seguido caminos muy distintos: Migueli, un delincuente empeñado en recuperar el cadáver del padre –uno de tantos que siguen aún en campos y cunetas– y Sabino policía al cargo de su detención.  Primer largometraje de Rafael Cobos, hasta ahora premiado guionista con dos Goyas en su haber por la escritura de ‘La isla mínima’ y ‘El hombre de las mil caras’, ambas de Alberto Rodríguez con el que trabaja habitualmente. En su debut como director sortea bien esa frontera entre el cine de quinquis y el drama político con la inestimable colaboración de un Luis Tosar que hace creíble cualquier traje que diseñen para él y Jesús Carroza que consigue estar a la altura del gran compañero que le ha tocado en suerte. La película se deja ver sin que decaiga la atención.

Y siguiendo con el cine español: otro debut. El del murciano Carlos Saiz que presenta en Valladolid ‘Lionel’, un filme a medio camino entre la ficción y el testimonio, rodado con una familia real que se interpreta a sí misma. Exposición y pretendida reflexión de lazos familiares fallidos. Un padre apenas presente tras el divorcio de su mujer emprende un viaje con su  hijo Lionel a Francia para visitar a la hija y hermana respectivamente. Se trata de un hombre peculiar por decirlo de alguna manera suave, de difícil adaptación a las normas sociales, en definitiva, un ‘broncas’ incapaz de comunicarse con sus descendientes: un hijo que no ha cerrado las heridas del pasado y una hija, Alicia, que ha preferido distanciarse también geográficamente de una familia que no es tal.

Aunque es una historia ya vista en numerosas ocasiones la película parte de una idea arriesgada y atractiva en la forma y hubiera podido llegar a buen puerto si hubiera manejado el tempo, eso tan necesario en toda obra de creación. Tres cuartos de hora de broncas paternas, malos modos, y conversaciones fallidas, distancian de tal manera que ya no importa mucho lo que suceda después. El final, único momento algo tierno del filme, en el que parece que la sangre aún tiene algo que aportar, pilla al espectador, o al menos a esta espectadora, completamente agotada.

Como cierto agotamiento produce ‘The sound of falling’, segundo largometraje de la alemana Mascha Schilinski, que llega a la Seminci con el Premio del Jurado del Festival de Cannes en el currículum. Una granja en algún lugar del Norte de Alemania es el escenario para cuatro tiempos históricos y cuatro mujeres distintas, cuyas vidas y entornos familiares parecen reflejarse en el espejo del tiempo. Un guion con trazas líricas y muchos cabos sueltos lastra un filme que aporta sin embargo una cuidada fotografía y una dirección de arte que construyen atmósferas llenas de encanto. Una vez más, el exceso de metraje juega en su contra.

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A veces la vida acaba dando un respiro y el cine sabe contarlo. La taiwanesa afincada en Nueva York Shih-Ching Tsou aporta al festival una luminosa película sobre tres mujeres en dificultades. Una madre soltera y sus dos hijas regresan a Taipéi después de un tiempo viviendo en el campo. Del éxito de un puesto de comida en uno de los bulliciosos mercados callejeros de la ciudad depende su supervivencia. Pero nada es fácil cuando no se tienen recursos y las deudas amenazan con el cierre del modesto local. La hija mayor parece vivir una adolescencia tardía, no tiene una buena relación con su madre y la pequeña, la niña zurda que da título al film, descubre por su abuelo, al que acaba de conocer, que su mano izquierda es ‘la mano del diablo’ lo que cambiará su mirada sobre su propia naturaleza. Shih-Ching Tsou retrata un mundo en el que a pesar de la aparente modernidad viejas tradiciones y supersticiones perviven y estas suelen ser más perjudiciales para las mujeres que aún son vistas como ciudadanas de segunda en muchos aspectos.

La película es algo más que una historia de mujeres solas con problemas en un medio hostil. Es también la de la niña que verá que el mundo de los mayores no siempre es el cálido y acogedor escenario que necesita para su desarrollo. Contaba la directora en el coloquio posterior a la proyección que la pequeña actriz, Nina Ye, es ya una estrella en su país por su habitual presencia en el mundo de la publicidad. Su naturalidad y frescura, su inocencia y fuerza de carácter resultan hipnóticas.

Por su parte, la directora, también guionista y productora, es habitual colaboradora del director Sean Baker al que ha producido entre otras en ‘The Florida Project’ y codirigido con él ‘Take out’. También en esta ocasión han colaborado juntos en un guion que llevaban pensando desde hacía 20 años. La memoria personal de la directora, zurda en su infancia, y otras experiencias cercanas hicieron crecer una historia muy bien contada en la que destaca el ritmo que aporta el montaje y el ágil movimiento de la cámara siguiendo las idas y venidas de la pequeña, por el mercado que es a la vez escenario y personaje. Sórdido a ratos, luminoso a veces.

A medida que la película avanza y se van descubriendo los secretos familiares y las tensas relaciones entre sus miembros (ya avisó Tolstoi de que las familias infelices lo son cada una a su manera) las sombras parecen agrandarse sobre sus tres protagonistas, pero a veces la vida da un respiro y ‘La chica zurda’ ofrece un final liberador. La película, que en la Semana de la crítica de Cannes consiguió el premio que le dará distribución en Francia, ha sido la elegida para representar a Taiwan en la carrera de los Oscars. Merece la pena su visión.

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Dice Isabel Coixet de Alba Rohrwacher, la actriz que protagoniza su último film, que es de esas intérpretes iceberg, que consiguen transmitir al espectador que, por debajo de lo que ve cuando las miran, hay mucho más. La actriz, conocida por sus papeles en filmes como ‘Fuera de temporada’ o ‘Lazzaro feliz’, es sin duda uno de los puntales de ‘Tres adioses’, la película con la que Coixet suma tres aperturas de Sección Oficial en la Seminci.

La cámara la sigue muy de cerca en sus itinerarios en bicicleta, en su negativa a dejarse llevar por una mínima hipocresía social y en sus dudas y miedos cuando le diagnostican una grave enfermedad. Ella fluye con el film evidenciando una buena sintonía con la directora que vuelve aquí al tono de películas ya lejanas como ‘Mi vida sin mí’ o ‘La vida secreta de las palabras’.

La comparación con la primera de ellas es lógica si tenemos en cuenta el paralelismo de la historia, mujeres que se enfrentan a un posible próximo final y piensan cuál será su legado. Pero la relación va más allá de esa coincidencia argumental. Tiene que ver con el tono elegido para narrar la historia. Con ese hacer una película tranquila en medio de los terremotos de la vida. Coixet presumía, en la rueda de prensa posterior al pase de prensa de su película. de elegir muy bien a sus actores –aparte de llevarlos a comer muy bien, cosa que aconseja a sus alumnos neoyorkinos– y en esta ocasión se puede decir que ha acertado plenamente. A la sugerente, equilibrada y emotiva presencia de Alba Rohrwacher en el papel de Marta, se suman un estupendo Elio Germano (‘Berlinguer, la gran ambición’), en su papel de hombre ‘corriente’, y un conocido de nuestro cine, Francesco Carril (‘La Virgen de agosto’, ‘Tenéis que venir a verla’), que encarna a un tímido y silencioso Agostini.

La historia se desarrolla en una Roma alejada de las postales. La Roma atestada de turistas y sus monumentos quedan fuera de plano, mientras que sí se critica ese mundo de los alojamientos turísticos y las reseñas en conocidas plataformas que presuntamente guían al viajero y que convierten a este en mero consumidor.

La fluidez con que la película transcurre sobre la sencillez del guión (que adapta el libro de relatos ‘Tres cuencos’ de la escritora Michela Murgia, cuya muerte hace un par de años, le impidió ver su libro publicado) permite incluso algún acercamiento al tópico y a cierto artificio que es marca de la casa. Pero Coixet que se enfrenta una vez más a uno de sus temas predilectos: ¿qué significa realmente estar vivo?, sujeta bien los peligros, como sujeta una emotividad que podría naufragar en lo lacrimoso. No lo hace. Como ocurre con su protagonista, también es ésta una película iceberg. Por debajo de la historia fluye un río subterráneo para la reflexión…Y es que parece tan difícil aprender a vivir…

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Al contrario sucede con ‘Black dog’, del director chino Guan Hu,que desde la sequedad con la que está contada y filmada consigue más emoción, a pesar de un paisaje hostil (el director nos traslada a los confines del desierto de Gobi) en el que se desarrollan vidas sin horizonte. Lang vuelve a su ciudad natal tras salir de la cárcel y apenas encuentra complicidad en una comunidad de la que huyen los jóvenes por falta de trabajo y en la que los perros callejeros imponen su ley a medida que retrocede la vida humana. Lang compadece su soledad con la de uno de esos perros, el que más temor infunde por su agresividad y la sospecha de que puede estar afectado por la rabia. Su relación se cuenta con tintes de western, los desiertos al fin y al cabo se parecen y la soledad tiene notas que armonizan sea cual sea el ‘idioma’ de la partitura. Destaca a fotografía de Gao Weizhe sobre esos espacios de luz turbia que contribuyen a la mirada desolada frente al abandono. Me sobra la sonrisa final en primer plano del protagonista mientras abandona para siempre el lugar donde nació.

Menos interesantes me han resultado en esta edición las película con tintes de comedia, por mucho que quisieran poner el contrapunto a una edición llena de historias turbulentas como las aguas de la actualidad que vivimos. ‘Misericordia’, de Alain Guiraudie,por ejemplo, es un filme lleno de giros de guión, sorprendentes enganches a una historia que comienza siendo un filme casi de misterio para terminar en un enredo a varias bandas. Como me ha pasado con otras películas, el problema aquí, en mi opinión, es la falta de decisión en torno a cómo contar la historia. No encontrar el tono, mezclar comedia y drama (lo que no tiene por qué ser un problema) sin el hilo que suture la acción, introducir parlamentos a modo de moraleja lastran una trama que no deja de tener su interés.  Jerémie regresa a su pueblo para asistir al funeral de su antiguo jefe. Nada aquí le resultará fácil y cada miembro de la comunidad desde la viuda al sacerdote del pueblo, pasando por sus amigos de juventud, parece esconder un misterio o un rencor hacia su persona. Para pasar un rato en una tarde lluviosa.

La 69 edición de Seminci ha cumplido con lo que se espera de un festival de su prestigio y destinado al cine de autor. El nivel medio de su Sección Oficial ha sido notable auqneu se haya echado en falta esa película luminosa que concita unánime aplauso. Por mi parte me quedo con Salve María, con el talento de su directora, Mar Coll, a la hora de tratar un tema difícil desde un registro distinto al suyo habitual. Y me quedo con el buen sabor de boca de películas como ‘The brutalist’, ‘Polvo serán’, o ‘La tutoría’, sin olvidarme de ‘MI postre favorito’ y ‘La mitad de Ana’

Nos vemos en el cine

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Valiente. Es el primer adjetivo que me sale para hablar de ‘Salve María’, tercer largometraje de Mar Coll y su regreso a la Seminci donde en 2013 estrenó su segunda película, ‘Todos quieren lo mejor para ella’, que supuso el premio a la mejor interpretación femenina para Nora Navas, su protagonista. Cuatro años antes, Mar Coll se había ganado un puesto de honor en la historia de nuestro cine más reciente con su luminoso debut: ‘Tres días con la familia’ le valió el Goya a la mejor dirección novel y contribuyó a dar visibilidad a una serie de directoras jóvenes que han revolucionado las pantallas y los festivales dentro y fuera de España. Supuso sin duda un momento fundacional ya que detrás vendrían las obras de Pilar Palomero, Clara Simón, Alaida Ruiz de Azúa, Belén Funes y tantas otras.

‘Salve María’ se atreve con un tema tabú, la maternidad arrepentida, el desapego hacia el bebé que acaba de llegar al mundo, la depresión y la culpa, el miedo a no estar a la altura. Magníficamente interpretada por Laura Weissmahr en el papel de María, una escritora que acaba de ser madre y cuya angustia se ve agravada cuando conoce la noticia de una parricida que ha ahogado a sus bebés recién nacidos en la bañera de su casa y se obsesiona con ella. La cámara sigue el rosto de María y ésta imanta por completo la atención del espectador. Junto a ella, su pareja, un hombre en principio atento y preocupado pero que no puede o no sabe ver lo que le está ocurriendo a ella. La incomunicación, la incapacidad de verbalizar el trauma y la incomprensión a su alrededor incrementan su sensación de soledad de la joven madre.

Mar Coll vuelve a mostrar su talento, acompañada una vez más por su guionista de cabecera, Valentina Viso. Ambas han trabajado en la adaptación de la novela ‘Las madres no’ de Katixa Aguirre y han contado con la inspiración de Zeltia Montes, cuya música es un auténtico pilar del film. La película introduce algunas de las citas que ya estaban en la novela sobre el tema de la maternidad visto desde su lado más oscuro o al menos nada políticamente correcto. De todas ellas (aparecen Silvia Plath, Simone de Beauvoir…) la que a mi juicio refleja mejor el tema de la película es la que reza: ‘Las madres no escriben están escritas’. Algunas no lo están y Mar Coll contribuye con su cine a paliar esta laguna.

Coll no ha escrito una película para mujeres, si bien muchas se pueden ver secretamente reflejadas. Es también una película sobre la mirada de los hombres, sobre la incomunicación en la pareja, sobre la necesidad de verbalizar nuestros miedos. Y a pesar de la oscuridad del tema, de la oscuridad de muchos planos del filme y de la tensión que rezuma el desarrollo de la historia, la directora encuentra un camino de luz al final. No hablamos de happy end, es un final agridulce, real, pero inevitablemente luminoso. Vayan a verla.

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Turbia. Así es, ‘Armand’, la opera prima de Halfdan Ullmann Tondel que viene a Seminci con la Cámara de Oro conseguida en Cannes a la mejor primera película. Halfdan Ullmann maneja acertadamente la cámara para crear un ambiente asfixiante que crece a medida que avanza el film. Aquí la oscuridad dentro y fuera de los personajes. Los padres de Jon y la madre de Armand dos compañeros de colegio de seis años son convocados por la dirección del centro ante la posibilidad de que este último haya abusado de su compañero. El asunto es grave y ha de ser tratado con cautela por la dificultad de llegar a la verdad y la edad de los implicados. Pero según se desarrolla la trama en la turbiedad del colegio vacío, en la ira mal reprimida de los padres afectados, en la ambigüedad del director del centro, en la imagen de  la enfermera a la que sin saber por qué le sangra la nariz, en la suspicacia que despierta la madre de Armand y su comportamiento extravagante, se comprueba que los niños (siempre ausentes como otro de los personajes implicados) son solo una excusa para dirimir odios de adultos, heridas mal cerradas, venganzas sin cumplir.

No hay duda de que al director el talento le viene de familia (es nieto de Ingmar Bergman y Liv Ullmann) y no parece aventurado esperar buenas noticias futuras en torno a su carrera. En esta primera película ya demuestra sus dotes: la historia avanza en turbiedad y tensión con la cámara muy cerca de los rostros de sus actores (muy buenos intérpretes todos ellos, en particular Renate Reinsve a quien ya vimos triunfar en ediciones pasadas con ‘La peor persona del mundo’) hasta ese aguacero final que parece lavar la turbiedad previa, aunque la frase final sobre la distancia a la que hay que mirar al prójimo no sea precisamente luminosa. Lo malo del filme, y ya lo hemos visto en más de una ocasión en esta Seminci, es la medida: subrayar en demasía, exagerar el tono nunca es conveniente.

CRUDA CONTENCIÓN

Mucho más contenida es ‘Vermiglio’ el filme de Maura Delpero que obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia. Contenida que no complaciente en su mirada al transcurrir de doce meses en la vida de una familia afincada en una aldea perdida en los Alpes italianos durante el último año de la II Guerra Mundial. La llegada de un desertor de la guerra alterará la cotidianidad de la familia numerosa del maestro. Este es un hombre aparentemente cabal, culto, humanista pero, al fin, un hombre de su tiempo: en su relación con su esposa, constantemente embarazada, y sus hijos. Delpero cuenta esa vida perfectamente trasladable a otros mundos campesinos y a otras guerras cercanas a nuestra geografía y nuestro tiempo de un modo sutil, con la quietud de la cámara y la belleza del paisaje. Con templanza. Lo que no impide trasladar la dureza de las condiciones de vida de los habitantes de la aldea, incluso de aquellos más favorecidos por vivir en una casa donde libros y hasta un gramófono donde suena música clásica aportan algo de calidez.

SEÑALES MÁGICAS

De un modo también sutil, sin excesivos subrayados y con inteligencia cuenta Marta Nieto en su primera película como directora la historia de Son y su madre. ‘La mitad de Ana’ podría ser una película más sobre una niña que no está a gusto en su cuerpo y quiere que le traten como a un niño, pero amplia el foco y se convierte pronto en la historia de una madre en crisis que ha de enfrentarse a este momento también crítico en la vida de su retoño desde una situación de precariedad: madre separada con un empleo inestable que le aparta de su verdadera vocación que es la pintura y una relación tensa con el padre que no ayuda precisamente. Nieto cuenta esta historia que afecta a tantas mujeres que se ven amenazadas con perder la custodia de sus hijos sin aspavientos. Ana es  vigilante en la Museo Reina Sofía y contempla cada día ‘Un mundo’ el cuadro que Ángeles Santos pintó en Valladolid con apenas 17 años y le valió (tras años de olvido e incomprensión) un puesto destacado en la historia reciente del arte español. El surrealismo de la pintura (el realismo mágico, como se insiste en la película) le sirve a la directora para introducir también un elemento mágico en el filme anclado en el cuadro. Las señales que emergen del mundo que ideó la artista iluminarán su situación, le ayudarán a comprender que olvidarse de sí por la obsesión de ser una buena madre no es el camino, a empezar a recuperarse y con ello recuperar el sitio en la vida de su hijo. La película aporta esa mirada detenida, sugerente, sutil que vemos en la manera de contar las historias de las nuevas realizadoras y, sin ser redonda, supone un trabajo delante y detrás de la cámara (ella es también la protagonista de ‘La mitad de Ana’) o de pie en un escenario. Habrá que estar atentos a sus próximos proyectos.

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